Zeichnung

Ölgemälde: Stillleben-Porträts: Die buchgefüllte Kunst von Ephraim Rubenstein

Ölgemälde: Stillleben-Porträts: Die buchgefüllte Kunst von Ephraim Rubenstein

Der Ölmaler stellt fest, dass seine fortlaufende Serie von Gemälden mit Büchern es ihm ermöglicht, sich auf eine Reihe von Themen einzulassen - einschließlich Selbstporträts.

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von William Chapman Sharpe

Der Große Krieg und ich
von Ephraim Rubenstein, 1998-1999,
Öl, 72 x 60.
Sammlung des Künstlers.

In Brooklyn geborener Maler Ephraim Rubenstein ist ein Meister verschiedener Genres, darunter Figurenmalerei, Landschaften und Porträts. Für Rubenstein, der an der Art Students League in New York und an der National Academy School of Fine Arts in New York City Zeichnung und Kunstliteratur unterrichtet, sind Bücher nicht einfach leblose Objekte, sondern beredte Bedeutungsbehälter, die von ihrem Leben durchdrungen sind besitzen. In seinen Ölgemälden erscheinen sie in vielen Erscheinungsformen als Inspirationen und Leitfäden sowie als Dokumente des persönlichen und familiären Lebens. Einer seiner frühesten Erfolge war Selbstporträt mit Büchern, gekauft vom Metropolitan Museum of Art in New York City. Darin definiert der Künstler seine eigene Persönlichkeit, indem er sein Bild zwischen einem Vordergrund von auf seinem Schreibtisch geöffneten Kunstbüchern und einem Hintergrund mit Stapeln von Büchern und künstlerischen Requisiten entstehen lässt, die seinen Oberkörper und seinen Kopf visuell wiedergeben. In den letzten Jahren hat Rubenstein sein sich entwickelndes Lebensgefühl und seine Sterblichkeit in einer offenen Serie von Stillleben-Gemälden weiter untersucht, die Bücher in verschiedenen Posen darstellen. Er arrangiert sie lässig, gestapelt oder verteilt in kleinen Gruppen oder in Kombination mit Linsen und anderen optischen Geräten. Manchmal wird er aggressiver und repräsentiert sie willkürlich gestapelt, offen ausgebreitet, zerfallend, sogar an die Wand genagelt oder verbrannt.

„Ich bin in einer Zeit aufgewachsen“, sagt der 1956 geborene Rubenstein, „als das Stillleben weitgehend formal sein sollte; Objekte als emotional bedeutsam zu behandeln, wurde völlig ausgeschlossen. “ Aber Rubenstein bewunderte die inhaltsreiche Kunst der Vergangenheit und fand im Stillleben eine reiche Ader künstlerischen Erzes, die es wert war, abgebaut zu werden. Als akribischer Realist freut er sich über die Teilnahme an einer Tradition, die bis in die Renaissance zurückreicht. "Ich bin begeistert, an einer Art zu malen beteiligt zu sein, die mich nicht nur mit den Künstlern früherer Zeiten verbindet, sondern auch mit den Objekten, die mein eigenes Leben in der realen Welt definieren", sagt er. „Die größten Künstler, die ich kenne, sind bescheiden vor der Natur. Die Welt ist so schön und komplex, dass es arrogant erscheint anzunehmen, das, was wir sehen, zu verbessern. Ich gebe einfach mein Bestes, um den Reichtum einzufangen, den ich in der Welt um mich herum finde. “

Stillleben mit weggeworfenen Büchern II
1996, Öl, 24 x 20.
Sammlung Sasha und Bill Anawalt.

Wie Rubenstein vorschlägt, wurde Stillleben oft als ein Genre angesehen, in dem die intellektuelle oder emotionale Bedeutung formalen Belangen in den Hintergrund tritt. Egal, ob es sich um eine Obstschale, eine Blumenvase oder einen Tisch mit Weinflaggen und gerade getötetem Wild handelt, das Stillleben ermöglicht es dem Künstler, Design, Textur, Volumen, Farbe und Licht zu erkunden. Im letzten Jahrhundert hat das Stillleben als eine Art seismischer Indikator für künstlerische Umwälzungen gewirkt. Ohne Van Goghs Sonnenblumen, die mit Früchten beladenen Tische von Cézanne, die gebrochenen und wieder zusammengesetzten Gitarren von Picasso und Braque oder die Suppendosen von Warhol ist moderne Kunst kaum vorstellbar.

Das Stillleben, wie wir es kennen, entspringt den niederländischen Gemälden des 16. und 17. Jahrhunderts, in denen Künstler oft buchstäblich die Früchte neuen Wissens und Reichtums zeigten - mit einigen moralistischen Überlegungen zu den spirituellen Grundlagen ihrer Kultur. Eine überfüllte Tischplatte Mit seinen Lebensmitteln, Gerichten und Haushaltsgegenständen, wie sie von Willem Claesz Heda gemalt wurden, spricht er Bände über den Alltag, den globalen Handel und die sich entwickelnde Wissenschaft der Wahrnehmung in seiner Zeit. Zu sehen sind auch die Einstellungen seiner Gesellschaft zu diesen Objekten als Embleme der Vergänglichkeit, die die Menschen an ihren kurzen Aufenthalt auf der Erde erinnern - die Elemente von Vanitas Kompositionen. Ob es sich um einen gedeckten Tisch, Musikinstrumente, Blumen oder Waffen handelte, fast alle unterstrichen die Vergänglichkeit der Waren, an die sich der Maler erinnerte. Für sie bedeuteten gemalte Bücher eher eine leichtfertige Ablenkung als eine Zuflucht davor. Und wahrhaftig, obwohl Bücher vorgeben, dauerhaftes Wissen zu vermitteln, unterliegt ihr physisches Wesen ebenso wie der menschliche Körper den Zeitverschiebungen.

Selbstporträt
Mit Büchern

1984–1985, Öl,
36 x 54. Sammlung
Das Metropolitan Museum of Art,
New York, New York.

Rubenstein liebt es, mit solchen Konventionen zu arbeiten und sie dann auf den Kopf zu stellen. Anstatt ein Leben darzustellen, das bald verloren gehen wird, sein Gemälde Der Große Krieg und ich transformiert das Genre, indem es ein verlorenes Leben wieder ins Bewusstsein bringt. Inspiriert von der Entdeckung des Kriegstagebuchs seines Großvaters zeigt die Leinwand die Erfahrung eines Infanteristen im Ersten Weltkrieg durch die sorgfältige Anordnung der Reliquien der Armee, die Rubenstein auf dem Dachboden seiner Eltern gefunden hat. Rubenstein belebt die traditionellen Elemente der Vanitas-Szene wieder, indem er sie in den tödlichen Kontext des Grabenkriegs des 20. Jahrhunderts versetzt. Eine Armbanduhr steht für die Taschenuhr der niederländischen Meister; Gasmaske, Helm und Schaufel spielen die Rolle von Schwert und Brustpanzer. ein Mantel und Karten ahmen die Falten von Satinvorhängen nach; Fotos füllen für gemalte Porträts. Es gibt sogar Blumen in Form von Mohnblumen aus dem Remembrance Day aus rotem Papier, während das kunstvolle silberne Geschirr der holländischen Ruhmestage durch ein Blechkit ersetzt wird, dessen Kantine als Weinflasche und Becher dient.

Stillleben mit weggeworfenen Büchern I.
1996, Öl, 36 x 46.
Sammlung Deloitte Touche,
Washington, D.C.

Das Tagebuch seines Großvaters steht im Mittelpunkt der Komposition. Über das kleine Buch, das diese substanzielle künstlerische Aussage auslöste, sagt Rubenstein: "Mit seinen bibeldünnen Seiten ist es wie mein ganzes Bestreben, Gegenstände und Erfahrungen wieder zum Leben zu erwecken, die viele Jahre aufbewahrt wurden." Das Tagebuch zieht die stummen Artefakte auf magische Weise zusammen: Der Rucksack und das Hemd mit der darauf liegenden Ehrenmedaille werden zum Rücken und zur Brust des Soldaten. Die Gasmaske und der Helm bilden sein Gesicht, seine Lunge und seinen Kopf. Zusammen bauen sie das, was Rubenstein "ein Porträt meines Großvaters, Attribute ohne Körper" nennt. Der offene Karton unter dem Tisch ist nicht nur die Quelle der Erinnerungsstücke des Gemäldes. es funktioniert auch wie ein offenes Grab, aus dem der auferstandene Soldat aufsteigt. Mit dem in drei Teile gefalteten Hintergrundbildschirm verwandelt Rubenstein das Stillleben-Porträt mit seinen Stücken auf einem altarähnlichen Tisch in ein Altarbild, eine Verehrung seines Themas. Das Ganze entspricht einer sorgfältig zusammengestellten Summe emotional bewegter Teile, einem zerlegten Soldatenleben, das für die Betrachtung des modernen Betrachters wiederhergestellt wurde.

Obwohl die Entdeckung eines Buches Rubenstein dazu veranlasste, über Krieg nachzudenken, hat er in jüngsten Gemälden festgestellt, dass Krieg zu Büchern zurückführen kann. Vor vielen Jahren wurde er beauftragt, ein Bild für eine Gruppe von Holocaust-Überlebenden zu malen. Während sie redeten, betraf ihn eine Geschichte besonders: Nazisoldaten warfen ein Bücherregal und seinen Inhalt durch das Fenster des Hauses einer Berliner Familie. Nichts könnte schlimmer sein, dachte der zukünftige Insasse eines Konzentrationslagers, als die Bücher mit Füßen getreten zu sehen und dort auf der Straße zu liegen. Tief bewegt ging Rubenstein nach Hause und stellte einen Stapel alter Bücher zusammen, die er über die Jahre mit sich herumgekarrt hatte, ohne sich dazu zu bringen, sie zu entsorgen. Er zwang sich, sie wiederholt gegen die Wand zu werfen, bis er die in aufgenommenen Kompositionen fand Stillleben mit weggeworfenen Büchern I, II, und III.

Stillleben mit weggeworfenen Büchern III
1997, Öl, 18 x 25.
Sammlung Lori und Roland Pease.

"Bücher haben etwas sehr Menschliches", erklärt Rubenstein. "Sie haben Stacheln, genau wie wir." Bücher sind als leblose Objekte, die jedes Mal sprechen, wenn wir sie öffnen, eine besondere Kategorie des Stilllebens - immer still und doch immer lebendig. Im Gegensatz zu den Niederländern, die ihre moralische Botschaft verfeinern würden, indem sie Buchtitel und literarische Passagen klar umreißen, lässt Rubenstein die Zuschauer diese Informationen lieber selbst ausfüllen. "Ich mag es, die Identifizierung der Bücher bewusst vage zu halten", sagt er. Rubenstein betont auch eine andere Dimension der „Haltbarkeit“, weil seine Bücher zu leiden und zu sterben scheinen. In Rubensteins verwüsteten Büchern lesen wir eine sichtbare Geschichte verzweifelter Ausdauer, als wären sie Opfer von Verfolgung oder Folter. Er forderte seine eigene Gelassenheit heraus, arrangierte seine Bilder mit zunehmender Gewalt und nagelte sogar ein Buch an die Wand. "Ich habe es ausgeweidet", sagt er über den hängenden Buchkörper Stillleben mit zerstörten Büchern I.

Schließlich verbrannte er Bücher. "Es hat mich entsetzt, es zu tun", sagt er. "Es geht völlig gegen den Strich meiner Erziehung und Werte." Aber das resultierende Gemälde, Stillleben mit verbrannten Büchern, betäubt mit seiner ehrfürchtigen Einfachheit. Die drei verkohlten Bücher können als trauriges Triptychon gelesen werden, als Brandopfer heiliger Gegenstände.

Stillleben mit zerstörten Büchern I.
1997, Öl, 40 x 32.
Privatsammlung.

Im Laufe der Jahre hat Rubenstein festgestellt, dass die Arbeit an einer Reihe von Gemälden, die sich auf ein einzelnes Thema konzentrieren, ihm die Möglichkeit gibt, Veränderungen innerhalb eines festen Formats anzugehen. "Was ich an einer Serie mag", erklärt Rubenstein, "ist, dass sie als Mittel der Erzählung dienen kann, um die Stilllebenqualität des Mediums des Malers selbst zu besiegen." Rubensteins bislang umfangreichste Serie beschäftigt sich mit dem, was er sein "Stapel-Bücher" -Motiv nennt. Er stapelt Bücher, nur drei oder bis zu 20, und dreht sie hin und her, so dass die Seiten, Umschläge und Bindungen eine reichhaltige, sinnlich leuchtende Folge von Farben, Formen und Texturen bilden. Zerfetzt und zerrissen, die Bände in Bücher: Stapel V. und Bücher: Stapel XIXschlagen die bedrohliche Botschaft der menschlichen Sterblichkeit auf Niederländisch vor Gedenke des Todes, während die schönen Komplementärfarben des Buches Kanten in Bücher: Stapel VI heben sich blendend von ihrem schwarzen Hintergrund ab, wie Blüten, die aus dunklem Boden platzen.

Rubenstein spielt die hellen, aber verletzlichen Umschläge gegen die weißen oder vergilbten Seiten, die sie einschließen, und hat einen Weg gefunden, sein Stillleben als abstrakte Komposition zu behandeln, während er die Anspielungen auf die menschliche Existenz beibehält, die ihm so viel bedeuten. Alleine in ihrer sorgfältig beleuchteten Welt formen und enthüllen die Bücher ihre eigene Architektur. Die Pfähle bitten uns, über das Bauen und Ausbalancieren nachzudenken und über die Kräfte, die diese Türme des stillen Babel niederreißen könnten.

Stillleben mit verbrannten Büchern
1997, Öl, 39 x 50.
Privatsammlung.

Rubenstein verwendet einen Sucher aus zwei zusammengeschnittenen Papp-Ls, um zu seinen Kompositionen zu gelangen. "Der Finder ermöglicht mir eine Vorschau des Themas", sagt der Künstler, "und gibt mir eine gute Vorstellung davon, wie sich das, was ich betrachte, in zwei Dimensionen übersetzen lässt." Normalerweise zeichnet er das Motiv sorgfältig, bevor er zu malen beginnt. "Bis ich die Zeichnung ausgearbeitet habe, weiß ich nicht einmal, welche Größe oder Form die Leinwand haben soll", sagt er. Nachdem er die Zeichnung fertiggestellt hat, überträgt er sie mit Graphitpapier auf das Leinen und führt dann eine leichte monochromatische Untermalung - eine Grisaille - mit einer mit Turpenoid verdünnten Waschung durch. „Ich denke sehr schrittweise über den Malprozess nach und jede Phase hilft mir, bestimmte Probleme zu lösen“, erklärt der Künstler. „Ich arbeite die Designprobleme - Größe, Maßstab und Komposition - während der Zeichenphase aus. Die Untermalungsphase ermöglicht es mir, die großen Muster von Hell und Dunkel zu sehen und mich wissen zu lassen, dass alles an Ort und Stelle ist. Sobald das erledigt ist, male ich das Bild sehr direkt in Farbe. Da ich all diese Vorarbeiten erledigt habe, kann ich meine Zeit damit verbringen, nur über die Farbe nachzudenken. Ich muss mir zum Beispiel keine Sorgen machen, ob ein bestimmtes Buch die richtige Größe hat oder richtig auf dem Stapel ausgerichtet ist - ich weiß es bereits. Jetzt kann ich mich ganz darauf konzentrieren, welche Farbe es hat. “

Stillleben mit Büchern, Spiegeln und Linsen II
2003, 48 x 92.
Sammlung des Künstlers.

Obwohl Rubensteins Stillleben Sinnlichkeit und Sterblichkeit ausspielen, kehren seine Gedanken immer wieder dazu zurück, wie Bücher unser Leben repräsentieren und gestalten. "Bücher sind nicht nur ein Teil dessen, was wir sehen, sie lehren uns auch, wie man sieht", kommentiert er. Eines seiner komplexesten Bilder ist ein Selbstporträt von Rubenstein bei der Arbeit, obwohl er nicht direkt darin erscheint. Stillleben mit Büchern, Spiegeln und Linsen II konzentriert sich buchstäblich auf die Werkzeuge des Künstlerhandwerks im Laufe der Jahrhunderte, die Bücher, die unsere Vorstellungen von der Welt prägen, und die optischen Geräte, die uns helfen, die Welt besser wahrzunehmen. Der ovale Spiegel in der Mitte der Komposition deutet auf den Kopf des Betrachters hin - einen Kopf, den er nicht reflektiert. Stattdessen sehen wir das reflektierte Bild eines Buches und einer Linse - im Wesentlichen einen Geist und ein Auge. Durch dieses weitere „Porträt ohne Darsteller“ verbindet sich Rubenstein direkt mit den großen Traditionen des Stilllebens und der zugrunde liegenden Bedeutung des Genres.

Über den Künstler
Ephraim Rubenstein ist Künstler und Fakultätsmitglied der Art Students League in New York und der National Academy of Design School in New York City. Seine Arbeiten befinden sich in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen, darunter das Metropolitan Museum of Art in New York City, und können unter www.ephraimrubenstein.com eingesehen werden.

William Chapman Sharpe ist Professor für Englisch am Barnard College der Columbia University in New York City. Er erhielt Stipendien von der National Endowment for the Humanities, der Andrew W. Mellon Foundation und der John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Sharpe schreibt über Kunst, Literatur und urbane Kultur und sein Buch über Bilder der Stadt bei Nacht. New York Nocturne, wird 2008 veröffentlicht.

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