Zeichnung

Ölgemälde: Carolyn Egelis impressionistischer Ansatz

Ölgemälde: Carolyn Egelis impressionistischer Ansatz

Diese Ölmalerin aus Maryland, bekannt für ihre Porträts, sucht die Essenz ihrer Motive und gibt sich mit nichts weniger zufrieden.

von Janice F. Booth

Abendweide
Öl auf Leinen, 24 x 30.
Sammlung des Künstlers.

Wenn wir uns an das Gesicht eines Freundes erinnern, sehen wir weder die Augen noch das Lächeln oder den Mund. Nash. Es gibt jedoch einige nützliche Vorschläge, die wir aus ihren Beobachtungen zur Porträtmalerei extrahieren können.

Überlegen Sie zunächst genau, wie Sie die Figur in einem Porträt positionieren. Egeli warnt vor dem Künstler und damit dem Betrachter, der zu nahe kommt und auf das Motiv herabblickt, insbesondere wenn das Porträt dreiviertel lang ist, einschließlich der Hände und des Schoßes des Motivs. Wenn der Fokus auf den Augen liegt und der Künstler nach unten schaut, können die Augen und die Oberseite des Schoßes nicht gleichzeitig gesehen werden, ohne die Perspektive zu verzerren, was dazu führt, dass das Motiv im Bild über dem Stuhl oder der Couch zu schweben scheint. Ein Standpunkt mit korrekter Perspektive, der auf den Dargestellten herabblickt, vermittelt jedoch Verletzlichkeit und Drama.

Herr Frau Stanley J. [Sandra] Sweikar
2005, Öl, 50 x 40.
Sammlung Herr und Frau
Stanley J. Sweikar.

Ein Blick auf das Thema kann den Eindruck von Adel und Autorität erwecken, aber diese Perspektive kann auch zu einer Verlängerung der Gesichtszüge führen. Die dritte und vielleicht üblichste Option besteht darin, den Kopf des Darstellers auf Augenhöhe des Künstlers zu halten. Möglicherweise ist es erforderlich, das Motiv auf einer Plattform zu platzieren, um dies zu erreichen. Das Wichtigste bei der Auswahl einer Perspektive ist, dass die Pose die Persönlichkeit des Subjekts zum Ausdruck bringt und den Geist des Darstellers einfängt.

Ein weiterer entscheidender Schlüssel für überzeugende Porträts: Nehmen Sie sich Zeit für Ihren Verbündeten. Egeli macht im Verlauf eines Gemäldes häufig Pausen - sie arbeitet an einem anderen Gemälde, spielt Klavier oder Übungen und kehrt dann erfrischt zum Bild zurück. Während das Stück sein eigenes Leben annimmt, "bewerte und vergleiche ich, was ich getan habe, mit dem, was ich mir vorgestellt hatte. Ich passe die Zeichnung mit besseren Proportionen an, pumpe manchmal die Wertunterschiede auf oder ändere sie. Ich stelle sicher, dass die Aktion genug ist, ist interessant. Ich vergleiche und baue auf der ganzen Leinwand auf, bleibe allgemein, solange ich es aushalten kann, und beginne dann, Dinge festzuhalten, während ich über das Bild arbeite. Zu diesem Zeitpunkt male ich nicht mehr als 20 Minuten gleichzeitig. Und ich stelle sicher, dass meine Lichtquelle stabil ist. Ich verfolge nicht die Richtung des Lichts. "

Drittens fordert Egeli Künstler auf, eine Koordination von Auge und Herz anzustreben. Zum Teil vermeidet sie es, sich auf Fotos als Referenz zu verlassen. "Das sklavische Kopieren von Fotos bedeutet, dass Sie Verzerrungen kopieren", sagt sie. „Je nach Objektiv und Entfernung, aus der das Foto aufgenommen wird, sind die Gesichtsmitten oft zu groß oder die Gesichter zu lang. Der Künstler jagt seinen Schwanz und kann nicht herausfinden, warum das Bild die Marke verfehlt. “

Ihr vierter Tipp: Übertreiben Sie das Gefühl der Bewegung am Anfang. „Wenn ich die Zeichnung korrigiere oder ändere, wird sie viel genauer“, sagt Egeli. "Aber ohne Rücksicht auf Bewegung und Motiv stockt das Bild, die Leidenschaft versagt." Sie verlässt sich auf ihren Instinkt - der auf Geschicklichkeit und Mut beruht -, um die Gefühle einzufangen, die ein Gemälde mit Leben erfüllen können.

Noch gefroren, Vermont
2006 Öl auf Leinen,
30 x 40. Sammlung
der Künstler.
Henry T. (Tom) Waring
2004, Öl, 32 x 38.
Alle Kunstwerke dieses Artikels
Privatsammlung
wenn nicht anders angegeben.

Und schließlich empfiehlt Egeli den Künstlern, sich nicht auf ein bestimmtes Merkmal zu konzentrieren. Lassen Sie sich zum Beispiel nicht von den Augen verführen. Egeli warnt ihre Schüler: "Sie müssen das Haus bauen, bevor Sie die Fenster einbauen können." Jedes Element der Landschaft oder des Gesichts und des Körpers ist interessant und erfordert die Aufmerksamkeit des Patienten. Wenn die Kurven des Ohrs, der Winkel der Stirn und der Schatten des Kinns vom Künstler genau unter die Lupe genommen wurden, wird das Porträt organisch.

Im Doppelporträt von Stanley J. und Sandra Sweikar skizzierte Egeli zunächst die allgemeinen Formen und Positionen des Paares auf der Leinwand. Oft skizziert sie in Holzkohle und erfasst dabei die Werte. Während sie diese grobe Skizze macht, läuft gleichzeitig ein weiterer kreativer Prozess ab: Egeli hört ihren Motiven zu. Sie hört zu, was sie denken und fühlen; Sie beobachtet die Botschaften, die sie mit ihren Körpern vermitteln, ihre Ausdrücke. Es gibt etwas zu lernen, auch aus dem, was nicht gesagt oder nicht getan wird.

Egeli ist ein kluger Beobachter; sie interpretiert motiv und bedeutung instinktiv. Ihr visueller Wortschatz drückt die Gefühle beider Parteien aus - das fertige Porträt erzählt sowohl von der Geschichte des Darstellers als auch von der des Künstlers. Alles, was Egeli sieht und fühlt, wird Teil des Porträts. Im Sweikar-Porträt spiegeln die Winkel der Körperhaltungen des Paares die Offenheit zwischen ihnen wider. Ihre gefalteten Hände, die eng aneinander liegen, deuten auf Intimität und den Triumph einer erfolgreichen Ehe hin. Ihre Blicke blicken auf den Betrachter, selbstbewusst, unbewacht und gelassen.

Weiße Hortensien
2000, Öl auf Leinen, 24 x 30.
Privatsammlung.
Laura Elizabeth
1994, Öl, 55 x 36.
Sammlung des Künstlers.

Als das Porträt Gestalt annahm, tauchte die Farbe der vorderen Figur auf. Egeli geht vorsichtig mit den Hauttönen um. „Sargent verwendete Ocker, Schwarz und Weiß und ließ dann etwas indisches Rot in die Fingerspitzen fallen. Zerschlagen! " der Künstler sagt. „Mein Vater, Björn Egeli, hat mir beigebracht, Marsviolett und Kobaltblau für die Dunkelheit zu verwenden und für die Halbtöne grünliche Umbra zu verwenden. Die Halbtöne bewegen sich im Licht zu dem pfirsichfarbenen Ocker der allgemeinen Fleischtöne. Die warmen Flugzeuge werden mit roten Cadmien hineingeworfen, wo sich die Wange dreht und der Wert sich auf die dunkle Seite bewegt. Die warme Seite der Wange, näher am Licht, ist wärmer rot, und die andere Wange, näher an der Schattenseite, hat ein kühleres Rot, das in den Schatten geht.

„Bei reflektiertem Licht bewegen sich die Farben je nach Farbe des auf das Motiv einfallenden Lichts zu hellem Grün, Gelb oder Weiß“, fährt Egeli fort. „Dann werden die Werte im Licht mit unendlicher Modellierung sehr hoch bewertet. Die Annäherung an das Gesicht durch enge Modellierung im Licht ist eine sehr anspruchsvolle Aufgabe. Eine weniger anspruchsvolle Art, das Gesicht zu malen, ist ein im Allgemeinen dunklerer Wertebereich mit Lichtstrichen, um die Glanzlichter auf dem Gesicht auszudrücken.

Skipjack Race, Crossing the Wake
2005, Öl, 30 x 40.
Shannon Sullivan
2003, Öl, 40 x 42.
Sammlung Herr und Frau
Michael J. Sullivan.

"Ich sage meinen Schülern immer:" Halten Sie an dem Gefühl fest, das Sie beim ersten Betrachten der Szene oder Person, die Sie gerade malen, zum ersten Mal erleben ", sagt Egeli. „Dieses Gefühl muss bestehen bleiben, wenn die Arbeit beendet ist. Nutze deine Leidenschaft; verarbeiten. Leidenschaft ist wichtig. Nehmen Sie sich Zeit für die Analyse, aber achten Sie darauf, dass Sie nicht stultifizieren und überanalysieren, was Sie sehen und fühlen. “

Egeli fährt fort: „Zum Teil muss der Künstler das Thema widerspiegeln. Bei einem Porträt versuche ich, mich mit dem Lebensstil und dem Geschmack des Motivs vertraut zu machen. Als Künstler konzentriere ich mich auf die Identität des Subjekts. Ich versuche ehrlich zu sein, auszudrücken, was ich in meinem Motiv sehe, und dabei zu berücksichtigen, was für den Zweck des Porträts angemessen ist. Als Künstler erhalte ich aufgrund meines Geschmacks und meiner Einsicht einen Auftrag, daher bleibe ich dem treu, bin aber auch offen für die Standpunkte meines Darstellers. Die Entwicklung einer Beziehung zu meinem Thema ist eine der Freuden und Vorteile der Porträtmalerei. “

Egelis Eltern, Lois Baldwin Egeli und Björn Egeli, waren beide versierte Maler, so dass es für sie selbstverständlich war, ihren Lebensunterhalt als Künstlerin zu verdienen. Sie erinnert sich, wie sie als Kind in den Büros eines Richters des Obersten Gerichtshofs gespielt hat, während ihr Vater das Porträt des Richters gemalt hat. In den letzten 20 Lebensjahren ihres Vaters begleitete Egeli ihn zu Sitzungen. Als Fahrer von Björn Egeli hatte seine talentierte Tochter die Gelegenheit, die Beziehung zwischen Künstler und Subjekt zu beobachten und das Geschäft mit dem Malen von Porträts berühmter und wichtiger Personen - Gouverneure, Firmenpräsidenten, Staatsmänner und Richter - zu verstehen.

Das Erbe von Björn und Lois Egeli umfasst nicht nur ihre Karriere in der Malerei, sondern auch fünf Kinder, die ebenfalls erfolgreiche Künstler wurden. Die Dynastie, die sie gründeten (bisher drei Generationen), wurde mit den berühmten Peales des 19. Jahrhunderts und den Wyeths verglichen, deren Generationen mit den Egelis zeitgemäß sind. Jede dieser malerischen Dynastien begründete eine einzigartige Vision, eine Qualität ihrer Gemälde, die selbst der ungeschulte Bewunderer identifizieren kann.

Großsegler in Norfolk
Öl auf Leinen, 10 x 14.
Sein ehrenwerter Theodore
Edgar Kardinal McCarrick

2003, Öl, 36 x 54.

Gemälde beider Eltern hängen neben ihren eigenen Stücken in dem Haus Egeli, das am Ufer des Herring Creek im Süden von Maryland gebaut wurde. In dieser bukolischen Umgebung ist ihre Arbeit mit ihrem Privatleben verbunden. Das Design des Hauses bietet lichtdurchflutete Galerien und Atelierräume, in denen Kunden und Gäste aus dem ganzen Land und der ganzen Welt studieren, Gemälde kaufen und für Porträts posieren können.

„Ich betrachte Kunst als einen Job, den ich respektiere“, sagt Egeli. „Malerei hat grundlegende Prinzipien, eine Sprache, die verstanden werden kann. Die Bilder und Materialien eines Menschen sind das Vokabular. Die Eigenschaften der Materialien und die Elemente von Design und Farbe sind die Grammatik der Malerei. Ich fordere meine Schüler auf, diese Prinzipien der Kunst anzuwenden, um Gemälde zu schaffen, die von der individuellen Leidenschaft und Energie der Schüler durchdrungen sind. “ Wenn das Pigment, die Leinwand und der Lack ihr Vokabular bilden, sind Design und Struktur die Grammatik, die Ordnung und Kontrolle bietet. Egeli spricht fließend die Sprache des Künstlers.

Andrea Rousseaux und
Tochter Amelié

1992, Öl, 36 x 30.
Gouverneur William D. Schaefer
2006, Öl, 36 x 48.

Sie beginnt mit den besten verfügbaren Materialien, einschließlich Old Holland-Farben, Leinen, Borstenpinseln und den klassischen Medien Terpentin, Damar-Lack und kaltgepresstem Leinöl. "Ich verwende kaltgepresst, weil es das" Wildleder "auf der Oberfläche des Gemäldes reduziert", sagt sie. Die Künstlerin merkt an, dass zeitgenössische Kunst im Gegensatz zu den Materialien ihrer Jugend schnell trocknet, was die Künstlerin dazu zwingt, vorauszuplanen, aber Zeit zwischen den Phasen der Malerei zu sparen.

Egeli ist besonders über den Charakter ihrer Farben. Sie mischt ihre eigene weiße Farbe mit Pigmenten von Sinopia, einem Unternehmen aus San Francisco. Wenn dieses hausgemachte Weiß mit dem richtigen Leinöl hergestellt wird, bietet es eine hervorragende Deckkraft und Beweglichkeit. Old Holland Farben sind bekannt für ihre Archivqualität und durchnässte Farbe.
Egeli trägt normalerweise einen Grund auf ihre Leinwand oder ihr Gipsbrett auf, oft einen neutralen Farbton von mittlerem Wert. Wenn sie eine kühle Kulisse wünscht, kann die Künstlerin eine Mischung aus Kobaltblau, rohem Umbra und Weiß verwenden. Für einen warmen Boden wird sie eine Mischung aus Siena und gebranntem Umbra verwenden. „Während ich die Farbe auftrage, arbeite ich je nach Thema schrittweise mit dünnen Glasuren oder einem geladenen Pinsel“, sagt sie. Die Künstlerin kann wiederholt zu einem Landschaftsort oder einem Atelier zurückkehren, um ihr Motiv zu skizzieren und zu fotografieren, manchmal mit zwei oder drei kleinen Erkundungsgemälden. "Manchmal sehe ich das Ganze auf einmal", sagt Egeli. „Aber es ist äußerst wichtig, bereit zu sein, etwas zu erkunden. Ich nenne das die ehrliche Suche. Die ehrliche Suche deckt die Fähigkeiten und die Aufregung des Künstlers in Bezug auf das Thema auf, wenn er dort ist. Auf dem Bild sollte genug Wahrheit sein, um den Tag zu tragen. “
Das fortlaufende Studium des Themas ist entscheidend für ihren Ansatz. "Kunst liegt nicht in der Technik oder den Prinzipien", sagt Egeli. "Es liegt im Verständnis - zu verstehen, was Sie sehen und in drei Dimensionen sehen. Die Fertigstellung eines Porträts oder eines Gemäldes ist eine monumentale Aufgabe. Während ich die Endphase durchlaufe, stelle ich fest, dass es mit der Geburt vergleichbar ist. Es gibt keine Wahl, es zu beenden, und es wird Schmerzen geben. Das Ergebnis ist jedoch äußerst zufriedenstellend. Das Gemälde hat ein Eigenleben erlangt. “

Janice F. Booth ist eine freiberufliche Schriftstellerin, die in Maryland lebt.


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