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Ölgemälde: Freilichtmaler Amerikas Mitglieder: Von der Website zum Studio

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Eine aktuelle Ausstellung in Stockton, Kalifornien, zeigt, wie Mitglieder der Plein-Air Painters of America (PAPA) ihre Vor-Ort-Studien interpretieren, um größere Atelierbilder zu schaffen. Hier ist, was sie zu sagen hatten.

von Bob Bahr

Studie für Kanadas Kuppelgletscher
von Linda Tippetts, 2006, Öl, 12 x 16.
Alle Kunstwerke dieses Artikels
Sammlung des Künstlers, es sei denn
sonst angegeben.
Kanadas Kuppelgletscher
von Linda Tippetts, 2006,
Öl, 18 x 24.

Linda Tippetts
Die Montana-Künstlerin Linda Tippetts malte die Studioversion dieser Komposition kurz nach dem Studium. „Es ist für jeden Einzelnen anders, aber wenn ich die Aufregung und Leidenschaft verloren habe, die ich hatte, als ich diese Szene vor Ort ausgewählt habe, und ich sie nicht wieder einfangen kann, werde ich das Studio-Stück einfach nicht machen“, sagt der Künstler . "Es muss ziemlich unmittelbar sein - ich muss diese Kontinuität vom Feld zum Studio aufrechterhalten, ohne meinen Fokus dazwischen zu brechen."

Obwohl sie gesteht, dass sie ihr Studium ein wenig bevorzugt, ist Tippetts aus verschiedenen Gründen motiviert, Studioversionen von Outdoor-Szenen zu erstellen, einschließlich der Tatsache, dass ihr beim Malen im Freien gelegentlich das Tageslicht ausgeht, und eine Studio-Version ermöglicht es ihr, diese zu integrieren mehr Details. Sie kann auch das Design ändern, wie es die Künstlerin tat, als sie die Form des Gletschers in der Studioversion vergrößerte und veränderte. Tippetts veränderte auch sichtbar das Licht in der Ateliermalerei - sie war fasziniert von der Komposition und dem Design beim Malen vor Ort, stellte jedoch fest, dass das Licht am nächsten Tag besser war. Sie filmte die Szene mit einem Camcorder - sie ist der Meinung, dass Videos Lichteffekte besser erfassen können - und verwendete das Filmmaterial zusammen mit der Studie, um ihr größeres Studio-Stück zu erstellen. Sie arbeitet auf Leinwand auf dem Feld und spannte Leinen im Studio. Sie verwendet für beide Aufgaben dieselbe vollständige Palette.

Tippetts hat die kanadischen Rockies teilweise gemalt, weil sie die amerikanischen Rockies so sehr liebt. „Da ich in der Nähe der Rocky Mountains in Montana lebe, wollte ich die kanadischen Rocky Mountains erkunden, um ihre Persönlichkeit zu entdecken“, sagt sie. „Ich bin in den Bergen geboren und aufgewachsen und sie liegen mir sehr am Herzen. Wenn Sie jedoch dieselbe Szene zu lange betrachten, sehen Sie keine neue Ansicht. Die kanadischen Rockies zu sehen, gab mir eine neue Perspektive auf die Rocky Mountain-Kette. “

Joseph Mendez
Joseph Mendez verwendet Referenzfotos, um bestimmte Details für seine Atelierbilder zu erhalten. Im Allgemeinen betrachtet er sie jedoch als „große Lüge“ und sucht in seinem Arbeitszimmer nach Farbnotizen. "Fotos liefern keine genauen Farben", sagt er. "Das Foto ist kalt." Wie Tippetts ist es Mendez wichtig, die Studioversion so schnell wie möglich nach Abschluss des Studiums zu malen, während er sich noch lebhaft an die Erfahrung erinnert. "Ich mache es innerhalb von ein paar Tagen", sagt er. "Ich muss das tun, sonst verschwindet das Bild."

Mendez malt vor Ort auf Leinwand oder Masonite und im Studio auf Leinwand oder Leinwand, wobei für beide dieselbe begrenzte Palette verwendet wird. Vor allem versucht er, das Gefühl des Ortes einzufangen. "Es ist mir egal, ob ich einen Stein größer oder kleiner mache - ich werde alles tun, was ich will", sagt er. "Aber das Gefühl des Ortes ist mir sehr wichtig, das Gefühl dieses besonderen Tages." Die Komposition wird sich wahrscheinlich von der Studie zur Studioversion ändern, und Mendez erwartet dies. „Der Größenunterschied zwischen dem Arbeitszimmer und der Ateliermalerei zwingt mich zu einer anderen Komposition“, betont er.

Der kalifornische Künstler unternimmt auch einen ungewöhnlichen Schritt, um die Erfahrung und nicht die spezifischen Objekte hervorzuheben, die er betrachtet: Er arbeitet verkehrt herum an der Ateliermalerei. "Auf diese Weise werde ich mein Gehirn nicht benutzen und darüber nachdenken, was die Szene ist - es hindert mich daran, Dinge zu denken und zu rechtfertigen", sagt Mendez. "Ich male nur die Farben, die ich sehe und an die ich mich erinnere."

John Budicin
Auf die Frage, was der schwierigste Aspekt beim Malen einer Studioversion einer Vor-Ort-Skizze ist, stimmt John Budicin mehreren Freilichtkünstlern zu: "Der Versuch, die Frische zu bewahren, die dort war, ist die größte Herausforderung", gibt er zu. Der kalifornische Künstler und derzeitige Präsident von PAPA geht das Problem nicht unbedingt an, indem er versucht, die Studioversion so schnell wie möglich nach Abschluss der Studie vor Ort zu malen. "Für mich bedeutet das, ein wenig an der Studio-Version zu arbeiten, damit ich einen bestimmten Bereich nicht überarbeite", erklärt er. "Ich werde einfach weggehen oder an einem Rahmen arbeiten - ich mache gerne meinen eigenen und trage das Blattgold auf - und dann, nachdem ich mich klar gemacht habe, gehe ich zurück zum Bild.

"Wenn Sie einen Bereich sehen, der nicht funktioniert, ist dies ein Warnzeichen", bietet Budicin an. "Wenn Sie einen Baum sehen, der nicht ganz passt, obwohl Sie ihn mehrmals gemalt haben, haben Sie Ihre Frische verloren." Er warnt auch davor, dass das größere Gemälde ein Eigenleben haben muss. "Man kann nie duplizieren, was man an dem Kleinen hat", sagt Budicin. „Die Studie hat eine Sprache und das größere Stück muss für sich selbst sprechen. Ich male gerade in dem Moment, in dem ich das Studium mache. "

Der Teil der Toskana, den Budicin in diesem Gemäldepaar darstellt, ist eines seiner Lieblingsgebiete. Die größte Änderung, die er von der Studie zur Studioversion vorgenommen hat, ist die Behandlung des Hintergrunds. "Ich habe mehr Details hinzugefügt und dafür gesorgt, dass es mehr zurücktritt", sagt der Künstler. "Ich habe es mehr interessiert und so gestaltet, dass es den Blick des Betrachters zurück auf das Gemälde lenkt. Ich habe versucht, mehr kreisförmige Muster zu erhalten, um das Auge im Bild zu behalten."

Der Trailer Park
von Brian Stewart, 2006,
Öl, 18 x 40.
Lernen für
Der Trailer Park

von Brian Stewart, 2006,
Öl, 6 x 8.
Lernen für
Der Trailer Park

von Brian Stewart, 2006,
Öl, 6 x 8.
Lernen für
Der Trailer Park

von Brian Stewart, 2006,
Öl, 6 x 8.

Brian Stewart
Der Maler Brian Stewart aus Minnesota gestaltet seine Studien nach früheren Meistern wie den Malern der Hudson River School, die aus mehreren Studien heraus arbeiteten, um größere Studioarbeiten zu produzieren. "Das Schwierige ist, alles zu integrieren und glaubwürdig aussehen zu lassen", sagt er. „Das gleiche Gefühl, die gleiche Lichtquelle, den gleichen Winkel, die gleiche Entfernung und die gleiche Perspektive zu haben - das ist die Schwierigkeit, insbesondere wenn es sich um künstliche Objekte handelt. Dies sind Dinge, die das menschliche Auge identifiziert und mit denen es vertraut ist. Daher müssen Sie in Ihrer Zeichnung sehr technisch sein. Wenn ich eine Landschaft aus Bergen, Bäumen und Felsen mache, kann dies zu einem Zeichenfehler führen, und niemand wird ihn aufheben. Aber wenn ich ein künstliches Objekt male, muss ich es richtig machen, denn die Leute werden es aufgreifen, egal ob sie trainiert oder nicht trainiert sind. "

Stewart ging dieses zusammengesetzte Bild von Retro-Autoanhängern an, indem er zahlreiche Studien für jeweils etwa zwei Stunden auf 6-x-8-Baumwolltuchplatten malte. "Die erste Studie, der Trailer Park in Bisbee, Arizona, diktierte die Gesamttonalität", sagt er. "Ich habe versucht, alles zusammenhängend zu machen." Er hat das Auto separat lackiert und die Farbtemperatur aus dem Arbeitszimmer angepasst, als er das Studioteil lackierte. Die Personen in der Komposition wurden nach Fotografien gemalt, die er später im Winter in Kostümen in Innenräumen inszenierte. Der Trailer, auf den sich das Studiostück konzentriert, wurde in einem anderen Trailerpark gemalt.

"Farbe, Werte und das allgemeine Lichtgefühl versuche ich in Studien festzuhalten", sagt der Künstler. "Ich konzentriere mich nicht so sehr auf das Zeichnen. Ich versuche, die Zeichnung genau zu machen, aber ich kann mich bei Bedarf auf Referenzfotos für die Genauigkeit des größeren Stücks verlassen." Ich versuche immer noch, Kunst zu schaffen - ich versuche nicht, eine Dokumentation zu machen. " Stattdessen versucht er, ein Gefühl der Nostalgie hervorzurufen, und kann sich mit Details in der Beschilderung, den Gebäuden und ähnlichen Elementen in der Peripherie des Gemäldes Freiheiten nehmen.

Er beginnt mit dem Zeichnen mit Farbe und sehr wenigen Linien. "Ich zeichne immer, während ich das Bild fertigstelle", sagt Stewart. „Ich vervollständige die Zeichnung, während ich male. Wenn ich zu Beginn eine Zeichnung zu kostbar mache, könnte ich sie heiraten und Angst haben, davon abzuweichen. “ Als nächstes erstellt Stewart normalerweise eine Zwischenzeichnung, einen Kohle-Cartoon auf Ingres-Papier mit weißer Kreide, um eventuelle Zeichenprobleme zu lösen. Anschließend fügt er ein Raster über der Zeichnung und auf der Leinwand hinzu, damit er die Informationen genau übertragen kann.

"Normalerweise kann ich die größeren Studiobilder nicht sofort malen, aber je früher ich das fertige Gemälde mache, desto erfolgreicher ist es", sagt er. „Das Gefühl bleibt anfangs bei mir, aber es scheint sich mit der Zeit aufzulösen. Und bei einem Gemälde ist es wichtiger, wie es sich anfühlt, als wie es funktioniert. " Zum Der Trailer Park, Stewart malte zuerst den Trailer Park, der als Kulisse dient, und eine Woche später den primären Trailer. Fünf Monate später fand er das Auto, um es zu ziehen. Sechs Monate später konnte er mit der Ateliermalerei beginnen, für deren Ausführung er anderthalb Wochen brauchte.

Gil Dellinger
„In der Studioversion habe ich das dynamische Licht leicht heruntergespielt, um dem Bild mehr Einheitlichkeit zu verleihen“, sagt Gil Dellinger über dieses Paar Acrylstücke. „Es gab eine Dreistigkeit, die im kleinen Maßstab wirklich charmant war, aber auf einem großen Gemälde wäre es zu knallig und irgendwie unharmonisch gewesen. Ich habe die Farben leicht geändert und die Form der Straße geändert - ich habe dies im Atelier ausprobiert und festgestellt, dass es mir gefallen hat, also bin ich der neuen Idee gefolgt und habe sie sich verwandeln lassen. “

Dellinger sagt, dass er vor Ort fast das Design vergisst, weil er so sehr darauf bedacht ist, den Sinn des Ortes einzufangen. "Ich arbeite, indem ich das Ambiente eines Ortes spüre", sagt er. „Sogar ein Geruch - ich kann Pflanzenmaterial aus der Gegend ins Studio bringen. Es ist Teil der Erfahrung. Ein Geruch ist etwas, das einige Gehirnfunktionen umgeht und Sie zurück in eine Erinnerung bringt. Sie können etwas riechen und vor 20 Jahren zurück sein.

"Normalerweise muss ich einen Bereich malen, kurz nachdem ich ihn erlebt habe", sagt Dellinger. „Ein Jahr später bin ich zu emotional von den ersten Erfahrungen losgelöst. Es ist sehr schwer, sich daran zu erinnern. “

Scott Burdick
Der Unterschied zwischen Scott Burdicks Studie für ein Gemälde von Yosemite im Januar und dem von derselben Szene inspirierten Ateliergemälde ist wohl das dramatischste der in der PAPA-Show ausgestellten Paare. Das Format hat sich nicht nur von horizontal zu vertikal geändert, sondern ein Gemälde, das sich auf die gelben Hügel im Hintergrund zu konzentrieren scheint, ist zu einem Stück mutiert, das das Spiel des gelben Lichts auf dem Bach und der kühlen, schneefarbenen Felsen betont.

„Schon während ich die Studie malte, dachte ich darüber nach, sie vertikal zu machen“, erklärt er. „Ich freue mich auf die Szene, die ich malen werde, und ich möchte sofort loslegen. Aber ich schaue mich immer um und sehe andere Dinge, die sich hervorragend zum Malen eignen. Und die Dinge ändern sich im Laufe der Zeit. In diesem Fall wurde das Licht erst lange nach meinem Start vom Wasser reflektiert. Dann begann sich das Gelb in den Hügeln zu reflektieren und ich war begeistert und machte einige Fotos - ich wusste, dass ich eine Vertikale machen wollte. Das passiert oft - man fängt an und sieht dann plötzlich andere Möglichkeiten, bessere Möglichkeiten. Aber wenn ich das Studium nicht gemacht hätte, wäre ich nicht lange genug dort geblieben, um diese Veränderung im Licht zu sehen. "

Burdick verbringt ungefähr drei Stunden damit, seine Studien zu malen, und er hält es für eine wichtige Aufzeichnung der Farben in der Szene und vielleicht ebenso wichtig für drei Stunden genauer Beobachtung des Themas. Er macht auch Referenzfotos und „klammert“ sie ein, um die Details sowohl im sehr hellen als auch im sehr dunklen Bereich festzuhalten. Der Künstler aus North Carolina findet Studiobilder befriedigend, weil sie es ihm ermöglichen, eine neue Herangehensweise an das Thema zu erforschen und eine Pause von seiner Abwesenheit zu machen. Aber im Freien zu malen ist für Burdick eindeutig ein Highlight.

„Malen im Freien macht Spaß, wenn man Künstler ist“, sagt Burdick. „Ausgehen und erkunden, den Ort kennenlernen - man sieht, wie sich die Sonne ändert, wie sich das Licht an einem bestimmten Ort unterscheidet. Auch wenn diese Bilder nicht von den Sammlern verschickt und gekauft werden, sind die Studien für Künstler der wahre Spaß. Aber Sie betrügen sich selbst, wenn Sie nur studieren. Die großen Künstler haben alle studiert, aber sie sind bekannt für ihre großen, unglaublichen Meisterwerke im Studio, die nur aufgrund ihres Studiums möglich waren. “

Ken Auster
Ein Atelier von Ken Auster ist wahrscheinlich 600 Prozent größer als seine Studie, daher sind seine Ziele etwas anders als bei einigen Freilichtmalern. "Die Studie dient nur dazu, meine Gedanken zu ordnen und so schnell wie möglich etwas niederzulegen", sagt der kalifornische Künstler. "Ich möchte sehen, ob es in einem größeren Format funktioniert."

Er verwendet einen großen Pinsel für seine 12-x-16-Studien, "damit das Malen weniger Zeit in Anspruch nimmt". Auster sagt, er mag es nicht, Menschen im Weg zu sein, wenn er in der Stadt malt. Er lässt eine Studie in 90 Minuten fertigstellen, wobei er häufig die Grundlagen in den ersten 30 Minuten vermittelt und sich dann an einen weniger aufdringlichen Ort bewegt, um die Studie weiterzuentwickeln. Anhand von Referenzfotos wird er der Studie später im Studio einige Details hinzufügen. Dann wird er Bewertungen vornehmen.

"Ich mache eine Vielzahl kleinerer Bilder und schaue sie mir lange an. Dann entscheide ich mich schließlich, welches ein gutes großes Gemälde sein wird", erklärt er. „Sie müssen feststellen, ob das Gemälde in einem großen Format funktioniert. Je stärker das Thema oder der Schwerpunkt eines kleinen Gemäldes ist, desto erfolgreicher wird das größere Gemälde. Sie können fast alles in einem 6-x-8-Format ausführen, und es wird funktionieren, da Sie nicht versuchen, alle Informationen in ein kleines Gemälde einzutragen. Sie sind gezwungen, sich an die Regeln für gutes Design zu halten und sich dagegen zu wehren, es mit einem Haufen Müll zu füllen. Ein gutes Gemälde hängt davon ab, was Sie weglassen. “

Der nächste Schritt für Auster ist das Blockieren des großen Gemäldes in seinem Atelier. Er sagt, dass diese Phase, in der das Design festgelegt wird, in einer Sitzung durchgeführt werden muss - er schließt diese „Grundierung“ im Allgemeinen an einem Nachmittag ab, zieht Handschuhe an und schmiert die Farbe mit den Händen auf. "Es ist ein schneller Prozess. du musst arbeiten, solange es nass ist “, sagt er. "Und es ist körperliche Bewegung; du musst schnell viel Farbe auftragen. “ Auster ist der Ansicht, dass es ihm bei korrekter Grundlage fast unmöglich ist, das Gemälde später während der Verfeinerung zu ruinieren. Nur viel Arbeit und ein großer Pinsel könnten die Komposition und das Design sabotieren.

Der Künstler verbringt dann einige Wochen damit, kleine Bereiche des Gemäldes zu entwickeln und den Schwerpunkt festzulegen. Er vermeidet zu viele Details. „Nichts wird einem großen Gemälde mehr schaden als zu viele Informationen“, behauptet Auster. „Sie brauchen einen Quadratfuß wirklich interessanter Informationen, und der Rest sollte abstrakt sein. Sie können nicht das Gefühl haben, dass Sie mehr Dinge hineinstecken müssen, nur weil mehr Platz vorhanden ist. Sie müssen diesen Gedanken zügeln und den Schwerpunkt behalten.

"Bei kleineren Stücken kann man mit Dingen wie einem riesigen Stück Rot davonkommen, aber in einem großen Gemälde wäre es so dominierend, dass man nicht aufhören könnte, es anzusehen", erklärt er. "In einem größeren Stück erhalten Sie möglicherweise viel subtilere Informationen als in einem kleineren, aber Sie erhalten keine detaillierteren Informationen."

Auster verleiht seinen größeren Gemälden deutlich mehr Tiefe und achtet darauf, dass seine Farben etwas subtiler wirken. „In einer Studie könnte ich die Landschaft in drei Ebenen unterteilen - Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund - und es wird große Wertänderungen zwischen ihnen geben“, sagt er. "In einem Studiostück kann ich sechs oder sieben Schichten einlegen - ich kann den Umschlag schieben und dabei den gesamten Wertebereich beibehalten."

Jim Morgan
Jim Morgans Studie über einen Ahornbaum im Spätherbst wurde tatsächlich im Studio durchgeführt, ebenso wie die meisten seiner Studien. Er macht vor Ort sehr grobe, einfache Skizzen und arbeitet dann zu Hause ein kleines Arbeitszimmer auf, bevor er mit einem größeren, fertigeren Stück beginnt. „Diese Studie basierte auf einigen Skizzen von Hühnern vor Ort“, sagt der Künstler aus Utah. „Ich mache das, um zu sehen, wie die Komposition abläuft, bevor ich die größere mache. Diese ersten Miniaturansichten geben mir die Essenz des Motivs und die Bewegung der Linie. “ Morgan verwendet auch Referenzfotos, bezieht sich jedoch nur flüchtig auf sie und zieht es vor, sich auf Erinnerung und Intuition zu verlassen.
Der kleine Junco im Atelier war von Anfang an geplant, aber Morgan ließ den Vogel aus dem Arbeitszimmer, weil er zunächst sicherstellen wollte, dass die Komposition ohne ihn stark genug wäre.

Über PAPA
Das Freilichtmaler der Amerikaner (PAPA) wurde 1986 von Denise Burns auf Catalina Island vor der kalifornischen Küste gegründet. Die Idee war, 20 Künstler auszuwählen, sie eine Woche lang auf der Insel malen zu lassen und ihre Arbeiten dann am Samstagabend und Sonntagmorgen in einem Verkauf zu zeigen . Dieses Format erwies sich als sehr erfolgreich, und für die nächsten 18 Jahre malte und stellte die Gruppe auf Catalina aus, gefolgt von zwei Jahren in der Region Lake Tahoe. Die Organisation beschränkt ihre Mitgliedschaft immer noch und das Ziel bleibt dasselbe: "Ort und Zeit dokumentieren und auf große und kleine Sehenswürdigkeiten aufmerksam machen", so die PAPA-Website. Jährliche Workshops sind seit kurzem ebenfalls Teil ihrer Aktivitäten.

Die 21. jährliche Ausstellung und der 21. Verkauf der Gruppe mit dem Titel „Aus dem Herzen: Freilichtmaler Amerikas“ werden am 21. Oktober im Haggin Museum in Stockton, Kalifornien, eröffnet. Mehr als 120 Kunstwerke von 34 Unterschriften-, Emeritus- und Ehrenmitgliedern Bis zum 6. Januar 2008 sind sechs Gastkünstler zu sehen. Zu den Gemälden, die im vergangenen Jahr entstanden sind, gehören Freilichtarbeiten sowie Studiobilder aus Feldstudien. Zu den Eröffnungsveranstaltungen gehört eine Malvorführung (Eintritt frei) am Morgen des 20. Oktober im Jessie's Grove Winery in Lodi, Kalifornien. Ein Ausstellungskatalog ist im Museum erhältlich.

Weitere Informationen zu PAPA finden Sie unter www.p-a-p-a.com.


Schau das Video: Interview mit Dr. iur. Heinz Raschein: Notstand, Verfassung und Menschenrechte. (Juni 2022).


Bemerkungen:

  1. Nilabar

    Ich denke du hast nicht Recht. Ich bin sicher. Ich lade Sie ein, zu diskutieren. Schreiben Sie in PM, wir werden reden.

  2. Eztli

    Sag mir, wen kann ich fragen?

  3. Zeeman

    Ich entschuldige mich, ich kann Ihnen nicht helfen, aber ich bin mir sicher, dass sie Ihnen helfen, die richtige Lösung zu finden. Nicht verzweifeln.



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