Wie man anfängt

Anfänger zeichnen: Bessere Linien machen, Linien besser machen

Anfänger zeichnen: Bessere Linien machen, Linien besser machen

Line gibt es schon lange. Seit der prähistorischen Zeit, als dieser erste Künstler einen Klumpen Holzasche von einem verbrauchten Lagerfeuer aufhob und eine Hand an der Höhlenwand umriss, haben Linien Formen aller Art beschrieben - Mensch, Tier und Landschaft. Und wenn Sie es mit weicheren, verschmierten Tönen verbinden, die als Wertmassen bekannt sind, haben Sie eine kombinierte unaufhaltsame Kraft - außer vielleicht durch einen guten Radiergummi.

von Dan Gheno

Line gibt es schon lange. Seit der prähistorischen Zeit, als dieser erste Künstler einen Klumpen Holzasche von einem verbrauchten Lagerfeuer aufhob und eine Hand an der Höhlenwand umriss, haben Linien Formen aller Art beschrieben - Mensch, Tier und Landschaft. Und wenn Sie es mit weicheren, verschmierten Tönen verbinden, die als Wertmassen bekannt sind, haben Sie eine kombinierte unaufhaltsame Kraft - außer vielleicht durch einen guten Radiergummi.

Sitzende Frau
von Egon Schiele, 1918, schwarzer Buntstift, 18 11/16 x 11 13/16. Sammlung Ackland Art Museum, Universität von North Carolina in Chapel Hill.

Einige Künstler werden argumentieren, dass Sie die menschliche Figur oder abstrakte Bilder am effektivsten mit Wertmassen allein rendern können, dass alles, was Sie mit Linien tun können, Sie mit hellen und dunklen Tonalitäten tun können. Das ist wahr. Einige der eindrucksvollsten Zeichnungen basieren in der Tat allein auf dem Wert. Aber im Kern sind alle fein beobachteten Tonformen durch eine implizite Kante oder konzeptuelle Linie gebunden, selbst wenn sie nur unbewusst im Kopf des Betrachters existiert. Persönlich bin ich begeistert von der expliziten Kombination von Linie und Masse in meiner eigenen Arbeit. Wie ich in diesem Artikel erläutern werde, warum nicht beide verwenden? Zuerst beschreibe ich, wie man die Leitung alleine benutzt. Später zeige ich Ihnen, wie Sie beide zu einer dynamischen Partnerschaft zusammenführen können.

Punkt und Linie zur Ebene
Die Zeile beginnt zuerst leise auf der Seite als Punkt. Dann, um locker aus dem Titel von Wassily Kandinskys Buch zu leihen, Punkt und Linie zum Flugzeug, Diese starke Markierung oder dieser starke Punkt verwandelt sich in eine Linie und verwandelt sich schließlich in den Händen eines ausgebildeten Künstlers in eine Volumenebene. Durch Variieren der Dicke, Dunkelheit und Textur der Linie können Sie eine Bewegung in und aus menschlichen Formen simulieren, insbesondere wenn Sie Linien überkreuzen lassen und an den Außenkanten der Figur vorbei in ihre inneren Spitzen und Täler graben . Abhängig von Ihrem Motiv oder Ihrer ästhetischen Absicht können Sie Linien verwenden, die scharf wie Draht sind, Linien, die rau wie Brillo sind, oder Linien, die so weich sind, dass sie mit dem umgebenden Papier verschmelzen. Die Linien können von der Direktheit von Egon Schieles oft unmodulierten Umrissen über die Pseudo-Pinselführung eines Anders Zorn oder Charles Dana Gibson bis zur kurvenreichen, gravurartigen Qualität von Dürer reichen. Abhängig davon, wie Sie Ihren Bleistift auf Papier auftragen, können Linien einen emotionalen, psychologischen Aspekt haben und zeigen fast immer eine Art visuelle, rhythmische Eigenschaft in der Art, wie sie auf der Seite tanzen.

Machen Sie jedoch nicht den üblichen Fehler zu denken, dass Linie nichts anderes als ein konzeptionelles Anliegen ist. Während des gesamten Zeichenprozesses wird Ihre Linienqualität dramatisch von Ihrer Materialauswahl, der Textur des Papiers, Ihren Zeicheninstrumenten, ihrer Schärfe und der Art und Weise, wie Sie sie in der Hand halten, beeinflusst. Zum Beispiel beginne ich meine Figurenzeichnungen lieber mit langen, geschwungenen, leicht verlegten Linien - eine unmögliche Aufgabe, wenn ich meinen Bleistift oder meine Kreide zwischen Daumen und Zeigefinger halte, wie ich es beim Schreiben eines Briefes tun würde. (Diese Handposition funktioniert hervorragend, wenn Sie die letzten Details skizzieren, insbesondere wenn Sie von einem Mahlstick oder einem kleinen, separaten, sauberen Stück Papier unter Ihrer Zeichenhand gestützt werden.) Stattdessen drehe ich zu Beginn den Handrücken zum Papier (siehe Abb. 1, links), halte den Bleistift locker gegen das Ende des Schafts und lege ihn zwischen Daumen, Handfläche und Zeigefinger. Ich ändere häufig meine Handposition in Abhängigkeit von der beabsichtigten Richtung der Linie: Wenn ich nach unten zeichne, halte ich den Bleistift von unten, damit die Schwerkraft meinen Handabstieg fest leiten kann (Abb. 2); Ich halte den Stift von oben, wenn ich nach oben zeichne (Abb. 3). Beide Positionen ermöglichen eine größere Bewegung von Schulter und Ellbogen, wobei die gezackten Bewegungen von Handgelenk und Fingern weniger wichtig sind. Sie können auch eine dünne, saubere Linie erhalten, wenn Sie mit der Richtung der Bleistiftmine zeichnen, die nur von der Rauheit des Papiers oder der Weichheit des Zeicheninstruments beeinflusst wird. Beachten Sie jedoch, wie leicht Sie die Liniendicke variieren können, wenn Sie plötzlich die Richtung ändern, z. B. von vertikal nach horizontal (Abb. 4). Beim Zeichnen mit der Welle der Mine anstelle der Spitze wird diese dünne Linie plötzlich dick. Wenn Sie sich durch die Details der Figur bewegen, wird Ihre Linie automatisch mit der Richtung Ihrer Hand und Ihres Bleistifts schwanken.

Reine Linie
Selbst mit einem Minimum an Zeilen kann man viel sagen. Wenn Sie vom Leben aus arbeiten, können Sie eine vollständig geformte menschliche Figur mit einer einfachen Eigengewichtslinie vorschlagen, indem Sie die genau beobachten und abbilden

Verdrehter Torso
von Dan Gheno, 2006,
Pastell und Sanguinischer Wachsmalstift, 9 x 12.
Sammlung des Künstlers.

Außenkanten des Modells. Schauen Sie sich Ihr Thema genau an, wie es Egon Schiele tut Liegender Akt mit erhöhtem Oberkörper, Darstellung der subtilen Variationen der äußeren Formen. Jede Beule deutet auf Knochen oder Muskeln hin. Sie können sicherlich die Proportionen der Figur verzerren oder ihre Perspektive übertreiben, wie es Schiele mit seiner Zeichnung der Frau tut, die vorwärts in die Bildebene springt, aber versuchen, offen und direkt auf die äußeren Formen zu reagieren. Ihre Betrachter werden dann die Volumina in sich spüren, basierend auf der Erfahrung und dem instinktiven Wissen ihres eigenen Körpers.

Schließung
Sie müssen Ihre Figuren nicht mit einem durchgehenden, starren, fetten Umriss umwickeln. Sie können ein tieferes Gefühl der Schließung erzeugen, indem Sie die Ränder der kleineren menschlichen Formen mit intermittierenden Linien markieren, wie es Cézanne und Degas manchmal taten. Auf diese Weise können Sie einen minimalen Ansatz wählen: Sie können beispielsweise die Wurzel, die Basis und die Nasenspitze markieren, und der Betrachter erkennt den Rest der Linie. Wenn Sie jedoch an der Simulation von Formularen interessiert sind, reduzieren Sie die Anzahl der Zeilen nicht zu stark. Sie sollten mindestens einen Hinweis auf eine Linie an wichtigen hohen und niedrigen Punkten entlang des Umfangs eines Objekts platzieren und dort, wo ein wichtiges Unterformular ein anderes kreuzt. Wenn Sie dies nicht tun, sieht die Zeichnung an manchen Stellen unvollständig oder leer aus.

Überlappende Linien
Obwohl die äußere Form wichtig ist und, wie Platon in seiner Theorie der idealen Form zu suggerieren scheint, für die Identität und Erkennung des Objekts wesentlich ist, müssen wir schließlich mit unseren Linien innerhalb der Figur reisen. Es ist für den beginnenden Künstler schwierig oder unmöglich, dies zu tun, wenn er mit Fotos arbeitet, aber während er mit dem Leben arbeitet, werden Sie sehen, wie sich Formen kontinuierlich überlappen, wenn der Hals über die Schulter gleitet oder der Deltamuskel davor läuft das Schlüsselbein und Keile in den Oberarm. In meiner Zeichnung Arm zurückschwingen, Beachten Sie, wie ich die Dicke und den Wert der Linie variiert habe, um die Schwellung der darunter liegenden Formen, insbesondere in den Beinen, zu simulieren. Beobachten Sie auch, wie ich den Übergang des linken Kalbes in das Oberschenkel dargestellt habe, wobei die überlappenden Formen, wie Bildhauer es ausdrücken, durch überlappende Linien dargestellt werden. Werden Sie jedoch nicht dogmatisch. Beachten Sie, wie ich diese Techniken diskriminierend verwende. Ich betonte die Dunkelheit in der Linie entlang der nahen Schulter, damit die schwach gerenderte ferne Schulter zurücktreten konnte. Obwohl der nahe Ellbogen näher am Betrachter als an der Schulter liegt, habe ich mich selektiv dafür entschieden, die überlappenden, knöchernen Punkte des Ellbogens anstelle der gesamten vorspringenden Form des Arms hervorzuheben, damit er nicht steif umschlossen aussieht. Ich hatte das Gefühl, dass die Linien des Ellbogens gerade dunkel und scharf genug waren, um ihn vor die zurückweichende Hand zu bringen.

Schraffur
Viele Künstler bevorzugen eine topografische, schraffierte Herangehensweise an ihre Linienführung, wie beispielsweise in Albrecht Dürers Zeichnungen. Sie können viel lernen, wenn Sie sich die Arbeit dieses Künstlers der nördlichen Renaissance ansehen. Im Kopf eines Apostels, Sehen Sie, wie er seine Linie um die Formen webt, indem er längere, allmählich geschwungene Striche auf der weicheren, runderen Form des Gesamtkopfes verwendet. In der Zwischenzeit verwendet er kürzere Schraffurstriche, die sich in der Richtung abwechseln, um die kleineren, eckigeren Formen der Falten und knöchernen Landmarken zu beschreiben. Beobachten Sie, wie er Linien im Detail abgestuft überlappt. Er schichtet die Schraffur niemals rechtwinklig mit Tic-Tac-Toe. Normalerweise führt ein Strich allmählich in den anderen, und wie bei der Hervorhebung in weißen Linien kann die Schraffur ein fast spiralförmiges Aussehen annehmen. Beachten Sie in einem anderen Beispiel, wie stark die Tiefe der Michelangelos-Linien variiert und dunkler und intensiver zu werden scheint, wenn sie sich um die akzentuierten knöchernen und harten Muskelpunkte auf der Figur in vereinigen Studie eines männlichen Aktes. Wenn er mit Feder und Tinte gerendert wird, scheinen seine Akzente nicht nur dunkler zu werden, sondern auch ein fast poliertes, brüniertes Aussehen zu haben.

Versuchen Sie, einige Zeit damit zu verbringen, alte Stiche zu studieren oder zu kopieren, wie es die Studenten der Französischen Akademie im 18. und 19. Jahrhundert tun mussten. Es ist auch hilfreich, Comiczeichner wie Neal Adams oder Mort Drucker auf ihre reibungslosen Interlacing-Schraffurmethoden zu untersuchen. Dies wird Ihr Auge auf die Nuance der Linie abstimmen und Ihnen helfen, eine Subtilität und Syntax für Ihre Schraffurtechnik zu entwickeln. Aber übertreibe es nicht und werde kein Sklave für ausgefallene pyrotechnische Linien. Wenn Sie vom Leben aus arbeiten, verbringen Sie mindestens so viel Zeit damit, sich das Modell anzusehen, wie Sie die Linien rendern. Andernfalls sieht Ihre Zeichnung simpel und stilisiert aus, eingewickelt in eine verschlungene Masse aus Stacheldraht oder was Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, ein Künstler und einflussreicher Schriftsteller für Kunsttechniken des 19. Jahrhunderts, als elende Studien und die etwas absurde Geduld von bezeichnet jene Individuen, die… genau das Gravurwerkzeug anstelle der Natur imitieren. Laut dem Kunsthistoriker Albert Boime jammerten die Lehrer der französischen Akademie häufig über die Tendenz ihrer fortgeschrittenen Schüler, auf diese Weise zu zeichnen, ohne zu wissen, dass ihre frühe Überbetonung des sinnlosen Kopierens von Gravuren das kalte und leblose Aussehen förderte, das die Akademie selbst kritisierte .

Die Verschmelzung von Linie und Masse
Um einen Kontrapunkt zu diesem harten Ansatz zu erhalten, werfen Sie einen langen Blick auf die Zeichnungen von Charles Dana Gibsons.

Eine erste Nacht
von Charles Dana Gibson, Tinte.

in weicheren, breiteren und lockereren Strichen gerendert. Zusammen mit mehreren Künstlern und Illustratoren in dieser Zeit zwischen Jahrhunderten versuchte Gibson, den fließenden, malerischen Effekt der Wertmassage nur mit der Linie nachzuahmen. Obwohl viele seiner frei geschwungenen und parallelen Linien den Volumen seiner Motive zu folgen scheinen, scheint sein Ziel weniger das taktile Gefühl der Form zu sein, das Dürer verfolgte, als vielmehr der Versuch, die optischen Auswirkungen von Licht auf die Struktur zu zeigen. Beobachten Sie, wie Gibson auf eindrucksvolle Weise Hell- und Dunkelschattierungen erzeugt, indem Sie die Nähe und Anzahl der Schraffurlinien variieren, um eine Wertänderung anzuzeigen. Er bringt ein feines Geflecht aus subtilen Linien auf das Papier auf, wenn er die weicheren Formen darstellt, die allmählich dunkler erscheinen, wenn sie sich von der Lichtquelle abwenden. Er verwendet eine größere Anzahl härterer Linien, wenn er die härteren Formen anzeigt, die sich scharf vom Licht entfernen und sich dramatisch in dunklere Schattenmassen verwandeln.

Es ist nicht einfach, Tinte zu zeichnen, aber es ist eine großartige Möglichkeit, den Lernprozess zu beschleunigen. Mit Feder und Tinte können Sie keine Fehler machen, sodass Sie schnell lernen, Ihre Linien mit Bedacht zu beobachten und auszuwählen. Für diese Folter stehen viele Werkzeuge zur Auswahl. Sie sollten alle ausprobieren, bis Sie die finden, die zu Ihnen passt. Die Gibson-Generation verwendete flexible Tauchstifte und dünne, spitze Zobelbürsten, um ihre eleganten dicken und dünnen Linien zu beherrschen. Van Gogh stellte einige seiner eigenen rudimentären und dennoch effektiven Stifte aus gewöhnlichem Schilf und Federn her. Heute haben wir auch eine große Auswahl an Füllfederhaltern und sogar Springbrunnenbürsten, um die Qualen aus dem Prozess zu nehmen. Früher habe ich mit beiden gezeichnet, aber jetzt finde ich, dass ein Kugelschreiber meinen Zwecken genauso gut dient. Einige moderne Marken von Kugelschreibern sind anfällig für frustrierend fleckige Unfälle. Wenn Sie jedoch genügend verschiedene Hersteller ausprobieren, werden Sie einige entdecken, die eine empfindliche und zuverlässige Linie bieten. Sie werden einen Kugelschreiber sehr nützlich finden, wenn Sie unterwegs sind, wenn Sie ein flüssiges, skizzenhaftes Aussehen wünschen oder wenn Sie eine große Wertmasse auf der Seite mit einer Ansammlung schnell schraffierter Linien anzeigen möchten.

Linien als Masse
Wenn Sie genug feine, fein gerenderte Schraffurlinien auf Ihre Zeichnung stapeln, können Sie aus der Ferne das Aussehen einer weichen, linienlosen Tonform erzeugen. Ich mag es, fette Linien mit diesen feineren Schraffurlinien zu kombinieren. Manchmal verwende ich absichtlich die parallel linierte Textur von Bütten, um diesen Effekt zu verstärken, sodass mein Bleistift wie in der Richtung der Maserung auf und ab wandern kann Sitzende Figur. In einigen Fällen verschmiere ich einen kleinen Ton mit einem Stumpf auf dem strukturierten Papier, damit der Kontrast zwischen den Rippen und Rinnen des Papiers nicht zu störend ist. In den meisten Fällen versuche ich, eine Verschmelzung von Linie und Ton zu finden, um einen allmählichen Übergang von Linien in reine Wertmasse zu erreichen. Je mehr ich mich in diese weichen Passagen bewege, desto weiter hinten greife ich nach dem Bleistift am Gehäuse. Ich finde es einfacher, den Druck meiner Linie mit meiner Hand in dieser erhöhten Position zu kontrollieren, so dass ich in einer immer breiteren Bogenbewegung streicheln kann. In diesen Momenten halte ich den Stift so sanft, dass er oft von meiner Hand fällt.

Es erfordert viel Übung, die Linie in die Tonwertmasse zu manipulieren. Wenn Sie gerade erst anfangen, proben Sie Ihre Linienqualität so oft wie möglich. Selbst beim Fernsehen können Sie ein Pad herausziehen und wiederholt Linien in kleinen quadratischen Farbfeldern zeichnen, verschiedene Handpositionen testen und den Druck variieren. Versuchen Sie, das Mischen Ihrer Linien zu üben. Führen Sie die Linien vorsichtig parallel zueinander und schichten Sie sie näher und näher, bis sie fast zu verschwinden scheinen. Versuchen Sie dann, auf demselben Farbfeld Linien in die entgegengesetzte Richtung zu zeichnen, um noch mehr Subtilität zu erzielen und Linien in Masse zu mischen. Wenn Sie ein fortgeschrittener Künstler sind, ist es ebenso ratsam, beim Zeichnen ein zusätzliches Stück Papier zur Hand zu haben, damit Sie Ihren Handdruck testen oder einen komplizierten Ton proben können, bevor Sie ihn auf Ihre fertige Zeichnung legen.

Nasse Medien
Die Ink-and-Wash-Methode ist ein weiteres effektives Werkzeug für unser Bestreben, Linie und Masse zu verbinden. Aufgrund ihrer technischen Ähnlichkeit mit dem Aquarellmedium dient sie sogar als nützliche Brücke zwischen den künstlichen Kategorien Zeichnen und Malen. Beobachten Sie, wie beide Giambattista Tiepolo mit Die Heilige Familie und Jean-Baptiste Greuze mit Frau, die einen liegenden alten Mann umarmt Führen Sie lose Wertwäschen über ihre Kompositionen und verbinden Sie ihre Figuren zu größeren, malerisch abstrahierten Wertmassen. Beachten Sie auch, wie die härteren Linien manchmal in der Nasswäsche verschmelzen und sich in weichere, gemischte Akzente verwandeln. Versuchen Sie dies in Ihrer eigenen Arbeit mit wasserlöslicher Tinte. Oft müssen Sie nicht einmal eine begleitende Wäsche verwenden - Sie können einen mit Wasser beladenen Pinsel verwenden, um etwas Tinte aus der Linie zu ziehen und ein darüber liegendes Wertemuster zu erstellen.

Soda-Brunnen
von Isabel Bishop, ca. 1954,
Tintenwäsche, 7 1/8 x 6.

Die Masse kann ein Bild manchmal so dominieren, dass die Linie als bloße Ergänzung zu ihrem Partner erscheint und dazu dient, die tiefsten Dunkelheiten oder die hellsten Lichter hervorzuheben oder lediglich die Außenkanten stellenweise zu enthalten. Auch bei sparsamer Verwendung, wie ich es in den meisten meiner Zeichnungen versuche (siehe Verdrehter Torso), Linie ist für meine Arbeit immer noch unverzichtbar. Aber denken Sie daran, dass eine kleine Linie einen langen Weg geht. Bei dieser kurzen, fünfminütigen Skizze beschränkte ich den größten Teil meiner Linien auf die peripheren Formen, überlappte und variierte deren Gewicht, um die inneren, ineinandergreifenden Formen zu verstärken. Ich habe versucht, den Fluss der Wertabstufungen im Inneren nicht zu stören, aber an einigen Stellen habe ich ein paar Striche hinzugefügt, um einige der scharfen knöchernen Punkte und Bereiche mit tiefem Relief hervorzuheben, in denen die Muskeln durch Aktion gehärtet werden. Ich zog mich von der tonalen Masse an den Enden des Torsos zurück und zählte auf die verbleibenden einsamen Linien, um die Figur in das bloße Papier zu lockern.

Die Kraft von Linie und Masse endet nicht mit der skulpturalen Darstellung und den natürlichen Auswirkungen des Lichts auf die menschliche Form. Sie können eine Entwurfsfunktion wie im vorherigen Beispiel oder wie in der Charles LeBrun-Zeichnung erfüllen, bei der Linie und Masse rhythmisch in die leere Seite ein- und ausgeblendet werden. Wertmasse und Linie werden in einigen Zeichnungen von Isabel Bishops fast zu einer abstrakten Einheit. Es ist schwer zu sagen, wo die Form endet und die Kalligraphie in ihr beginnt Soda-Brunnen. Sie verwendete in vielen ihrer Gemälde auch kühne hybride Linien- und Formmarkierungen, die sich manchmal körperlos überlappten, was die wesentliche Flachheit und das formale Potenzial der Leinwand oder des Papiers verstärkt. Wir sollten auch die anderen konzeptuellen Vorteile dieser gegensätzlichen Striche nicht völlig ignorieren. Beachten Sie, wie Fragonard sowohl ihre emotionalen als auch ihre expressiven Fähigkeiten ausnutzt Die Pacha. Bekannt für seine rubeneske Verwendung von Farben und animierten Pinselstrichen, näherte er sich dem Zeichnen mit gleichem Enthusiasmus. Hier zog er einen Pinsel in einer leidenschaftlichen, verzweifelten Schrift schnell über sein Strukturpapier und füllte die Seite mit einem fast modernen, sich wiederholenden Muster aus groben Markierungen.

Die Verwendung von Linien in der Malerei
Die Verwendung von Linien ist nicht auf den Bereich Papier und Zeichnen beschränkt. Sogar viele massenzentrierte Künstler verwenden Linien, um ihre Bilder zu beginnen. Ich beginne meine Leinwände häufig mit einer vagen Kohlezeichnung.

Mehrfarbige Figur
von Dan Gheno, 1996,
Buntstift, 18 x 24.
Sammlung des Künstlers.

Dann bestätige ich meine anfänglichen Kohlelinien erneut und baue sie mit Farbe auf, normalerweise einem blauen oder dauerhaften Alizarin-Purpur. Ich verdünne die Farbe mit viel Lösungsmittel, damit die Farbe wie Tinte frei fließt. Dank des hohen Lösungsmittelanteils trocknen die lackierten Linien schnell, normalerweise innerhalb von fünf bis 20 Minuten. Dies gibt mir viel Freiheit und ermöglicht mir, sofort in den Malprozess einzusteigen. Wenn ich glaube, die Kontrolle über die Zeichnung verloren zu haben, kann ich einige der obersten Ebenen abkratzen, um die Originalzeichnung unten abzurufen. Aber seien Sie vorsichtig, wenn Sie diesen Ansatz verwenden. Ölfarbe wird mit der Zeit transparent, und Sie müssen vermeiden, mit einer extrem dunklen Linie zu zeichnen, insbesondere wenn Sie in dünnen Schichten malen.

Manchmal verwende ich Linien, um ein laufendes Gemälde neu zu zeichnen und jedes Mal, wenn ich eine Überarbeitung vornehme, in eine neue Farbe zu wechseln, damit ich meine Änderungen mit der vorherigen Inkarnation vergleichen kann. Ich mache das sporadisch in meiner gezeichneten Arbeit, wie z Mehrfarbige Figur, Nur zum Spaß - ich denke, es ist auch sehr interessant, den Weg der Entdeckung zu dokumentieren, wobei jede Entscheidung oder Anpassung von einer anderen Farbe aufgezeichnet wird. Selbst wenn ich auf meine normale, monochromatische Weise zeichne, lösche ich meine Fehler erst, wenn ich eine mögliche Lösung gefunden habe. Es ist einfacher, in beiden Medien eine Überarbeitung vorzunehmen, wenn Sie sehen können, wo Sie waren. Auf diese Weise machen Sie nicht zweimal (oder dreimal) denselben Fehler.

Nicht wenige Maler verwenden während ihrer gesamten Arbeit häufig Linien. Van Gogh ist wahrscheinlich das offensichtlichste Beispiel. In vielen seiner Gemälde verwendete er einen stark kalligraphischen Schraffurstrich, während er ironischerweise in vielen seiner Zeichnungen häufig die strukturellen Aspekte von Pinselstrichen nachahmte. Wie viele andere Maler verwende ich Linien oft als Ausdrucksmittel oder als Mittel, um Formen zu implizieren, die sich überlappen, so wie ich es in meinen Zeichnungen tue. Sogar ein massenorientierter Künstler wie John Singer Sargent griff in vielen seiner Wandarbeiten stark auf Umrisse zurück. Viele Wandmaler dieser Zeit, darunter Kenyon Cox und in jüngerer Zeit Dean Cornwell, verwendeten Linien, um die Bilder aus der Ferne besser erkennbar zu machen, und zusammen mit Georges Rouault in seiner Staffelei verwendeten sie häufig unterschiedliche Umrisse in einer bekennenden Emulation der bleihaltige Linien, die Buntglasfenster tragen. In gewisser Weise könnte man sogar sagen, dass diese dunklen Linien eher einer Farbe als einem Zeichnungsende dienen. Sie verstärken und verbessern die Farbtöne im Inneren. Versuchen Sie sich das Selbstporträt von Hans Hoffmann ohne Linien vorzustellen. Es würde nicht funktionieren.

Ein abstrakter Künstler wie Hoffmann hatte keine Angst vor Linien oder Zeichnungen im Allgemeinen. In der Tat drehte sich ein Teil seiner Lehre um das Zeichnen aus dem Modell. Leider lehnen heute viele Künstler und Kritiker die Verschmelzung von Linie und Masse ab und sprechen sich lautstark dagegen aus, die Reinheit des Malimpulses mit Bedenken hinsichtlich des Zeichnens zu kontaminieren. Dies erinnert mich an eine andere unglückliche Zeit in der Kunstgeschichte, als die Poussinisten, Partisanen des Zeichnens und der Zurückhaltung, und die Rubenisten, Soldaten der Farbe und der Emotionen, sich gegenseitig in die Kehle gingen. Jeder war unnachgiebig in seiner Ansicht. Tatsächlich beging Baron Antoine-Jean Gros, ein beliebter Lehrer und Künstler der neoklassizistischen Bewegung, Selbstmord, weil er nicht bereit war, seine emotionale rubenistische Seite zu opfern, um seinen Patron und künstlerischen Vater Jacques-Louis David, einen eifrigen Poussinisten, zu ehren.

Heute können die meisten Menschen beide Lager schätzen und ihre eventuelle Verschmelzung mit der traditionellen Kunst des späten 19. und 20. Jahrhunderts sehen. Denken Sie daran, wie viel Potenzial diese Kunstkriege verloren haben. Das Leben ist zu kurz, um sich von den Redewendungen anderer Künstler abschrecken zu lassen. Verwenden Sie Linien, wenn dies Ihren visuellen Zwecken dient, und verwenden Sie Wertemassen, wenn sie angemessen sind. Lassen Sie jemanden über die angeblichen ästhetischen Regeln nachdenken. Ihre Aufgabe ist es zu zeichnen. Wenn Sie dabei bleiben, sind Sie genauso unaufhaltsam wie das Team aus Linie und Masse.

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