Zeichnung

Ölgemälde: Matthew Mitchell: Anwendung von Rembrandts-Porträttechniken

Ölgemälde: Matthew Mitchell: Anwendung von Rembrandts-Porträttechniken

Der Ölmaler Matthew Mitchell passt Rembrandts Arbeitsweise für seine Porträts an, in denen Amerikaner in zivilen oder militärischen Rollen im Irak und in Afghanistan beleuchtet werden.

von Karen Frankel

Alexander Scott Arredondo
2005 Öl auf Leinen,
30 x 26. Alle Kunstwerke
Diese Artikelsammlung 100 Faces of War Experience Project.

Vor ein paar Jahren Künstler aus Massachusetts Matthew Mitchell Er arbeitete als Illustrator und malte zum Vergnügen alla prima in Öl, als er zwei Dinge feststellte: Erstens, dass Verglasung und Verwackelung die Möglichkeit bieten, einem Porträt mehr Tiefe zu verleihen, und zweitens: „Ich fand, dass ich am glücklichsten war, wenn ich dazu in der Lage war eine Illustration auf das Gesicht eines Menschen zu reduzieren. “ Diese beiden Ideen kreuzten sich in Mitchells aktuellem Projekt, den 100 Faces of War Experience, einem mehrjährigen Unternehmen, das schließlich 100 Porträts von Menschen umfassen wird, die aus Amerika in den Irak oder nach Afghanistan gereist sind, um während der letzten Kriege entweder eine zivile oder eine militärische Rolle zu übernehmen. Mitchell konzipierte die Idee für dieses gemeinnützige Projekt im Jahr 2005 und versuchte von Anfang an, die Bedeutung einiger traditioneller Ideen in der Porträtmalerei hervorzuheben, einschließlich der Größe der Stücke. "Die Bilder sind in Lebensgröße gemacht", sagt Mitchell. "Der springende Punkt der Show ist es, eine Persönlichkeit sowohl durch die von den Probanden geschriebenen Worte als auch durch die Bilder präsent zu machen. Jedes Porträt muss immer von Worten begleitet sein, die von der abgebildeten Person eingereicht wurden."

Mitchells Porträts basieren größtenteils auf den Techniken von Rembrandt. Nachdem Mitchell zwei Jahre lang eine Reproduktion von Rembrandts Selbstporträt von 1669 angesehen hatte, stellte er fest, dass er nie vom Ausdruck des Dargestellten oder des Gemäldes selbst enttäuscht wurde. Dies brachte ihn dazu herauszufinden, wie der niederländische Meister arbeitete, und die größte Lektion, die er gelernt hatte, war die Bedeutung von Schichten. Rembrandts Formen wurden aus vielen Schichten aufgebaut, und Mitchell behauptet, dass die Schichten selbst das waren, worauf sich Rembrandt konzentrierte. Diese Idee erregte Mitchell, weil er nass in nass gemalt und seine Farben direkt niedergeschrieben hatte. Die Schichtung von Glasuren bot neue Herausforderungen. Da zum Beispiel die ursprüngliche Farbe mehrmals glasiert werden kann, „wird es sehr schwierig, die Farbe zu konzipieren“, erklärt Mitchell. "Ich muss darüber nachdenken, wie es durch nachfolgende Schichten beeinflusst wird, um im Endstadium die gewünschte Farbe zu erhalten." Rembrandt verwendete sowohl die dünnen Schichten einer Glasur als auch die dicken Schichten der pastosen Technik, was sich auch stark darauf auswirkte, wie er eine gewünschte Farbe erreichte. Mitchell folgt dem gleichen Prozess. „Da ich das pastose Material mit dem Ende meines Pinsels hochkrabbele, damit der Betrachter bis zur darunter liegenden Ebene sehen kann, muss ich darüber nachdenken, wie viel Farbe sichtbar wird und welche Farbglasuren darüber liegen diese dicke Schicht. "

Steve Mumford
2007, Öl auf Leinen, 30 x 26.

Mitchells Palette basiert auf den Vorschlägen von Michael Wilcox, der mehrere Bücher über Farbe geschrieben hat. Mitchell verwendet sowohl eine warme als auch eine kühle Version der Primärfarben, insbesondere Ceruleanblau und Ultramarinblau, Chinacridonrot und Cadmiumrot sowie Cadmiumgelbmedium und Hansagelb. "Ohne Wilcox hätte ich Hansa Yellow nie gefunden", sagt Mitchell. "Es ist ein sehr gutes cooles Mischgelb." Gebrannte Siena, gebrannte Umbra, gelber Ocker, Lampenschwarz, Elfenbeinschwarz und Titanweiß runden seine Palette ab. Er arbeitet an 26-x-30-Leinwänden in Porträtqualität, damit seine Darstellungen lebensgroß sein können.

Obwohl Mitchell gerne aus dem Leben heraus arbeitet, werden seine Bilder für das 100 Faces-Projekt normalerweise aus Fotografien gemacht. „Wenn ich die Leute für das Projekt treffe, setzen wir uns und ich lasse sie einfach darüber sprechen, wer sie sind und was sie sonst noch mögen“, erklärt er. „Am Ende der Sitzung bitte ich sie, aufzustehen, damit ich ein Foto machen kann. Das Ergebnis ist eine Art Offenheit auf dem Foto, etwas Ungewöhnliches. “ Mitchell druckt die Fotos sofort aus, damit er seine Eindrücke aus dem Gespräch zu den Bildern hinzufügen kann.

Er bereitet seine Leinwand mit Gesso vor und führt dann eine Untermalung durch. Der Künstler beschichtet die Oberfläche mit einer Mischung aus etwas hellblau und grau, was zu einem mittleren Ton führt, auf den er mit einer dunkleren blau-grauen Mischung oder einem Umbra zeichnen kann. Da die Porträts in 100 Gesichtern sehr einfach sind, komponiert er sie direkt auf der Leinwand. "Die Technik, die ich verwende, ermöglicht viele subtile Änderungen beim Aufbau von Ebenen, sodass ich, wenn ich möchte, die Dinge ein wenig neu anordnen kann", sagt er.

Tanya Karst
2005, Öl auf Leinen, 30 x 26.

Nach dem Malen der Grundlagen des Kopfes trägt Mitchell eine dicke Schicht pastos in sehr hellen Farben auf. "Dies sind Farben, die man normalerweise in den Gesichtern von Menschen sieht", erklärt der Künstler. „Es gibt Rottöne in den Wangen und in der Nase und verschiedene Rottöne in den Lippen. Gelb um die Augenhöhlenbereiche und Ceruleanblau um die Stirn sind im Allgemeinen sichtbar. Obwohl es in den Gesichtern verschiedener Menschen viele Variationen dieser Farben gibt, können Sie sich darauf verlassen, dass einige von ihnen in jedem Gesicht zu sehen sind. " Während er den pastosen Stoff kreiert, beginnt die dicke Farbe, die Formen des Gesichts zu definieren. Mitchell lässt bestimmte Bereiche wie die Augen und Teile der Wangen glatt. Er gibt einen Trockner wie Liquin, Galkyd oder Leinöl mit Mangan in das pastose Material, damit er am nächsten Tag mit dem Formen beginnen kann. Mit einem Spachtel oder dem gegenüberliegenden Ende eines Pinsels geht der Künstler zurück in die pastose Farbe und kratzt Farbe ab. Mitchell weist darauf hin, dass die Skulptur eine Textur erzeugt, bei der Highlights hervorstechen können - im wahrsten Sinne des Wortes. Erhöhte Bereiche im Bild fangen das Licht ein.

Die Skulptur enthüllt auch den Boden und verleiht der Haut ein Gefühl von Poren. "Es gibt eine Richtung oder einen Fluss zur Haut der Menschen, und ich versuche, damit ein Raumgefühl zu schaffen", sagt er. Wenn die pastose Schicht vollständig trocken ist, glasiert Mitchell das Gemälde mit einer dünnen Mischung aus gebranntem Umbra und reibt die Glasur mit Bedacht ab. "Die Glasurfarbe ruht in den Poren, in der Textur der Farbe", sagt er. „Das sieht man oft in der Arbeit von Rembrandt und seinen Zeitgenossen - sie setzen eine Glasur über die Dinge und reiben sie dann selektiv über die Oberfläche. Das führt zu einem subtilen Gefühl, dass diese Teile nach vorne kommen. “

Scott Palmer
2005, Öl auf Leinen, 30 x 26.

Für schwarze Sitter verwendet Mitchell eine zusätzliche violette Glasur, um die violetten Untertöne ihrer Hautfarbe einzufangen. Er behandelt die violette Glasur genauso wie die Umbra-Glasur - wischt sie an und wischt sie dann an ausgewählten Stellen ab.

Wenn die Untermalung abgeschlossen ist und bevor er die endgültigen Farben des Fleisches aufträgt, zeichnet Mitchell die dunkleren Schatten, die Dunkelheit der Nasenlöcher und die Linie des Mundes ein. „Das Malen der Dunkelheit vor den endgültigen Hauttönen ist wichtig, da das Aussehen des Schaums - das Ziehen der hellen Farbe über die dunkle Farbe - eine weitere Möglichkeit ist, ein Gefühl der Überlagerung zu erzeugen“, sagt der Künstler. "Das schafft das Gefühl von Dingen, die von unten kommen, wie man es in alten Porträts sieht."

Der Künstler malt die endgültigen Hauttöne sehr leicht. "Normalerweise gibt es in den Fleshtone-Bereichen, in denen ich möglicherweise zu hell gemalt habe, in Bereichen, in denen ich ein wenig zurücktreten möchte oder in denen ich einen etwas anderen Farbstich haben möchte, etwas mehr Glasur", sagt er. Mitchell malt die letzten Highlights - die weißesten Weißtöne, die er im Gesicht verwenden kann -, wenn er fast fertig ist.

Nicholas B. Chavez
2005, Öl auf Leinen, 30 x 26.

Während er darauf wartet, dass die Farbe im Gesicht trocknet, beginnt der Künstler häufig mit der Arbeit am Rest des Gemäldes. Er kann eine Variation seiner Schichttechnik auch auf anderen Abschnitten eines Gemäldes anwenden. Im Lyle Phipps, Zum Beispiel hat er das Shirt komplett untermalt. „Ich habe das Shirt in sehr hellen Weiß- und Grautönen begonnen“, erklärt er. "Dann habe ich ganz leicht mit Umbern und verschiedenen Farben glasiert, um die Schatten hervorzuheben." Als nächstes wischte er die Glasur ab, so dass nur ein wenig Farbe in Teilen der Arbeit ruhte. Lyles Hemd wurde in nur drei Schichten fertiggestellt, im Gegensatz zu den neun oder zehn Schichten, die für einige Teile des Kopfes benötigt wurden.

Mitchell braucht ungefähr eine Woche, um ein Porträt zu malen. Normalerweise arbeitet er an mehreren gleichzeitig. „Ich arbeite ungefähr eine Stunde an einem und wechsle dann zu einem anderen“, erklärt er. Der Terminkalender ist eine Liebesarbeit. "Ich wollte immer Künstler werden", sagt Mitchell. „Es war immer das zentrale Thema in meinem Kopf, zu zeichnen und zu malen. Das zu können schien mir das Beste auf der Welt zu sein, solange ich mich erinnern kann. “

Über den Künstler
Matthew Mitchell lebt und arbeitet in Amherst, Massachusetts. Er malt im zweiten Stock einer Scheune auf seinem Grundstück; Seine Frau, die Illustratorin Rebecca Guay-Mitchell, hat ihr Studio im ersten Stock. Der aus Minnesota stammende Mitchell studierte ein Jahr Biologie / Prämedizinische Illustration an der Iowa State University in Ames, bevor er das Pratt Institute in New York City besuchte. Nach seinem Abschluss baute er zusammen mit dem Künstler Perre DiCarlo und örtlichen Gärtnern ein Steinamphitheater in Manhattans Lower East Side. Anschließend arbeitete er als Tischler und Schweißer und malte in seiner Freizeit. Anschließend arbeitete er 10 Jahre als Illustrator, bevor er sich 2004 für das Malen von Porträts entschied. Weitere Informationen zu Mitchell erhalten Sie auf der Website des 100 Faces-Projekts unter www.100facesofwarexperience.org.

Karen Frankel ist eine preisgekrönte Autorin / Produzentin von Unternehmensvideos und eine in New York lebende Corporate Speechwriterin.

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