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Zeichnung

Aquarell: Gary Akers: Zeichnen von Aquarell von Anfang bis Ende

Aquarell: Gary Akers: Zeichnen von Aquarell von Anfang bis Ende

Das Zeichnen ist für Gary Akers kreativen Prozess von entscheidender Bedeutung. Es hilft ihm, das Thema zu kennen, die Wertestruktur und -zusammensetzung zu bestimmen und den Schwerpunkt zu definieren.

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von Lynne Moss Perricelli

Der weiße Eimer
2007 Aquarell,
12¼ x 18¼.
Mit freundlicher Genehmigung von Hammer Galleries,
New York, New York.

Gary Akers beginnt jede Aquarellmalerei mit einer Zeichnung, wie es bei den Praktikern des Mediums üblich ist. Andere Arbeiten erfordern nicht so viel Planung, aber fast alle beginnen mit einer Graphit- und Aquarellstudie als eine Art Probelauf für das letzte Stück. "Es gibt keine wirklichen Gründe dafür", sagt der Künstler. "Ich mache einfach das Notwendige, um herauszufinden, wie man das endgültige Gemälde komponiert." Er glaubt jedoch, dass das Zeichnen für seinen Prozess von grundlegender Bedeutung ist. „Sie müssen zeichnen können, um malen zu können, und ich liebe es zu zeichnen. Das mache ich in meinem Bild. "

Damit meint der Künstler, dass das Zeichnen nicht nur in den frühen Stadien eines Gemäldes von entscheidender Bedeutung ist, sondern auch am Ende, wenn er häufig eine Trockenbürste verwendet, um den Schwerpunkt zu definieren oder wichtige Details zu schärfen. Drybrush ist eine Technik, bei der der Künstler einen geladenen Pinsel mit meist trockenen, gespreizten Borsten verwendet, um kleine Details mit feinen Details zu versehen. Akers 'Interesse an der Technik ergibt sich aus seiner Arbeit mit Eitempera, bei der er einen Pinsel mit einer nadelförmigen Spitze verwendet, um ein Gemälde mit schraffierten Linien zu entwickeln. „Die lineare Qualität von Eitempera ist wie das Zeichnen mit Graphit“, beschreibt er. "Die Verwendung von Trockenbürsten in Aquarellen ist eine Erweiterung des Zeichnens auf die gleiche Weise, aber ich gehe nicht so detailliert darauf ein."

Beerenkorb
2005, Aquarell,
13¾ x 9¼.
Privatsammlung.

Akers lebt fünf Monate im Jahr in der Mitte der Küste von Maine und für den Rest im ländlichen Kentucky, wo er viele verschiedene Themen hat. Die meisten seiner Themen findet er "zufällig", sagt er. „Sie kommen unerwartet zu mir. Ich sehe, wie das Licht auf ein Objekt trifft, und ich mag das Gefühl von Tiefe oder Textur, das erzeugt wird. “ Auf diese Weise sucht er nach dem, was er als „entscheidenden Moment“ im Lichtspiel über die Formen beschreibt, und hält Ideen in Skizzen und Fotografien sowie in seiner Erinnerung fest. Ebenso wichtig ist jedoch die emotionale Verbindung, die der Künstler zum Thema empfindet. Kellerlicht, Zum Beispiel stieg der Künstler eine Treppe in einem alten Kellerhaus hinunter und fand mehrere Körbe mit Äpfeln, Kartoffeln und Rüben, die im sanften Schein des Lichts oben gebadet waren. „Der kleine Raum hatte keine Fenster“, erinnert sich der Künstler. „Das einzige Licht kam von der offenen Tür im Boden. Wenn die Sonne auf die weiß getünchte Putzwand traf, leuchtete der Raum auf, als wäre eine Glühbirne eingeschaltet worden. Ich konnte es gar nicht glauben. Für kurze Zeit tauchte jeden Nachmittag dieses wunderschöne Dreieck aus strahlendem Licht auf. Es war wie Magie und der Ort hat mich wirklich fasziniert. Es erinnerte mich an die Farm meiner Großeltern und erinnerte mich an meine Kindheitstage. "

Akers beginnt jedes neue Gemälde im Studio, wo er zunächst mehrere Graphitskizzen anfertigt, um die Wertestruktur und Komposition fertigzustellen. Anschließend zeichnet er auf der endgültigen Oberfläche, bei der es sich normalerweise um eine Bristol-Platte der Strathmore 500-Serie handelt, eine vollständige Zeichnung in Graphit an, die bis zu 10 Stunden dauern kann. Die glatte, harte Oberfläche absorbiert nicht das Pigment und das Wasser, sondern lässt die Waschmittel darüber schweben und erzeugt kräftigere, tiefere Farben. „Was Sie am Anfang an die Tafel legen, ist am Ende die gleiche Intensität“, beschreibt der Künstler. "Mit kaltgepresstem Papier legen Sie Waschungen ab und verlieren ein oder zwei Werte, wenn die Farbe im Papier verschwindet." Ein weiterer Vorteil des Boards ist, dass die glatte Oberfläche dem Gipsbrett ähnelt, das er normalerweise für Eitempera verwendet.

Regenkarren
2006, Aquarell,
18¼ x 12¼.
Privatsammlung.
Sonnenblumenschatten
2007 Aquarell,
16 x 22. Courtesy Tree’s Place,
Orleans, Massachusetts.
Hinterhof
2005, Aquarell,
10¼ x 15¼. Privatsammlung.
Annäherung an den Hafen
2007 Aquarell,
16¼ x 22¼. Courtesy Tree’s Place,
Orleans, Massachusetts.
Reflexionen in
Rote Studie

2006, Aquarell,
10¼ x 15¼.
Privatsammlung.

Der Künstler verwendet Grundmaterialien und zeigt keine Vorlieben für Farben und Pinsel. Seine Palette, die auf einer John Pike-Palette, die er in den 1970er Jahren am College gekauft hat, von kühl bis warm angeordnet ist, besteht aus Ceruleanblau, Kobaltblau, Ultramarinblau, Saftgrün, Olivgrün, Cadmiumrotlicht, Cadmiumgelblicht und tiefem, gelbem Ocker , rohe Siena, rohe Umbra und verbrannte Siena. Seine Pinsel sind meistens runde Zobel- und Mischpinsel sowie ein Malerpinsel und ein 3-Seehecht, die er beide zum Verlegen auf großen Flächen verwendet. „Ich missbrauche meine Pinsel und bekomme normalerweise ein Gemälde oder weniger heraus“, sagt der Künstler. "Ich gehe in die Zeitung, in die Bewegungen und schrubbe und kratzte viel." Er verwendet nur selten Maskierungsflüssigkeit und malt lieber einfach um die Weißen.

Akers beginnt damit, in den breiten Wäschen zu liegen, zuerst die dunkelsten Dunkelheiten zu entwickeln und darauf zu achten, dass die Weißen erhalten bleiben. Anschließend baut er die Farben und Formen mit mehr Ebenen auf und bleibt dabei stets über die Wertestruktur informiert, die er in den ersten Skizzen geplant hat. Wenn er entscheidet, dass das Stück mehr Textur und Details benötigt, verwendet er eine Trockenbürste mit einer von zwei Techniken. Um das Gefühl für Textur wie Haut, Rinde oder Gras zu verbessern, drückt er mit einem alten synthetischen Pinsel in die Farbe seiner Palette, hebt den Pinsel mit in verschiedene Richtungen gespreizten Borsten heraus und trägt ihn auf das Brett auf . "Dieser Ansatz behält ein gewisses Gefühl der Spontanität bei, da ich den Farbauftrag nicht kontrollieren kann", sagt Akers. Bei der anderen Vorgehensweise taucht der Künstler einen Zobelpinsel in die Farbe ein, wringt ihn mit den Fingern aus, um eine scharfe Spitze zu erzielen, und legt dann feine Linien ein, die er für die engsten Details kontrolliert. "Wenn ich zu viele Details erstellt habe", sagt er, "gehe ich mit einer Wäsche über Bereiche, damit sie sich in die Umgebung einfügen." Er gibt zu, dass Drybrush nicht jedermanns Sache ist, vor allem, weil es mehr Planung und Geduld erfordert, aber er fordert Künstler auf, es in Bereichen zu versuchen, die sie als Schwerpunkt beabsichtigen. „Ich persönlich bin der Meinung, dass die Kombination aus losen Waschungen und engen Details ein starkes Bild ergibt“, sagt er.

Kellerlicht
2006, Aquarell,
10¼ x 15¼.
Privatsammlung.

Als Akers nach seinem College-Abschluss in den 1970er Jahren anfing, mit Aquarell zu arbeiten, studierte er die Gemälde und Techniken vieler Künstler und fühlte sich besonders von Andrew Wyeth, Winslow Homer und Edward Hopper angezogen. Alle diese Künstler haben ihn maßgeblich beeinflusst, obwohl Akers sich jetzt weniger von anderen Künstlern angezogen fühlt. „Am Anfang habe ich wie viele Künstler alles angeschaut. Jetzt möchte ich mein eigenes Ding machen und verfolge die Arbeit anderer Künstler nicht mehr so ​​wie früher. "

Das Befolgen seines eigenen Kurses hat zu dem beachtlichen Erfolg und der Anerkennung des Künstlers geführt, mit vielen Auszeichnungen und prominenten Sammlern. Akers schreibt sein Glück seiner Praxis zu, Ziele zu setzen, die auf jeder vorhergehenden Leistung aufbauen. „Als ich anfing“, erinnert er sich, „habe ich mir zum Ziel gesetzt, Mitglied der American Watercolor Society zu werden. Ein weiteres Ziel war es, in vorgestellt zu werden Amerikanischer Künstler. In letzter Zeit haben sich meine Ziele darauf konzentriert, die New Yorker Galerie zu vertreten. “ Akers jüngste Einzelausstellung in den New Yorker Hammer Galleries bestätigt seine diesbezügliche Leistung. „Durch meine Arbeit in regionalen und dann in nationalen Ausstellungen wurden Galeristen und Magazine bekannt, was zu mehr Galerien und Ausstellungen führte“, stellt er fest. "Natürlich bringt all dies mehr Fristen und mehr Stress mit sich, weil ich keine der Shows leicht nehme, aber sie sind aufeinander aufgebaut."

Maine Erinnerungen
1999, Aquarell, 19 x 29.
Privatsammlung.

Bei all seinen Leistungen als Maler ist Akers in erster Linie ein Zeichner, wobei der Akt des Zeichnens jeden Schritt seines kreativen Prozesses beeinflusst. Er ermutigt andere Künstler, so viel wie möglich zu zeichnen, und schlägt vor, „zu zeichnen, was Sie wissen und worauf Sie sich beziehen können“, so wie er es getan hat. Es ist ein Rat, den man immer wieder hört - und doch muss er immer wiederholt werden.

Über den Künstler
Gary Akers hat einen Master-Abschluss in bildender Kunst von der Morehead State University in Morehead, Kentucky, und studierte Eitemperatechnik mit einem Stipendium der Elizabeth T. Greenshields Foundation. Seine Arbeiten sowohl in Aquarell als auch in Eitempera wurden in zahlreichen Institutionen ausgestellt, darunter im Speed ​​Art Museum in Louisville, Kentucky; das Frye Art Museum in Seattle; und die National Academy of Design in New York City. Er hat bedeutende Auszeichnungen der American Watercolor Society erhalten, deren Mitglied er ist. die Southern Watercolor Society; und die Kentucky Watercolor Society. Das Kemper Museum für zeitgenössische Kunst in Kansas City hat kürzlich sein Aquarell gekauft Mrs. Lean Arthur. Seine Arbeiten erscheinen in vielen Zeitschriften und Büchern. Er unterhält Studios in Kentucky und Maine. Weitere Informationen zum Künstler finden Sie unter www.garyakers.com.

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