Zeichnung

Aquarell: Sondra Freckelton: Planung für den Ausdruck

Aquarell: Sondra Freckelton: Planung für den Ausdruck


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Sondra Freckelton ist weithin bekannt für ihre gut geplanten, durchdachten und fachmännisch gestalteten Aquarelle, die sie nach Prinzipien entwickelt, die den künstlerischen Ausdruck erweitern. und sie wird geschätzt, um anderen zu helfen, diese Prinzipien zu lernen und gleichzeitig ein konkretes Verständnis der Aquarellmalerei zu erlangen.

von M. Stephen Doherty

Niederländische Palette
1998, Aquarell, 28 x 27.
Sammlung des Künstlers.

Beim New Yorker Künstler Sondra Freckelton führt die Schüler durch eine Reihe von Übungen, die ihnen helfen sollen, zu verstehen, wie sie ihre Bilder dynamischer und einladender für den Betrachter gestalten können. Sie sind erstaunt. Und wenn sie zeigt, wie man mit transparentem Aquarell arbeitet, um den maximalen Nutzen aus dem Medium zu ziehen, sind sie überrascht, wie logisch und angemessen ihre Methoden sind, insbesondere wenn sie andere Workshops besucht haben, in denen sie unterrichtet wurden Wie malen, aber nicht Warum. Am Ende des Workshops bemerken die Schüler oft, dass sie zum ersten Mal gelernt haben, wie man Aquarellbilder komponiert und ausführt.

Einige der Übungen, die Freckeltons Schüler machen, sollen ihnen helfen, die Auswahl und Anwendung von Farben zu verstehen, während andere darauf abzielen, dass sie erkennen, wie Materialien verwendet werden können, um den Grund für die Auswahl eines bestimmten Fachs zu vermitteln. Zum Beispiel zeigt sie, wie man einen einfachen Apfel oder eine Pflaume malt, indem sie die Töne der drei Primärfarben überlagert, um die Farbe auf dem Papier zu erzielen, anstatt die Farbe auf der Palette zu mischen. Freckelton erklärt, dass Künstler, da dies ein transparentes Medium ist, einen kräftigeren Farbton erhalten können, um leuchtende oder lebende Objekte mit einer erreichten Farbe zu malen, bei der alle verwendeten Farben offensichtlich sind. und später vielleicht im Gegensatz dazu durch Mischen der Farben auf der Palette für nicht lichtfreisetzende Motive wie Stoff oder Holz. Die Schüler machen dann ihre eigenen Versuche, transparente Farben über eine ovale Form zu schichten, die auf ein Stück weißes Papier gezeichnet ist, wobei sie stets darauf achten, wie die Farben interagieren und zur Illusion eines dreidimensionalen Objekts beitragen.

Sommerende
1995, Aquarell, 39½ x 36.
Privatsammlung.

Den Schülern zu helfen, die Gründe zu vermitteln, aus denen sie ein Thema ausgewählt haben, ist eine größere Herausforderung, da die meisten Aquarellisten lernen, einfach zu malen, was sie beobachten, und sich nicht auf die Gründe zu konzentrieren, aus denen sie sich für ein Thema interessieren. In einer Übung bittet Freckelton die Schüler, abstrakte Formen zu entwickeln, die starke Emotionen wie Angst, Frieden, Wut oder Freude vermitteln. Sobald sie ein Thema ausgewählt haben, empfiehlt sie den Schülern, sich selbst eine Postkarte mit einer Nachricht zu schreiben, die ein Betrachter ihres Gemäldes erhalten soll. Nach Abschluss des Gemäldes vergleichen die Schüler die beiden Kommunikationsformen, um festzustellen, ob sie übereinstimmen.

„Anfängliche Aquarellisten müssen sich Gedanken darüber machen, ein Thema auszuwählen, zu erkennen, warum sie es gewählt haben, und die wichtigsten und interessantesten Faktoren bestimmen. später wird dieser Prozess natürlich “, fasst Freckelton ihren Rat zusammen. „Kunst zu machen ist mehr als nur Fakten aufzuzeichnen. Der Maler muss wichtige Themen übertreiben und unwichtige oder undurchsichtige Details verringern oder weglassen. Das selektive Auge muss entwickelt werden.

„Nachdem ich jahrelang Kunst gemacht hatte, wurde mir klar, dass ich dem Wesen des Motivs umso näher kommen würde, je wirtschaftlicher ich beim Malen eines Motivs sein könnte“, fährt Freckelton fort. „Ich habe auch verstanden, dass ich durch Übertreiben der wichtigen Merkmale und Minimieren von Faktoren, die Form, Licht, Rhythmus oder Bewegung nicht verbessern, das Hauptkonzept hervorheben würde, das mich zum Malen des Bildes motiviert hat. Gleichzeitig konnte ich zu einem Bild gelangen, das mehr Leben hatte.

Kornblumen Zinnien
1979, Aquarell, 28½ x 29.
Privatsammlung.

„Der nächste Schritt ist der schwierigste und zugleich nützlichste“, erklärt der Künstler. „In diesem Schritt werden Elemente der Komposition verwendet, um Ihre Ideen zu stärken und Ihre Vision einem Publikum zu vermitteln. Es gibt Standardelemente des Designs - Linie, Form, Lautstärke, Ton -, aber es gibt andere Aspekte, die bei der Darstellung eines bestimmten Standpunkts berücksichtigt werden müssen. Dazu gehört das Format des Gemäldes (quadratisch, horizontal, vertikal); der Standpunkt des Künstlers (oben, unten oder sogar mit dem Thema); Anteil von Räumen und Farben; und die Formen, die den Betrachter in den Bildraum hinein, um ihn herum und aus ihm heraus führen. Dies sind die Überlegungen, die ein Gemälde von einem Fußgänger-Trottel zu einem aufregenden Kunstwerk machen können. “

Freckelton empfiehlt Künstlern häufig, schnelle Skizzen ihrer beabsichtigten Gemälde zu erstellen, damit sie einige dieser kompositorischen Überlegungen bewerten können, bevor sie mit dem Malen beginnen. "Der Geist sollte anfangen zu arbeiten, lange bevor der Pinsel auf das Papier trifft", empfiehlt sie. Eine der wichtigsten Überlegungen ist die Position des Zentrums von Interesse, und eine andere ist die Einrichtung eines Einstiegspunkts, von dem aus der Betrachter ins Bild geführt wird. "Es gibt einen Grund, warum die geografische Mitte des Papiers als" Totpunkt "bezeichnet wird", kommentiert sie. "Es liegt daran, dass ein Gemälde, in dem sich das Motiv an dieser Stelle befindet, leblos ist. Sie erhalten immer ein ansprechenderes Bild, wenn sich das Zentrum des Interesses gemäß den Absichten des Künstlers auf der einen oder anderen Seite befindet.

„Wenn einem Bild ein Einstiegspunkt fehlt - häufig eine diagonale Form, die sich vom unteren Rand der Seite erhebt -, spüren die Betrachter, dass sie in eine private Szene eindringen, anstatt in das Bild eingeladen zu werden“, fügt Freckelton hinzu. "Und wenn es einen Eintrittsort gibt, muss es auch einen Austrittspunkt geben, normalerweise eine Diagonale, die den Betrachter über das Bild und aus dem Bild herausführt."

Herbstende
1996 Aquarell,
37 x 38. Sammlung
der Künstler.

Freckelton und ihr Ehemann, der Künstler Jack Beal, amüsieren ihre Schüler oft, indem sie diese Verwendung von Ein- und Ausgangsebenen als Erfindung einer „Clamshell-Komposition“ bezeichnen. Damit meinen sie, dass die Raumebene, auf der der Betrachter ein Gemälde betritt, als Trapez betrachtet werden kann, das an ähnlich geformten Raumtrapezoiden angelenkt ist, durch die sie austreten werden. Im einfachsten Sinne ist es wie ein Grasfeld, das am Horizont auf den Himmel trifft, wobei das Feld als untere Hälfte der Muschelschale erscheint, der Horizont als Scharnier und der Himmel als obere Hälfte der Muschel. „So albern das auch scheinen mag - und unsere ehemaligen Schüler schicken uns ständig echte Muscheln und Muschelbilder -, erinnert das Denken an eine Muschelschale die Künstler daran, den Raum in ihren Gemälden zu berücksichtigen“, erklärt Beal. „Zu viele Künstler malen eine direkte Ansicht von Objekten, die auf einem flachen Regal stehen, oder sie stellen Modelle in einer schmalen, stufenartigen Umgebung auf. Das Ergebnis ist, dass die Bilder nicht die Tiefe haben, die man sich vorstellen kann, wenn man dieselben Motive aus einem anderen Winkel oder einer anderen Höhe malt. “

Zusätzlich zu diesen Überlegungen verwendet Freckelton eine Miniaturskizze, um zu bestimmen, ob die Objekte in einem Stillleben über die Grenzen des Papiers hinausgehen oder von diesen begrenzt werden, wenn Elemente in einem Bild als sekundäre oder tertiäre Bereiche von Interesse fungieren können, wenn Formen und Muster können wiederholt werden, um der Komposition Rhythmus zu verleihen, und ob Elemente in Maßstab oder Richtung übertrieben werden können, um dem Bild Vorfreude und Energie zu verleihen. Zum Beispiel wird Freckelton in vielen ihrer Stillleben-Gemälde kippen
einen Tisch nach vorne, damit die darauf ruhenden Gegenstände abrollen und in den Schoß des Betrachters gelangen können; oder sie vergrößert die Größe einer Blüte, um sie wichtiger als die anderen zu machen oder um die Illusion von Raum und Distanz zu verstärken.

Pfingstrosen in schillernder Schüssel
2000, Aquarell,
23¾ x 30. Sammlung
der Künstler.

Offener oder negativer Raum ist für Freckeltons Plan genauso wichtig wie der positive Raum. Sie glaubt, dass die Form und der Wert einer Hintergrundwand für den Erfolg eines Gemäldes genauso wichtig sein können wie die Details, die in den Objekten davor gemalt sind. „So wie ein großartiges Musikstück eine Vielzahl von lauten und leisen Klängen bietet und eine großartige Tanzperformance das Sportliche mit dem Anmutigen verbindet, muss ein großartiges Gemälde Bereiche der Aufregung und Ruhe bieten. Es ist eine Frage der Proportionen - von Mustern, Formen und Farben. "

Einige Aquarellisten glauben, dass all diese vorbereitenden Arbeiten die Kreativität behindern, weil sie das Malen zu einem Prozess der Ausführung eines festgelegten Plans machen, anstatt das sich entwickelnde Bild zu erkunden. "Es ist genau das Gegenteil", antwortet Freckelton. „Der Plan entwickelt sich auch weiter und ändert sich, wenn Sie mehr Elemente betrachten, die Ihr ursprüngliches Konzept verbessern. Sobald Sie wissen, warum Sie ein Motiv malen, wie Sie ein Bild zusammenstellen und eine allgemeine Vorstellung von der Reihenfolge des Farbauftrags haben, sind Sie frei von Fehlstarts und frustrierenden Korrekturen und können dann auf den Weg reagieren Die Farbe küsst das Papier. Ohne irgendeinen Plan werden Sie mit jedem Aspekt des Malprozesses zu kämpfen haben. “

Ballkrug
1989, Aquarell, 54 x 45.
Sammlung des Künstlers.

Über den Künstler
Sondra Freckelton studierte an der School of Art Institute in Chicago und begann ihre Kunstkarriere als Bildhauerin in Holz und Kunststoff. In den 1970er Jahren wechselte sie ihr Interesse zum Thema Aquarell und etablierte sich schnell als eine der wichtigsten Künstlerinnen, die mit dem Medium arbeiten. Ihre Bilder wurden in Galerien und Museen in den Vereinigten Staaten ausgestellt, für wichtige öffentliche und private Sammlungen erworben und in Dutzenden von Magazinen, Büchern und Katalogen reproduziert. Ihre Bilder wurden vom 28. August bis 14. September 2006 in der Kunstgalerie von SUNY Oneonta (auf dem Campus des State University of New York College) ausgestellt und in einem Katalog für diese Ausstellung reproduziert. Weitere Informationen zur Kunstgalerie bei SUNY Oneonta erhalten Sie von Timothy Sheesley bei SUNY Oneonta, 222 Fine Arts Building, Oneonta, NY 13820; (607) 436-2445.

Lesen Sie weitere Funktionen wie diese aus der Herbstausgabe 2006 zum 20-jährigen Jubiläum von Aquarell Zeitschrift.


Schau das Video: 3 DIY mini Watercolor Palette + Travel Kit u0026 mehr (Juni 2022).


Bemerkungen:

  1. Ely

    Ich denke du liegst falsch. Ich bin sicher.

  2. Nikozilkree

    Vielen Dank für Ihre Hilfe bei diesem Problem. Ich wusste es nicht.

  3. Basida

    nicht zu lang!

  4. Parker

    Das gleiche...

  5. Nigrel

    Nach meiner Meinung. Ihre Meinung ist falsch.

  6. Tygot

    Ich glaube, Sie machen einen Fehler. Ich kann meine Position verteidigen. Schicke mir eine PN per PN, wir reden.

  7. Rover

    Ich denke, dass Sie sich irren. Ich kann es beweisen. Schreiben Sie mir in PM, wir werden reden.



Eine Nachricht schreiben