Zeichnung

Aquarell: Carla OConnor: Figuren in Aquarell und Gouache

Aquarell: Carla OConnor: Figuren in Aquarell und Gouache

Eines der Ziele von Carla O’Connor in einem Workshop ist es, die Schüler davon zu überzeugen, nicht mehr über die Werkzeuge der Wassermedienmalerei nachzudenken - Pinsel, Farben und Papier - und sich auf den Ausdruck zu konzentrieren. 2 Bleistift, ein Kugelschreiber oder ein Computer, um seine tiefsten Gedanken zu enthüllen.

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von M. Stephen Doherty

New Yorker Modell
2007, Aquarell und Gouache, 30 x 20.
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wenn nicht anders angegeben.

Die Schüler in meinen Workshops können sich sehr darüber aufregen, dass ich mich ständig bewerbe und dann Schichten von Gouache abwasche. “ Carla O’Connor sagt. „Sie denken, ich sollte bewusster sein. Was ich erklären muss ist, dass der Prozess ein wesentlicher Teil meiner Ausdrucksweise ist. Außerdem, wen interessiert es, wenn ich die Materialien sparsam verwende, wenn ich ein Gemälde bekomme, das mir nichts bedeutet? "

Dieser scheinbar ziellose Prozess ermöglicht es O’Connor, meisterhafte Gemälde zu schaffen, die bei anderen Künstlern, Ausstellungsrichtern, Kuratoren und Sammlern Anklang finden. Allein im letzten Jahr wurde sie eingeladen, 15 Workshops durchzuführen, vier internationale Ausstellungen zu beurteilen, an drei Gruppenausstellungen teilzunehmen und die Preise für die Ausstellung 2008 der American Watercolor Society zu beurteilen. Eine dieser Gruppenausstellungen, die Invitational Exhibition of Contemporary International Watermedia Masters, reist weiterhin durch China und Taiwan und wurde in einem 76-seitigen Buch dokumentiert.

O’Connor hat die bemerkenswerte Fähigkeit, Repräsentationsfiguren in abstrakte Bildräume zu integrieren, ein Ansatz, an dessen Entwicklung sie während ihrer Karriere hart gearbeitet hat. „Auf der einen oder anderen Ebene beschäftigt sich jeder Künstler mit den abstrakten Qualitäten von Bildern und der Illusion einer dreidimensionalen Realität auf einer zweidimensionalen Oberfläche“, kommentiert sie. "Für mich muss ich fast immer das, was ich tue, mit einer menschlichen Form in Verbindung bringen, und meistens ist diese Form eine Frau. Ich male manchmal Männer und Kinder, aber ich erlebe die Welt als Frau, und das ist der beste Bezugspunkt für mich. "

Der Künstler führt Figuren auf zwei Arten ein, entweder zu Beginn des kreativen Prozesses oder nachdem eine reichhaltige Oberfläche aus Farben, Formen, Linien und Texturen gut etabliert ist. "Ich kann nicht erklären, warum ich den einen oder anderen Ansatz verfolge, aber manchmal beginne ich mit einer Figur, die zum Schlüssel des Gemäldes wird. In anderen Fällen verfolge ich eine intuitivere Methode, um eine Figur aus einem Gemälde herauskommen zu lassen und mich zu überraschen “, erklärt O’Connor. „Die Figuren basieren normalerweise auf Zeichnungen oder Gemälden eines Modells, das für einen Workshop posierte, oder auf jemandem, den ich angeheuert habe, um in mein Studio zu kommen, damit ich sie in Schwarzweiß fotografieren kann. Wenn mir die Pose des Modells oder der Ausdruck auf ihrem Gesicht etwas nahe legt, beginne ich mit dem Malen, indem ich ihre Form auf dem Papier festlege und dann das Gemälde um sie herum baue. Ich kann auf Vorschläge reagieren, wonach sich ihr Körper dreht, biegt, streckt oder sich hockt. oder ich könnte mich in die Emotionen einfühlen, die in ihrem Gesicht, ihrer Stimme oder ihren Gesten zum Ausdruck kommen, und diese werden zum Grund, das Bild zu malen.

Heilige Steine
2006, Gouache, 30 x 22.

"Die Motivation zum Malen kann so einfach sein wie die Form des T-Shirts eines Models oder die elegante Verlängerung ihrer Arme", fährt die Künstlerin fort. „Wenn ich keine starke emotionale Verbindung zu der Person spüre, die zum Inhalt des Gemäldes werden muss, bewerte ich nur die Formen im Körper, in der Kleidung und in der Umgebung des Modells. Nicht jedes Gemälde strotzt vor Inhalten, aber es gibt immer eine Botschaft, die durch die Körpersprache des Modells und die Muster, die ich um sie herum erstelle, entdeckt und vermittelt werden kann, um dies zu unterstützen.

"Der zweite Ansatz besteht darin, die Figur später im Malprozess hinzuzufügen und sicherzustellen, dass die menschliche Form nicht der dominierende Teil des Gemäldes ist", fügt O’Connor hinzu. „Ich lege einfach eine Farbe auf, füge eine andere hinzu, wasche die Farbe ab und wiederhole diesen Vorgang, bis ich mit den Formen, Mustern, Texturen und Farben zufrieden bin. Während dieser Phasen versuche ich zu vermeiden, das fertige Gemälde zu visualisieren, da ich nicht möchte, dass eine meiner Entscheidungen in Erwartung dessen getroffen wird, was als nächstes kommen könnte.

"Da ich denke, dass es wichtig ist, im Moment zu bleiben und den kreativen Prozess nicht vorwegzunehmen, empfehle ich den Schülern, den offensichtlichsten Schwerpunkt in dem Thema zu identifizieren, das sie in Betracht ziehen, und eine bewusste Entscheidung zu treffen, ihn zu ignorieren", sagt O’Connor. „Ich möchte, dass sie beim Malen etwas Unerwartetes entdecken und entwickeln. Deshalb beginne ich meine Bilder manchmal damit, Gouache aufzutragen und abzuwaschen und dann eine Figur an einem ungewöhnlichen Ort einzuführen, damit sie die Komposition unterstützt, aber nicht überfordert.

"Bei beiden Malansätzen versuche ich, mich darauf zu konzentrieren, den Prozess zu genießen und mir nicht das Ziel zu setzen, ein Produkt herzustellen", betont O’Connor. „Zu oft behandeln Künstler den Malprozess so, als würden sie eine Aufgabe erfüllen, anstatt eine Erfahrung zu genießen. Ich verstehe, dass es schwierig ist, von einer lebenslangen Sorge um das Erreichen von Zielen und das Messen der eigenen Leistungen in Bezug auf Geld, Auszeichnungen oder Anerkennungen abzuweichen. Aber sinnvolle Kunst zu schaffen hat nichts mit solchen Prozessen zu tun und kann auch nicht nach einem objektiven, quantifizierbaren Standard gemessen werden. Das ist für viele Menschen schwer zu akzeptieren, aber wenn sie es einmal tun, können sie wirklich kreativ sein. "

Zweite Chance
2007, Aquarell und Gouache, 20 x 30.

O'Connor hat viele klare Vorstellungen davon, wie sie anderen Künstlern helfen kann, mehr Freude am kreativen Prozess zu haben. Dies ist einer der Gründe, warum sie bereit ist, so viele Workshops durchzuführen, und warum die Schüler wieder mit ihrem Jahr arbeiten nach einem Jahr. "Eine der besten Möglichkeiten, als Künstler zu wachsen und sich zu entwickeln, besteht darin, jemand anderem beizubringen. Ich habe auf jeden Fall etwas über mich selbst gelernt, als ich versucht habe, anderen zu helfen", erklärt sie. "Der kreative Prozess ist zu fast 80 Prozent mental und zu 20 Prozent physisch."

Diese Klarstellung erfolgt in einem sehr strukturierten Workshop-Programm, das Mini-Demonstrationen, klare Empfehlungen, Gruppendiskussionen und Einzelgespräche umfasst. "Ich schlage den Menschen vor, eine neue Identität anzunehmen, wenn sie an einem meiner Workshops teilnehmen", sagt O’Connor. „Ich möchte, dass sie bereit sind, etwas völlig Neues auszuprobieren. Ich nehme an, sie haben sich für einen Workshop mit Carla O’Connor oder einer anderen Person angemeldet, weil sie von diesem Lehrer lernen möchten. Warum all diese Zeit und dieses Geld für einen Workshop aufwenden, wenn der Schüler nur zeigen möchte, was er oder sie bereits weiß? “

Geisterbeutel
2006, gemischte Wassermedien, 30 x 22.
Sammlung Herr Alan Long.

"Mein Malprozess ist so offen, dass ich während einer der Demonstrationen, die ich in einer Klasse anbiete, nicht einmal versuche, ein Bild fertigzustellen", fügt O’Connor hinzu. „Es ist ein Prozess des Versuchs und Irrtums - hin und her, hinlegen, abheben, experimentieren - bis alle Anstrengungen zur Herstellung des Gemäldes nicht mehr offensichtlich sind. Es finden so viele Veränderungen statt, dass die Schüler verwirrt, frustriert und manchmal gelangweilt werden können, wenn ich sie dazu bringe, alles durchzuhalten. Stattdessen mache ich nur kurze Demonstrationen spezifischer Ideen, Materialien und Ansätze, um einige der Punkte zu veranschaulichen, die ich im Gespräch behandle. Ich kann zurückgehen und an demselben Gemälde arbeiten, aber nur wenn es einen Punkt gibt, den ich ansprechen kann, könnte dies für die Teilnehmer hilfreich sein.

"Wenn ein Model für den Workshop posiert, bestehe ich darauf, dass die Leute arbeiten und keine Zeit damit verschwenden, sich zu unterhalten, Snacks zu essen oder sich ablenken zu lassen", sagt O’Connor. "Wir zahlen für die Zeit des Modells und benötigen eine Sammlung von Zeichnungen, wenn wir mit dem Malen beginnen. Daher ist es unerlässlich, dass wir die Gelegenheit zum Zeichnen voll ausnutzen." Das Modell ist ein kostbares Gut, und das Zeichnen ist die Grundlage aller Kunst. “

O’Connor arbeitete kürzlich mit Creative Catalyst Productions (www.ccpvideos.com) zusammen, einem Produzenten herausragender DVD-Kunstunterrichtsprogramme mit einigen der besten Ausbilder des Landes. "Die Produzenten haben so großartige Arbeit geleistet, dass ich sicher bin, dass die Zuschauer glauben werden, sie seien gerade in mein Studio gegangen, während ich gearbeitet habe. Aber wie bei den meisten gefilmten Programmen war es tatsächlich ein viel komplizierteres Verfahren, als sich irgendjemand vorstellen würde “, erklärt der Künstler. „Ich war in einem völlig schalldichten Studio unter heißem Licht mit fünf auf mich gerichteten Kameras und musste auf einer Markierung auf dem Studioboden stehen, ohne herumlaufen zu können. Nach einem sehr langen Drehtag haben die Redakteure alles zusammengesetzt, sodass es ein nahtloses, schnelles Programm mit wertvollen Informationen für Wassermedienkünstler war - insbesondere, weil die DVD-Technologie es ihnen ermöglicht, Bilder anzuhalten, einzufrieren, zurückzuspulen und neu zu starten das Programm; oder sie können die Kapitel auswählen, die sie am liebsten wieder sehen möchten. Es ist so, als hätten Sie einen eigenen Privatlehrer, der alles wiederholt, was Sie wieder sehen möchten, oder der aufhört zu malen, damit Sie sich ihre Arbeit so lange ansehen können, wie Sie möchten. Es ist wirklich bezaubernd."

Reisende
2007, Aquarell und Gouache, 32 x 32.

Über den Künstler
Carla O’Connor erwarb einen Bachelor of Fine Arts an der Kent State University in Ohio und setzte ihr Studium an der University of the Americas in Mexiko-Stadt fort; die Universität von Dayton in Ohio; und der University of Wisconsin in Milwaukee. Sie ist Mitglied der American Watercolor Society (Dolphin Fellow), der National Watercolor Society und der Northwest Watercolor Society. Ihre Bilder wurden in Ausstellungen gezeigt, die von diesen Organisationen sowie von der Rocky Mountain National Watermedia Society und der San Diego Watercolor Society organisiert wurden. Darüber hinaus wurden ihre Bilder in einer Reihe von Büchern und nationalen Kunstmagazinen veröffentlicht. Sie unterrichtet Workshops in den USA und im Ausland. Weitere Informationen finden Sie unter www.carlaoconnor.com.

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Schau das Video: Watercolor VS Gouache Painting with Grisaille (November 2020).