Zeichnung

Ölgemälde: Warren Chang: Die Vergangenheit in die Gegenwart bringen

Ölgemälde: Warren Chang: Die Vergangenheit in die Gegenwart bringen

Der in Kalifornien lebende Künstler verwendet eine Palette aus dem 19. Jahrhundert, um in seinen Gemälden eine nostalgische Atmosphäre zu schaffen.

von John A. Parks

Eingang
2003, Öl, 40 x 30.
Mit freundlicher Genehmigung von Morseburg Galleries,
West Hollywood, Kalifornien.

Warren Chang malt Szenen aus zwei sehr fleißigen Welten: den landwirtschaftlichen Betrieben in der Nähe seines Hauses in Monterey, Kalifornien, und den Kunststudios und Klassen, in denen er arbeitet und unterrichtet. Beide Themen waren im 19. Jahrhundert beliebt, als Maler wie Jean François Millet (1814–1875) und die Künstler der Barbizon-Schule Szenen der niedrigsten Landarbeiter malten, die auf den Feldern arbeiteten, und als Henri Fantin-Latour (1836–1904) fertigte berühmte Bilder von Künstlern, die in ihren Ateliers arbeiten und Kontakte knüpfen. Chang hat das Erscheinungsbild dieser Bilder aus dem 19. Jahrhundert übernommen und ihnen eine durch und durch zeitgemäße Dimension verliehen. Das Ergebnis ist ein faszinierender Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, in dem zeitgenössische Bilder das Aussehen einer vergangenen Welt annehmen und alte Malkonventionen durch eine kühl moderne Haltung entmystifiziert werden.

Kunsthistorischer Vergleich
Die Demonstration 2004, Öl,
30 x 40. Privatsammlung.
Untermalung für Die Demonstration 2004,
Öl, 30 x 40. Privatsammlung.
Ein Studio bei Batignolles
von Henri Fantin-Latour, 1870, Öl, 80 x 108. Sammlung Musée d'Orsay, Paris, Frankreich.
Chang basiert Die Demonstration über Fantin-Latours Werk A Studio at Batignolles aus dem 19. Jahrhundert, in dem Manet unter anderem einem jungen Monet und Renoir eine Demonstration gibt. „Ich unterrichtete einen Kurs zum Malen von Figuren an der Akademie der Künste in San Francisco und bat die Studenten, beim Posieren für dieses Gemälde zu helfen“, sagt Chang. „Was mich am meisten interessiert, ist, wie die Studenten von heute viel lässiger gekleidet sind und dass Künstlerinnen anwesend sind, während es im Europa des 19. Jahrhunderts ein viel düstereres Kleid und eine rein männliche Präsenz gab. ”

Chang erreicht das Aussehen seiner Gemälde, indem er eine Palette verwendet, die häufig mit dem schwedischen Künstler Anders Zorn (1860–1920) in Verbindung gebracht wird. "Es ist wirklich eine Erweiterung von Zorns begrenzter Palette", sagt Chang. "Bevor ich anfing, es zu verwenden, neigte mein Farbsinn immer zum Tonalismus. Unabhängig davon, wie viele Farben ich auf meiner Palette verwendet habe, blieb der Farbsinn etwas tonal und zurückhaltend." Der Künstler sagt, dass er sehr an „weniger ist mehr“ glaubt, wenn es um Farbe geht. „Die Kraft von Rot ist zum Beispiel auf die Grau- und Brauntöne zurückzuführen, die es umgeben“, behauptet er. "Die begrenzte Palette ermöglicht es mir, diese Art von Farbe zu steuern und die Stimmung zu erzeugen, die ich erreichen möchte." Chang räumt ein, dass diese Stimmung, die am besten als eine der stillen Zurückhaltung beschrieben werden kann, deutlich nostalgische Obertöne hat. Er hat das Gefühl, dass die Feinsteuerung, die ihm seine Palette über enge Wertebeziehungen gibt, die Stärke dieser Stimmung erheblich unterstützt. „Ich verwende Cremnitz-Weiß, Ockergelb, Cadmiumgelb, Cadmiumorange, Cadmiumrot, Terra Rosa, gebrannte Siena, rohes Umbra und Elfenbeinschwarz“, sagt der Künstler. „Die Palette stützt sich stark auf die wärmeren Erdtöne, sodass mein Blues leicht durch einfaches Verwenden von Schwarzweiß erzielt werden kann. Gelegentlich füge ich Ceruleanblau hinzu, wenn ich Motive unter natürlichem Licht male. “

Künstlerpalette
2004, Öl, 14 x 18.
Sammlung des Künstlers.

Chang untersucht eine Idee für ein Gemälde in einer groben Graphitskizze. "Normalerweise arbeite ich mit Fotos", sagt er, "obwohl ich manchmal vor Ort eine Skizze mache. Ich schäme mich nicht, Fotos zu verwenden - ich entschuldige mich überhaupt nicht. Es scheint mir ziemlich unerheblich, ob ein Werk von einem Foto oder aus dem Leben gemalt wurde. “ Der Künstler verwendet häufig mehrere Fotos, um eine Szene zusammenzustellen, die er dann auf einer Leinwand skizziert. "Ich benutze keine mechanischen Mittel, um Bilder zu übertragen", sagt er. "Im Allgemeinen habe ich kein Problem damit, es nur mit dem Auge zu zeichnen." Das Gemälde beginnt mit einem Waschputz in rohem Umbra. Chang sagt, dass er einmal gebrannte Siena für seine Untermalung verwendet habe, aber festgestellt habe, dass die Farbe dadurch für seinen Geschmack zu lebendig geworden sei. „Ich lasse das Licht offen und baue die Wäsche im Schatten auf“, erklärt der Künstler. "Mit der Wäsche kann ich die Tonwerte erkunden und die Szene detailliert rendern." Chang sagt, dass er eine Waschuntermalerei gegenüber einer vollständigen undurchsichtigen Untermalung bevorzugt, da er später entscheiden kann, wo die Farbe zu einem pastosen Material verarbeitet werden soll und wo die Farbe dünn sein soll.

Porträt von Greg
2005, Öl, 28 x 24.
Sammlung des Künstlers.

Sobald die Untermalung in eine ziemlich umfassende Darstellung der gesamten Szene eingebaut wurde, lässt der Künstler sie trocknen. Anschließend fügt er mit einer Kombination aus Borsten- und Zobelpinseln Farbe hinzu. Gelegentlich benutzt er einen Fächerpinsel oder trägt sogar Farbe mit einem Spachtel auf. Dieser Ansatz führt zu einer lebhaften Variation des Bürstens und verleiht dem Gemälde Leben und Bewegung, auch wenn die begrenzte Farbpalette ein Gefühl von Zurückhaltung und Zurückhaltung vermittelt. Obwohl Changs fertige Gemälde vollständig erscheinen, bleibt die Pinselführung offensichtlich, und die Berührung des Künstlers ist ein wesentlicher Teil der Freude, seine Arbeit zu betrachten.

Einige der erfolgreichsten Gemälde von Chang zeigen Landarbeiter auf den Feldern in der Monterey Bay, wo der Künstler aufgewachsen ist. Im Annäherung an den Sturm: Brokkoli-ErnteZum Beispiel erstreckt sich ein Feld hinter einer Gruppe von Personen, die eindeutig spanischer Abstammung sind und als die armen und oft ausgebeuteten Arbeiter, auf die sich die Industrie stützt, sehr gut erkennbar sind. Sie sind voll in ihre Arbeit involviert und beeilen sich gegen das Wetter, während sie sich bücken, um die Ernte vom Boden zu ringen. Chang sagt, er sei überrascht, dass diese Bilder eine politische Dimension haben und sie eher im Kontext der Kunstgeschichte betrachten. „Diese Bilder sind teilweise von den Schriften von John Steinbeck und dem Ambiente inspiriert, in Monterey County aufzuwachsen“, sagt er. „Es gibt einen historischen Präzedenzfall, der mit dem französischen Bauernmaler Millet aus dem 19. Jahrhundert und der naturalistischen Bewegung im Allgemeinen Mitte des 19. Jahrhunderts beginnt. Die Künstler Winslow Homer [1836–1910], Eastman Johnson [1824–1906] und später Thomas Hart Benton [1889–1975] malten alle Feldarbeiter. Ich habe das Gefühl, dass ich diese Tradition fortsetze. “ Obwohl Chang darauf besteht, dass er keine politische Axt zum Schleifen hat, würdigt der Akt des Malens das Thema und macht die Öffentlichkeit darauf aufmerksam. Gemälde wie Ende des Tages und Dämmerung mag von einem herrlich modulierten romantischen Licht durchdrungen sein, aber die gebeugten Gestalten müder Arbeiter weisen uns darauf hin, dass die Welt, die wir betrachten, kein Paradies ist.

Studio bei Chestnut
2006, Öl, 30 x 40.
Sammlung des Künstlers.

Changs Gemälde des Studiolebens sind auch stark von der Kunst des 19. Jahrhunderts inspiriert. "Mein Gemälde Die Demonstration wurde von Fantin-Latour inspiriert Ein Studio bei Batignolles", Sagt der Künstler. „Fantin-Latour zeigte Manet bei einer Demonstration mit einem jungen Monet und Renoir, unter anderem mit Blick auf diesen einflussreichen Künstler. Ich unterrichtete einen Kurs zum Malen von Figuren an der Akademie der Künste in San Francisco und bat die Studenten, beim Posieren für das Gemälde zu helfen. Auf diese Weise konnten sie meinen Ansatz und meine Methode bei der Erstellung eines Bildes aus erster Hand sehen. “ Die Schüler waren nur allzu glücklich zuzustimmen, und Chang posierte und fotografierte sie, bevor er das Bild zusammenstellte. "Die Beleuchtung ist natürlich unmöglich", gesteht er. "Aber niemand merkt, dass die Leinwand, die ich auf dem Bild male, tatsächlich im Schatten verloren gehen würde." Chang bemerkt, dass er daran interessiert war, wie lässig die Kleidung der jungen Studenten von heute im Vergleich zu der „richtigen“ Kleidung des 19. Jahrhunderts in dem Gemälde von Fantin-Latour ist. Er bezog auch Frauen in das Bild ein, während Fantin-Latour in einer Welt lebte, in der eine Künstlerin eine große Seltenheit war. Wiederum wird ein charmantes Zusammenspiel zwischen Vergangenheit und Gegenwart erreicht, während die lässig gekleideten jungen Studenten in der Fantin-Latour-Malerei einen Teil der geordneten Haltung und Formalität der Gruppe des 19. Jahrhunderts einnehmen.

In Changs Gemälde Studio bei ChestnutDer Künstler zaubert einen modernen Kunstunterricht auf eine Weise, die sich zeitgemäßer anfühlt. Eine Gruppe von Studenten arbeitet an Staffeleien vor einem Modell, das von einem brillanten Lichtschein beleuchtet wird. Ein Lehrer ist damit beschäftigt, einem der Schüler Unterricht zu erteilen, während er sich selbstbewusst auf einem Hocker balanciert. Währenddessen kriecht von links Tageslicht in die Szene, und auch fluoreszierendes Licht ist sichtbar. „Ich habe das Bild um das warme, gelbe Licht zentriert, das auf das Modell trifft“, sagt der Künstler, „aber ich wollte, dass sich die Szene völlig offen und natürlich anfühlt, ohne dass sie sich wie ein Foto anfühlt.“ Laut Chang liefert die Fotografie oft bemerkenswerte Bilder von Posen und Bewegungen, die sich aus dem Leben nicht erfassen lassen. Das Problem ist, dass die aus solchen Bildern gemalten Bilder ein fotografisches Aussehen annehmen können. Chang achtet daher darauf, seine Bilder so zu bearbeiten, dass sie ein gemaltes Gefühl behalten. Der Künstler sagt Studio bei Chestnut war eines der seltenen Gemälde, für das er seiner Palette ein himmelblaues Blau hinzufügte. „Es gab keinen anderen Weg, um die coolen Highlights von Tageslicht und fluoreszierenden Lichtquellen zu erhalten“, gibt er zu.

Dämmerung von Warren Chang
2005, Öl, 24 x 30.
Mit freundlicher Genehmigung von Hauk Fine Arts,
Pacific Grove, Kalifornien.

Der Künstler ist der Ansicht, dass seine Wahl des Studiolebens als Gegenstand eine Authentizität der Arbeit garantiert. „Als ich 2001 zum ersten Mal eine Karriere in der bildenden Kunst begann, hatte ich Probleme mit dem, was ich malen sollte“, sagt er. „Nach einer 20-jährigen Karriere als Illustrator, in der mir immer gesagt wurde, was ich malen soll, war es schwierig, ein Thema zu finden, das für mich relevant war und daher eine gewisse Substanz hatte. Bei der Auswahl meiner Studio- und Unterrichtsumgebungen entdeckte ich eine Fülle interessanter Themen, die relevant waren, da ich hier die meiste Zeit außerhalb meiner Zeit mit meiner Familie verbringe. Ein Großteil meiner Themen ergibt sich aus meiner Beziehung zum Klassenzimmer und zu den Menschen, die darin leben: den Künstlern, Models und Schülern. “

Chang hat das Gefühl, dass seine Lehre ihn als bildender Künstler erheblich unterstützt hat. "Es hat mir geholfen, meine Theorien der Malerei sowohl in der Anwendung als auch in der Theorie zu verbalisieren", sagt er. "Es hält mich auch konsequent vom Leben ab, was für mein Verständnis von Malerei mit Hilfe der Fotografie wichtig ist."

Studio Interieur
2005, Öl, 24 x 18.
Privatsammlung.
Künstler und Model
2003, Öl, 24 x 18.
Privatsammlung.

Wenn der Künstler über die Zukunft seiner Arbeit spricht, scheint er darauf bedacht zu sein, seine gegenwärtigen Interessen zu verfolgen. "Ich möchte so ziemlich weitermachen, was ich getan habe", sagt er. "Ich möchte noch größere, ehrgeizigere Werke malen. Ich erinnere mich an das Zitat des Kunstkritikers der New York Times, Michael Kimmelman: „Die meisten Künstler haben eine gute Idee, vielleicht zwei. Unter den besten Umständen ist das genug für eine Karriere. "

Über den Künstler
Warren Chang geboren und aufgewachsen in Kalifornien, absolvierte 1981 das Art Center College of Design in Pasadena. Er begann seine Karriere als Illustrator und ließ zwischen 1990 und 2001 mehr als 200 Gemälde als Buchumschläge veröffentlichen. Seine Arbeiten wurden von der Society of Illustrators in New York City und dem Communication Arts Magazine ausgezeichnet. Von anderen Künstlern und Lehrern ermutigt, löste er sich schließlich von der Illustration, um 2001 eine Karriere als bildender Künstler zu verfolgen. Seitdem ist seine Arbeit bei American Artist, American Art Collector, SouthwestArt und International Artist zu sehen. Er wurde beim Salon International 2003 in Texas als Best of Show und 2004 beim Internationalen Künstlerwettbewerb mit dem zweiten Preis ausgezeichnet. Er ist Mitglied des California Art Club und stellt seit 2002 jedes Jahr in seiner jährlichen Goldmedaillenausstellung aus. Derzeit unterrichtet er Zeichnen und Malen an der Academy of Art University in San Francisco.

John A. Parks ist ein Künstler, der von der Allan Stone Gallery in New York City vertreten wird. Er ist außerdem Lehrer an der School of Visual Arts in New York City und schreibt regelmäßig Beiträge dazu Amerikanischer Künstler, Zeichnung, Aquarell, und Werkstatt Zeitschriften.

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