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Zeichnung

Ölgemälde: James Tormey: Stillleben und Kontext

Ölgemälde: James Tormey: Stillleben und Kontext

Dieser erfahrene Maler vermittelt in seinen Stillleben eine starke Bedeutung, indem er die Hintergründe und Einstellungen, in denen sie erscheinen, ständig verschiebt.

von John A. Parks

Symbol
1994, Öl, 18 x 12.
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sonst angegeben.

James Tormey malt Stillleben mit akribischer und fast wilder Klarheit. Anstatt seine Motive nur zum Vergnügen zu rendern, baut Tormey eine stärkere und präzisere Bedeutung in seine Arbeit ein, indem er untersucht, wie die Hintergründe und Einstellungen für seine Stillleben bestimmte Ideen vermitteln können. In seiner jüngsten Arbeit malte er beispielsweise eine Reihe von Bildern, in denen Obst - ein traditionelles Stillleben - in architektonischen Umgebungen oder Rahmen platziert wird, die wir normalerweise mit religiösen Bildern assoziieren. In Icon zum Beispiel malte der Künstler einen Rotkohl und platzierte ihn in einem Rahmen im Renaissancestil, den er selbst gebaut und dekoriert hatte. Anstatt in einem solchen Kontext mit einem Heiligen oder einer Madonna dargestellt zu werden, erhalten wir ein vollständig verwirklichtes, aber recht gewöhnliches Gemüse.

"Ich glaube, wir können uns nur mit der Welt abfinden, wenn wir sie so betrachten, wie sie wirklich ist", sagt Tormey. "Was ich mit diesen Gemälden mache, ist zu sagen:" Das ist real, das ist es, wonach wir nach Werten suchen sollten. "Tormey glaubt, dass Künstler Verantwortung für die Bedeutung ihrer Werke übernehmen sollten. „Hinter meinen Gemälden stecken bestimmte Ideen“, sagt der Künstler. "Es gibt eine Sichtweise auf die Welt, die ich zu kommunizieren versuche. Bei Kunst geht es darum, die Werte des Künstlers zu nehmen, sie durch ein Medium auszudrücken und sie konkret zu machen. “

Galileos Ei
1986, Öl, 46 x 34.

Die Strategie, das Stillleben an unwahrscheinliche Orte zu transportieren, beschäftigt Tormey seit vielen Jahren. Kürzlich hat er eine Reihe von Arbeiten fertiggestellt, in denen er eine Gruppe von Stillleben-Requisiten - hauptsächlich Äpfel - um die verschiedenen architektonischen Stücke am Bethesda-Brunnen im New Yorker Central Park gemalt hat. Mit ihrer phantasievollen romanischen Dekoration wirken diese Hintergründe jenseitig und leicht spirituell. Die Einführung von winzigen Stillleben fügt eine fast humorvolle Note hinzu und untergräbt die hohen Ansprüche der Architektur, indem sie auf Einfachheit besteht. Die Natur, so scheint der Künstler zu sagen, kann wunderbar mit den Produkten der menschlichen Vorstellungskraft koexistieren.

In einer anderen Gruppe von Gemälden verwendete der Künstler eine noch einfachere Idee, um Bedeutung zu vermitteln: Er legte Früchte in halbtransparente dekorative Schalen, deren Kristall die Formen verzerrte, so dass sie durchsichtig und unzusammenhängend wirkten. Aus den Schalen ins klare Licht ragend, wird die Frucht jedoch plötzlich real und sehr fest. „Ich mag die Idee, dass sich das Immaterielle manifestiert“, sagt der Künstler. "Es ist fast so, als ob diese Bilder ein Paradigma für die Entwicklung aller Bilder sind: Sie beginnen mit Formlosigkeit, die sich dann zu einer Idee kristallisiert und dann auf der Leinwand entsteht."

Gemischte Gesellschaft
2000, Öl, 34 x 38.

Tormey ist tief mit dem kreativen Prozess beschäftigt. "Ich bin fasziniert davon, wie ich eine Idee von einem Gemälde haben kann, das aus dem Nichts zu kommen scheint, das Stück machen, einen Betrachter das Ding genießen lassen und es sogar kaufen möchte und dann vom Käufer wegnehmen lässt. Und wenn dieses Gemälde zu einem Gegenstand der Meditation und Ruhe im Haus eines Menschen wird, ist es eine besonders wunderbare Sache. "

Tormeys Maltechnik erfordert von Anfang an große Sorgfalt. Er arbeitet in seiner Wohnung in Manhattans Upper West Side in einem akribisch sauberen Raum, der mit einer sehr soliden Staffelei und einer großen Glaspalette auf einem Malertisch ausgestattet ist. Als Referenz verwendet er Fotos von Stillleben-Setups in Verbindung mit Bildern von architektonischen oder anderen Umgebungen, die er im Laufe der Jahre gesammelt hat. „Ich beginne mit einer sorgfältigen Graphitzeichnung direkt auf der Leinwand“, erklärt er. Heutzutage verwendet er leichte Baumwollente, obwohl ein Großteil seiner früheren Arbeiten auf glatteren Oberflächen ausgeführt wurde. Sobald die Graphitlinie festgelegt ist, erstellt der Künstler eine dünne monochrome Version des Bildes mit einem matten Grün. "Ich füge der Farbe nichts anderes als Terpentin hinzu", erklärt er. "Ich verwende kein Öl oder Glasurmedium, weil ich keinen Glanz mag. Der Terpentin trübt die Farbe, was zu meiner Arbeit passt. " Sobald die grüne Schicht getrocknet ist, trägt der Künstler eine zweite dünne Schicht in einem warmen Braun mit gebrannter Siena oder gebranntem Umbra auf. "In all diesen Phasen arbeite ich von dunkel nach hell", sagt er, "damit ich immer ein gerendertes dreidimensionales Bild bekomme." Tormey arbeitet an zwei oder drei Gemälden gleichzeitig, um eine ausreichende Trocknungszeit zwischen den Schichten zu gewährleisten. "Ich mag auch die Art und Weise, wie ein Gemälde mit einem anderen zu sprechen scheint", sagt er. "Es sorgt für einen reichhaltigeren Prozess." Sobald er anfängt, das Bild in Farbe zu bearbeiten, fährt er langsam fort, trägt viele dünne Schichten auf und erreicht allmählich subtile Ton- und Farbverschiebungen, bis seine Formen vor dreidimensionalem Leben platzen. „Ich arbeite mit einem sehr trockenen Pinsel“, erklärt der Künstler. Viele von Tormeys Gemälden enthalten dunkle Hintergründe, von denen einige rein schwarz sind - etwas, das seine eigenen technischen Probleme aufwerfen kann. "Ich möchte nicht, dass sich diese Hintergründe präsent anfühlen", sagt er. "Ich möchte, dass sie einfach aussteigen."

Am Fuße der Pyramide
1986, Öl, 40 x 32.

Im Allgemeinen arbeitet Tormey mit weichen synthetischen Bürsten in verschiedenen Formen und Größen. Zum Mischen verwendet er synthetische Fächerpinsel sowie eine Reihe großer, weicher Runden. Da er keinen Glanz auf seine Arbeit haben möchte, verwendet er keinen Lack. „Auch matte Lacke sind ein Problem“, sagt der Künstler, „weil sie Wachs enthalten. Manchmal bekommen sie nach ein oder zwei Jahren eine "Blüte". Es ist jedoch leicht genug, sie loszuwerden - Sie müssen nur den Lack neu besprühen. Aber ich möchte lieber nicht. Gelegentlich verwende ich einen leichten Retuschierlack, während ich daran arbeite, etwas aufzurufen. "

Es ist nicht verwunderlich, dass Tormeys Werk mit seinen starken Kontrasten und sanften Tonübergängen stark von der Fotografie beeinflusst wird. Tormey arbeitete einige Jahre als Fotograf, und als er anfing, Stillleben zu machen, fotografierte er sie oft vor schwarzem Hintergrund. In diesen Jahren entdeckte er sowohl die spanische Stilllebenstradition als auch Maler wie Juan Sánchez Cotán (ca. 1560–1627), der auch das Drama der schwarzen Hintergründe in Verbindung mit merkwürdigen Stilllebenarrangements genoss. "Es war, als hätte ich entdeckt, dass ich einen Bruder hatte, den ich nie gekannt habe", erinnert er sich. Tormey ist auch ein Fan der italienischen Maler Carlo Crivelli (ca. 1430–1495) und Vittore Carpaccio (ca. 1450–1525), deren Gemälde - mit ungewöhnlichen und einfallsreichen Details - ein überraschend modernes Aussehen haben.

Blaue Schüssel mit Birnen
1997, Öl, 36 x 36.
Der Blick darüber hinaus
1982, Öl, 32 x 34.

Tormey spricht vom beharrlichen Realismus seiner eigenen Arbeit und bezieht ihn erneut auf seine persönliche Philosophie. "Ich denke, meine Objekte sagen:" Leg dich nicht mit mir an - nimm mich ernst. "Diese Objekte sind Realität und sie sind alles, was wir haben."

Über den Künstler
James Tormey studierte am Pratt Institute in Brooklyn und arbeitete mehrere Jahre in der Werbung, während er Teilzeit malte. In den 1960er Jahren unterstützte er sich als Fotograf und berichtete über Eröffnungen und Veranstaltungen für das Museum of Modern Art in New York City. Viele Jahre lang war er in der Madison Avenue Gallery in New York City vertreten, wo er zahlreiche Einzelausstellungen hatte. Er hat auch in Japan und Deutschland ausgestellt. Der Künstler lebt in Manhattan und wird von der Uptown Gallery, ebenfalls in New York City, vertreten. Weitere Informationen zu Tormey finden Sie auf seiner Website unter www.jamestormey.com.

John A. Parks ist ein Künstler, der von der Allan Stone Gallery in New York City vertreten wird. Er ist außerdem Lehrer an der School of Visual Arts in New York City und schreibt regelmäßig Beiträge dazu Amerikanischer Künstler, Zeichnung, Aquarell, und Werkstattzeitschriften.


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