Zeichnung

Ölgemälde: Milt Kobayashi: Malen Sie, was Sie sehen möchten

Ölgemälde: Milt Kobayashi: Malen Sie, was Sie sehen möchten

Milt Kobayashi gewährt den Schülern die Erlaubnis, die vollständige Kontrolle über ihre Bilder zu übernehmen und sich nicht verpflichtet zu fühlen, genau das zu malen, was sie sehen. Während eines kürzlich durchgeführten Workshops ermutigte er die Teilnehmer, die Pose, Farbe und Kostüme eines Models zu ändern, um sie ihren eigenen Ideen anzupassen.

von Molly Siple

In seinen Kursen geht es mehr darum zu lernen, offen für Möglichkeiten zu sein, und weniger darum, die Woche mit einer neuen Liste künstlerischer Aufgaben zu beenden. Ein Schüler fasste Kobayashis Unterrichtsansatz zusammen: "Er gibt uns die Erlaubnis, uns selbst zu vertrauen."

Künstler, die kürzlich an einem von Kobayashis Workshops an der Scottsdale Artists 'School teilgenommen haben, stellten fest, dass es nicht einfach ist, Malentscheidungen eher nach persönlichem Geschmack als nach Beobachtung zu treffen. In der Tat ist das, was Sie wollen, ein erlernter Prozess. Das Lernen fand an jedem der fünf Tage des Workshops statt, wobei die Vormittage einer dreistündigen Demonstration von Kobayashi gewidmet waren, während der er sehr selten sprach. "Ich unterrichte so, wie ich es gerne von Sargent lernen würde", erklärte er. "Ich möchte, dass Sargent malt und nicht nur darüber spricht. Ich würde selbst herausfinden, was er tut! "

Kobayashi half einem Studenten
stärke ihre Figurenmalerei.

Obwohl Kobayashi nur wenige Worte über seine Kunstphilosophie hat, bietet er den Schülern durch Beobachtung viele Möglichkeiten, sich mit seinem Malstil vertraut zu machen.

Er gibt auch Hinweise auf seinen Prozess, wie er Fragen beantwortet. Auf die Frage nach einer bestimmten Farbmischung, die in einem früheren Workshop beliebt war, antwortet er: "Oh, das mache ich nicht mehr." Als ein Schüler ihn auf die Art und Weise festhalten wollte, wie er Schatten aufbaut oder Hände malt, gab er Antworten wie „Es ändert sich ständig“ oder „Normalerweise mache ich das, aber heute nicht“. Die Schüler verstanden, dass sie in der Gegenwart bleiben, dem, was sie sehen, vertrauen und die künstlerische Kontrolle über ihre Arbeit übernehmen sollten.

Kobayashi lässt die Schüler auf die gleiche Weise erforschen und erfinden, wie Kunstlehrer, die in den 1960er Jahren Abstrakten Expressionismus lehrten, den Malprozess über das Thema stellten. Das eigentliche Thema - das Modell, das ein bestimmtes Outfit trägt und in einer bestimmten Pose positioniert ist - war nur ein Ausgangspunkt. Wie sich das Gemälde entwickelte, basierte auf dem, was der Künstler auf seiner Leinwand sah. Über das Malen der Figur sagte er: "Malen Sie, wie es Ihrer Meinung nach aussehen sollte."

Der erste Tag des Workshops begann mit einer Begrüßung durch Kobayashi, die sich wie eine kleine Menge begeisterter Fans anfühlte. (Die 18-köpfige Klasse füllte die ersten 45 Minuten nach Eröffnung der Registrierung aus.) Mehrere der Schüler haben seit einem Jahrzehnt oder länger an seinen Workshops teilgenommen. Die erfahrenen Freundschaften, die Kobayashi mit vielen geschlossen hat, wurden bald deutlich, als sich der Raum voller Lachen und Plaudern füllte. Ein Schüler fragte: "Wirst du uns etwas über neue geheime Farben erzählen, die du verwendest?" Er kam sofort zurück mit: "Wenn ich es wüsste, würde ich es dir nicht sagen." Dies wurde mit einem schlauen Lächeln gesagt, als Kobayashi jegliche formellen Barrieren zwischen Lehrern und Schülern beseitigte. Er machte sich und seinen Unterricht zugänglich und gab den Teilnehmern das Gefühl, von einem sehr gut informierten Freund zu lernen.

Alle Demonstrationen von Kobayashi fanden an einem Ende eines langen, großen Studios statt. Das Modell nahm ihren Platz in einem gewöhnlichen weißen Plastikstuhl auf einer niedrigen Plattform ein. Zu Beginn tönte Kobayashi eine mit Leinwand bedeckte Platte im Format 11 x 14 mit einer Mischung aus dunkelgrünem und ockerfarbenem Pigment, gemischt mit etwas Farbverdünner und Leinöl. Er wendete schnelle, feste Striche an, mischte sie und probierte verschiedene Kompositionen aus, indem er einen grundlegenden Umriss von Kopf und Schulter zeichnete. Er warnte die Schüler, sicherzustellen, dass der Kopf nicht mit dem Oberkörper ausgerichtet ist, da dies „viel zu steif“ wäre, sondern ihn stattdessen zu neigen. Er versuchte auch, innerhalb der Pose Abwechslung zu schaffen. „In jeder Pose gibt es eine aktive und eine inaktive Seite. Ich mache eine Seite sehr gerade und die andere krumm nach Kontrapunkt. “

Als nächstes positionierte er das Modell so, dass es mit dem übereinstimmte, was er gezeichnet hatte. Er neigte ihren Kopf und benutzte den Bleistift, um ihren Blick zu lenken. "So arbeite ich", erklärte er. "Ich beginne mit einer Idee, wie ich das Bild haben möchte, und dann lasse ich das Modell so sitzen." In dieser Phase der ersten Zeichnung begann er auch, die Position der Hände zu bestimmen und sie mit einfachen Rechtecken anzuzeigen. Er probierte mehrere Positionen aus, die in Bezug auf Anatomie und Pose des Modells etwas willkürlich, aber in Bezug auf das Design wichtig waren. Er trat häufig von der Leinwand zurück, um die Komposition zu beurteilen, dann passte er die Platzierung und den Winkel der Elemente an und positionierte sie für den Fluss neu, bis er zufrieden war.

Viele der Studenten
(und ihre Haustiere) hatten
besuchte frühere Workshops
mit Kobayahshi und waren
vertraut mit seinem Ansatz.

Um die Form des Kopfes zu definieren, zeichnete Kobayashi einen Kreis für den oberen Schädel und fügte dann eine Art Dreieck mit einer flachen Spitze hinzu - eine Mündungsform für die Vorderseite des Gesichts. Wenn die Platzierung nicht korrekt erschien, konnte der Künstler diese kurz notierten Formen verschieben. Er beendete die Planung des Gesichts, indem er die Augen entlang des Bogens anzeigte, in dem der Kreis in das Dreieck eingeklemmt war. Der Mund ging an die Spitze des Dreiecks und darunter zeichnete er einen vorspringenden Zylinder, der das Kinn definierte.

Kobayashi schreibt George B. Bridgman, einem renommierten Anatomielehrer an der New Yorker Art Students League in Manhattan, seit mehr als 50 Jahren diesen Ansatz zu, die Figur zu zeichnen, in der die menschliche Form auf Blöcke reduziert wird, die in andere Blöcke eingeklemmt sind . "Seine Methode war einfach und leicht, und die Blöcke zeigten die Richtung der verschiedenen Elemente des Körpers", erklärte er. "Mit diesem Ansatz können Sie das Skelett richtig machen, ohne sich über die Muskeln Gedanken machen zu müssen - was für meine Art des Malens funktioniert." Kobayashi empfahl den Schülern, Kopien von Bridgmans Büchern als Referenz zu kaufen: Bridgmans vollständiger Leitfaden zum Zeichnen aus dem Leben (Sterling Publications, New York, New York); Köpfe, Figuren und Gesichter (Dover Publications, Mineola, New York); Konstruktive Anatomie (Dover Publications, Mineola, New York).

"Manchmal ist die Pose, die ich will, wirklich schwer zu halten", erklärte Kobayashi. "Ich denke, das kommt von meinen früheren Jahren des Zeichnens, in denen ich Figuren in seltsame Positionen gebracht habe." Um dieses Problem zu lösen, dass ein Modell eine unangenehme Pose einnimmt, arbeitet Kobayashi häufig mit Polaroid-Fotografien des Modells.

„Bevor ich zu viel zeichne, male ich gerne die Massen, damit ich sehen kann, wohin das Bild geht“, erklärte Kobayashi, als er die Demonstration fortsetzte. Er verwendete einen Haselnusspinsel Nr. 4 und seine Standardpalette von Erdtönen, einschließlich einer Mutterfarbe wie Schwarz oder einem vorgemischten warmen Grau, aber ohne Cadmium und selten Weiß. Er bevorzugt auch die Farben der Mars-Serie, gibt den Schülern darüber hinaus jedoch keine festgelegte Palette spezifischer Pigmente, da sich seine Favoriten ständig ändern. Mit gelbem Ocker umriss er den Kopf mit Strichen unterschiedlicher Breite, um Form zu vermitteln, und tupfte Werte für Augen, Nase, Mund und Ohren ab. Er hielt einen Moment inne, um den Schülern zu versichern, dass sie mit der Platzierung von Features spielen könnten. „Das Gemälde ist wirklich eine Lüge. Sie müssen den Betrachter nur davon überzeugen, dass das Bild richtig ist. “ Dann setzte er sich auf eine wilde Haarmasse. Während er malte, kommentierte Kobayashi: „Ich versuche, Haare schnell und locker zu malen, weil die Haare locker sind. Ich erinnere mich an die Art von Material, das ich male, also drücken die Pinselstriche das aus. “

Studentenarbeit
Kobayashi vermeidet jede
formale Kritik des Studenten
arbeiten, weil in der Klasse
Es ist nicht genug Zeit
Bilder zu bringen
Vollendung, und er fühlt
sie zu beurteilen wäre
verfrüht. Allerdings vorbei
die Jahre hat Kobayashi
habe am meisten einen Fehler gesehen
Studenten machen: Sie haben Angst
Dunkelheiten benutzen und anfangen
ihre Bilder mit einem
Mittelton, der macht
ihre Arbeit wirkt schlammig.

Kobayashi kann auch die Farbe der Haare verändern. In dieser Demonstration malte er die Haare mit Mars schwarz, weil "es wirklich schwarz trocknet". Schwarz ist ein wesentlicher Bestandteil von Kobayashis Palette in der Tradition von Künstlern wie Degas, Manet und Velázquez. Im Allgemeinen bevorzugt er Elfenbeinschwarz gegenüber Kohlenschwarz, und wenn er möchte, dass die Haare sehr schwarz aussehen, fügt er etwas Ultramarinblau hinzu.

Als nächstes behandelte er die Hauttöne von Gesicht und Hals mit besonders schlammigen Farben, die Teil seines charakteristischen Stils sind. Er kann mit Marsviolett oder Marsgelb oder einem warmen Monochrom von Holbein beginnen. Wenn sich beim Malen noch etwas schwarzes Pigment in seinem Pinsel befindet, vermischt sich das Haar mit den anderen Farben, umso besser. "Für mich stimmt etwas nicht mit fleischigen Pflasterfarben und roten Wangen", kommentierte Kobayashi. „Sie werfen mich aus der Bahn und das Bild geht in eine konventionellere Richtung, anstatt ein Kobayashi zu sein. Ich fühle mich freier, wenn ich ungewöhnliche Farben verwende. “ Als er die Frage eines Schülers nach den spezifischen Pigmenten für das Gesicht beantwortete, zeigte er, wie viel Spaß es ihm macht, unkonventionell zu sein. "Ich plane einen grauen, hässlichen Hautton - sehr tot aussehend."

Als nächstes blockierte er im Schatten der Augenhöhle, gefolgt von der Farbe auf dem Nasenrücken und dem Schatten unter der Lippe und am Hals. Er mischte blaue, verbrannte Siena und ein gelbliches Weiß für diese. Derzeit mag er auch Holbeins Marsorange, weil "es nicht zu braun ist. Es erwärmt sich hellblau und macht einen tollen Schattenton. “ Als nächstes füllte er den freiliegenden Teil der Brust in der Nähe des Ausschnitts aus, jedoch mit einem leichteren Wert, da dieser Teil des Körpers normalerweise weniger Sonne als das Gesicht erhält. Für Kobayashi ist Wert wichtiger als Farbe. „Wert begründet dein Bild. Sie können dann jede gewünschte Farbe verwenden. “

Er wandte seine Aufmerksamkeit wieder den Händen zu und ließ das Modell verschiedene Positionen ausprobieren. "Ich bin wie ein Regisseur. Ich nehme mir viel Zeit, um die Hände so zu positionieren, dass sie nicht geballt sind oder eine zu geometrische Form haben. Beugen Sie das Handgelenk ein wenig, sonst ist es zu gerade und sieht aus wie ein Baumstamm. Denken Sie daran, wie Tänzer ihre Hände in Positionen halten, die der Form Bewegung verleihen. Ich möchte, dass sie anmutig platziert werden. “ Er macht Polaroid-Fotos von den Händen des Modells und legt sie in die Grundebenen. Obwohl er die Hände groß macht, malt er gerne die Arme dünn, um seinen Gemälden mehr Action zu verleihen und den Blick des Betrachters ins Bild zu lenken. Seine Arme sind röhrenförmig, es sei denn, sie ruhen auf einer Rückenlehne, sinken in die Polsterung oder bieten die Möglichkeit, eine weiche Kante und eine interessante Form zu schaffen.

Kobayashi bedeckte die Leinwand und legte sie in alle Werte und Formen. "An dieser Stelle möchte ich wissen, wie alles zusammenhängt", erklärte er. Als nächstes bat er die Schüler zu entscheiden, welche Farbe die Bluse des Modells haben soll. Er schlug eine kühle Farbe vor, damit die Farbe des Gesichts nicht eintönig aussieht. Die Schüler entschieden sich für Lavendel und Kobayashi mischte ein Immergrün aus einer Kombination von Violettgrau und Rose. Anschließend bedeckte er den Hintergrund mit einem Pinsel Nr. 8 und einem Spachtel mit einem warmen Beige und schnitt mit der Hintergrundfarbe in die Haarform. Er behielt dieses Farblicht bei, um die Silhouette der Figur beizubehalten. Der Künstler sagt, er vermeide Blau für den Hintergrund, weil es dem Himmel zu sehr ähnelt.

Während dieser Pause waren Kobayashis Pinselstriche sicher und harmonisch. In diesem Zusammenhang hatte der Künstler einen faszinierenden Tipp für seine Schüler: „Das Malen hat einen Rhythmus, der sich von der Palette bis zur Leinwand erstreckt, und die Größe der Behälter, in denen Sie Ihr Lösungsmittel und Ihre Pigmente aufbewahren, kann dies beeinflussen.“ Er riet. „Verwenden Sie große Behälter, um große Striche zu machen. Ich bewahre Pinsel in einer Kaffeedose auf, die Farbverdünner enthält, und verwende eine Thunfischdose mit abgenommenem Deckel für das Leinöl. Mit größeren Behältern kann ich die Bürste frei bewegen. Es ist eine Sache mit kontinuierlichem Fluss. Ich benutze diese winzigen Tassen, die sie verkaufen, nicht zum Halten von Öl. Ein kleines Bad mit einem Pinsel in eines davon und dann einen großen Strich auf der Leinwand ist ein anderer Rhythmus. “

Nachdem die Einlegung abgeschlossen war, beendete Kobayashi die erste Stufe seines Malprozesses in etwas mehr als einer Stunde. "In Phase zwei wird die Zeichnung aufgeräumt", erklärte er. Er malte nass in nass und arbeitete wieder am Gesicht. "Jetzt zeichne ich es für mich neu." Er änderte die Werte, fügte den Wangen etwas Marsviolett hinzu und betonte die Projektion der Nase.

Während der zweiten Stufe stand Kobayashi sehr nahe an der Leinwand, um „ernsthaft zu malen“. Die Schüler sahen sich das Fernglas genau an, das sie mit ihren Malutensilien mitbringen sollten. Er fügte der dunkleren Seite des Gesichts etwas Licht hinzu, weil, wie er erklärte, „diese Seite sich ins Licht krümmt“, und fügte der helleren Seite einen Schatten hinzu, um es aufzuhellen. Als nächstes konzentrierte er sich auf den Mund und schnitzte die Kante mit dem angrenzenden Fleischton. Er beschrieb die Hände. "Ich stelle mir die drei Mittelfinger der Hand als einen Keil vor, bei dem der kleine Finger und der Daumen eher Akzente setzen", kommentierte er. "Diese geben der Hand Ausdruck." Er malte dicke schwarze Linien zwischen die Finger, um sie zu definieren. Er bemerkte auch eine Farbveränderung am Handgelenkknochen und malte eine Ebene mit einer tiefen Rose. Aber die Hände waren immer noch flach und stilisiert und erinnerten an die grafischen Hände des Wiener Expressionisten Gustav Klimt.

Zu diesem Zeitpunkt überlegte Kobayashi, der Bluse der Figur ein Muster hinzuzufügen. Getreu der Freiheit, die er sich beim Malen erlaubt, entwarf er tanzende Farb- oder Streifenflecken. Inzwischen tauchte die Persönlichkeit der Figur auf. Als ein Student ihn fragte, wer die Frauen in seinen Gemälden sind und ob sie eine Botschaft haben, antwortete Kobayashi sachlich: „Ich glaube fest daran, dass es so ist, wie es ist.“ So male ich Frauen. Ich kann es nicht erklären. "

Kobayashi arbeitete an weiteren Details, als er zur dritten Stufe überging. Er entschied, wo die Pupille des Auges platziert werden sollte - 1 Uhr und hoch, um das Auge zu öffnen - und empfahl, eine viskose handgemachte Farbe wie Doak oder Harding zu verwenden und die Spitze des Auges einzutauchen, um der Pupille eine gewisse Textur zu verleihen in das Pigment einbürsten. Als nächstes passte er die Wimpern und Augenbrauen an und fügte sie dem Mund hinzu - dem ausdrucksstärksten Teil des Gesichts, weil er sich ständig ändert. „In dieser Phase überprüfe ich auch, wie ein Schlag mit einem anderen funktioniert. Ich möchte, dass die Oberfläche attraktiv aussieht. “ Er beschreibt seinen charakteristischen Pinselstrich als „runder“ und bevorzugt daher Modelle mit einem volleren Gesicht.

Nach einer Mittagspause kehrten die Workshop-Teilnehmer ins Studio zurück und entdeckten drei Models, die in verschiedenen Bereichen des Raumes posierten. Sie fingen an, die Frauen zu malen, und Kobayashi tourte durch den Raum, um eine gute Form, die grafische Ebenheit eines Designs oder den Umgang mit Farben zu ergänzen. Er erklärte, dass er laut sprechen würde, wenn er das Gemälde jeder Person kritisierte, damit diejenigen, die mit ähnlichen Problemen konfrontiert sind, von seinem Feedback profitieren könnten. Ein Student hatte Probleme mit dem Rosa eines Satinkleides, das eines der Models trug, und so zeigte Kobayashi ihr eine Reproduktion eines Sargent-Gemäldes, in dem er mit Satin umgegangen war. Dann half er dem Schüler, die Grundfarbe des Stoffes zu finden, den das Klassenmodell trug, und malte diese zuerst, bevor er Schatten- und Glanzlichtfarben hinzufügte. Er erinnerte sich auch an die Zeit, als er ein figuratives Gemälde von Sargent in seinen Computer scannte und die wenigen dunkelsten Bereiche und Glanzlichter digital löschte, um festzustellen, dass sich der Meister bei der Darstellung der Form hauptsächlich auf nur zwei Werte verlassen hatte.

Für einen anderen Teilnehmer grub er einen spanischen Kamm aus und legte ihn in die Haare des Models, um den Hintergrund zu ergänzen, den der Schüler gemalt hatte. Im Laufe des Nachmittags waren alle in ihre Arbeit vertieft. Das Malen machte plötzlich Spaß, als Kobayashi die Schüler aus dem Modellstudium befreite und sie ermutigte, ihre eigenen Originalgemälde zu schaffen.

Im Verlauf des Workshops baute Kobayashi eine herzliche Beziehung zu seinen Schülern auf. Am letzten Tag brachte jemand einen Schuster und Eis zum Teilen mit, und Kobayashi umarmte die Schüler, bevor sie sich auf den Weg machten.

Über den Künstler
Milt Kobayashi wurde in New York City als japanischer Amerikaner der dritten Generation geboren, verbrachte seine frühe Kindheit jedoch in Oahu, Hawaii und dann in Los Angeles. Er erwarb einen B.A. 1970 an der University of California in Los Angeles und begann bald als Illustrator zu arbeiten. Sein Stil passte jedoch nicht zum kommerziellen Kunstmarkt in Los Angeles, und er kehrte 1977 nach New York zurück. Bei einem Besuch im Metropolitan Museum of Art in New York City war er von einem Gemälde von Velázquez so beeindruckt. das Porträt Juan de Pareja, dass seine Karriere eine große Verschiebung in Richtung bildende Kunst nahm. Kobayashi begann, die Werke von Whistler, Chase und Sargent zu studieren - alle Künstler, die auch von Velázquez beeinflusst wurden. In der Folge wurde die japanische Kunst auch zu einer Inspiration für Kobayashi, insbesondere für die japanischen Ukiyo-e-Holzschnittmeister des 16. und 17. Jahrhunderts wie Hokusai, Sharaku und Utamaro. Kobayashi hat zwei bedeutende Auszeichnungen erhalten: den Ranger Purchase Award der National Academy of Design und die Silbermedaille der Allied Arts.

Molly Siple schreibt häufig über Kunst aus ihrer Heimatstadt Los Angeles und ist Künstlerin im California Art Club. Siehe ihren anderen Artikel in dieser Ausgabe über Kenn Backhaus.

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