Zeichnung

Grundlagen des Zeichnens: Werte erzeugen dramatische Zeichnungen

Grundlagen des Zeichnens: Werte erzeugen dramatische Zeichnungen

Die sorgfältige Verwendung von Dunkelheiten und Lichtern innerhalb und um die Figur kann Ihren Zeichnungen mehr Kraft und dramatische Kraft verleihen.

von Dan Gheno

Laocoön
von Baccio Bandinelli, rote und schwarze Kreide,
21 x 15¾. Sammle die Uffizien
Galerie, Florenz, Italien.

Einige Zeichner werden fast alles tun, um in ihren Figurenzeichnungen ein Drama zu schaffen. Aber allzu oft warten sie bis zum letzten Moment, um ihr mächtigstes Werkzeug - den Wert - zu nutzen, und füllen ihre Zeichnungen der Figur hastig mit Abstufungen von hell und dunkel aus, als wäre es ein nachträglicher Gedanke, der auf das Papier geklebt wird.

In der Tat kann Wert das wichtigste Instrument in Ihrer künstlerischen Werkzeugkiste sein. Weder Linie, Form noch Farbe existieren ohne Wert. Ohne Wertänderungen würden diese anderen Elemente langweilig, flach und langweilig aussehen. Mit großer Kraft sind aber auch schwerwiegende Konsequenzen verbunden: Wenn Werte unklug oder als Add-On verwendet werden, wirken Zeichnungen übermoduliert, schlammig und unentschlossen.

In diesem Artikel werden wir untersuchen, wie Sie Werte verwenden können, um Ihre Zeichnungen zu beleben und ihnen mehr Spannung zu verleihen. Wir werden untersuchen, wie Sie mithilfe von Wertrendering Ihre Halbtöne, Glanzlichter, reflektierten Lichter und Schattenformen bearbeiten können, um Ihren Figuren Tiefe und volumetrische Dimension zu verleihen. Wir werden sehen, wie Sie Wertkontraste verwenden können, um aufregende Kompositionen durch das Erkennen von Dunkelheiten und Lichtern zu entwerfen, wie Sie mit Lichthof atmosphärische Tiefe erzeugen, wie Sie Ihre Figuren mit verlorenen und gefundenen Kanten aufladen und wie Sie Wert verwenden, um das bereits inhärente zu verbessern starke, ausdrucksstarke Qualitäten von Linien, Gesten und abstrakten Formen.

Akademischer Akt, von hinten gesehen
von Paul Cézanne, 1862, Holzkohle,
Graphit und schwarze Kreide auf Bräune
Bütten, 24? x 17?. Sammlung
das Art Institute of Chicago,
Chicago, Illinois.

Licht und Schatten
Jedes Objekt, ob einfach wie eine Kugel oder so komplex wie die menschliche Figur, besteht aus Millionen von Tonwertänderungen. Diese reichen von Ihrer hellsten Helligkeit, bei der das Objekt dem Licht am direktesten zugewandt ist, bis zu Ihrer dunkelsten Dunkelheit, bei der sich das Objekt am weitesten von der Lichtquelle entfernt. Sobald Sie anfangen, die menschliche Figur aus dem Leben zu zeichnen, ist es sehr leicht, sich in den Besonderheiten ihrer Formen und der Vielzahl von Wertformen zu verlieren und die wesentliche Natur der Volumen zu opfern, die Ihrer Zeichnung Energie hinzufügen. Die meisten menschlichen Grundformen können entweder einzeln oder in einer beliebigen Anzahl von Hybridkombinationen in kugelförmige, zylindrische, kastenartige oder tonnenförmige röhrenförmige Formen eingeteilt werden. Sie werden es effektiver finden, eine figurative Form hervorzurufen, sie mit Luft zu umgeben und ihr gestische Energie zu geben, wenn Sie an das zugrunde liegende Volumen oder das „Formkonzept“ denken. Die Brust ist gleichzeitig tonnen- und kastenartig. Stellen Sie sich eine Achse vor, die durch ihren kastenartigen Kern verläuft, um ihre grundlegende Neigung im Raum zu erhalten. Suchen Sie dann nach den großen Ebenenbrüchen zwischen der vorderen, hinteren und seitlichen Ebene, um Ihre Hauptunterteilungen von Hell und Dunkel zu finden. An diesen Standorten treten in der Regel größere Wertänderungen auf, die jedoch nicht auf die Hauptebenen beschränkt sind. Die Brust hat auch eine tonnenartige Qualität, die über ihre eckigeren Formen gelegt wird. Im Falle einer Zeichnung der Brust in Vorderansicht, wie z Laocoön von Baccio Bandinelli neigt das Licht oft dazu, allmählich abzunehmen, wenn es über die leicht geschwungene Front rollt. Es verschwindet schließlich in der Terminator, oder der Bereich, in dem das Licht endet und der Schatten beginnt, der häufig entlang der abrupt abbiegenden Ecke des Seitenbruchs zu finden ist.

Wie Sie sich vielleicht aus früheren Artikeln erinnern, ähnelt das Gesamtvolumen des Kopfes einer Kugel. Suchen Sie nach einem sichelförmigen Schein oder einer Gruppe von Glanzlichtern, die sich über die Krümmung des Kopfes erstrecken. Diese halbkreisförmige Form erinnert an die Form, die sich über die Form eines Eies krümmt, mit der Ausnahme, dass sie durch die Hügel und Tiefen der Merkmale unterbrochen wird. Wenn sich das Licht über dem Modell befindet, hat dieses allgemeine Leuchten eine große Form und einen hellen Wert nach oben an der Stirn. Es scheint sich zu verjüngen und fast zu verschwinden, wenn sich das Gesicht verengt und vom Licht im Mund- und Kinnfass weg krümmt. Wenn Sie an der Wichtigkeit dieses geschwungenen Lichts zweifeln, versuchen Sie es mit einem Experiment: Suchen Sie eine Nachrichtensendung auf Ihrem Fernseher und verringern Sie die Helligkeit, sodass nur die Glanzlichter auf dem Gesicht des Nachrichtensprechers erhalten bleiben. Sie werden feststellen, dass die gekrümmte Sammlung von Glanzlichtern in der Regel an Ort und Stelle bleibt, wenn sich der Nachrichtensprecher nach rechts und links dreht, auf und ab, ähnlich wie das Leuchten eines Eies, wenn Sie es um seine Achse drehen, während Sie es festhalten ein Punkt unter einer einzelnen Lichtquelle. Versuchen Sie trotzdem, den Kopf einer Puppe nicht auf die Schultern Ihrer Figur zu stecken. Innerhalb seiner allgemeinen Eiform gliedert sich der Kopf in extremere vordere, seitliche, obere und untere Unterebenen, die die stärksten und dramatischsten Wertunterbrechungen bieten.

Akademie Zeichnung des Stehens
Männlicher Akt im Profil

von R. Tweedy, Holzkohle, 24 x 18.
Sammlung Art Students League
von New York, New York, New York.

Lass es glühen
Natürlich ist dieses aufregende Leuchten nicht auf das Gesicht beschränkt. Sie werden einen ähnlichen Effekt im gesamten Körper bemerken, der dazu beiträgt, die größeren globalen Ebenenänderungen des Körpers zu verstärken. Die meisten Menschen glauben fälschlicherweise, dass alle Highlights hell und scharf sind. In der Tat treten am Körper harte Glanzlichter auf. Diese scharfen Glanzlichter - einfach grelle Reflexionen der Lichtquelle, die von den Ölen der Haut reflektiert wird - treten in der Regel bei starken Formänderungen auf, z. B. am Nasenwinkel und an vielen knöchernen Stellen des Körpers. Viele Künstler vermissen das weitaus subtilere allgemeine Leuchten, das schwach über die Öle der Haut im ganzen Körper fließt. Oder sie glauben fälschlicherweise, dass es sich um eine Aufhellung der Oberflächenform handelt. Weit davon entfernt! Die Werte innerhalb des Glühens sind lumineszierend und als Gruppe etwas heller - oder als weichere, breitere Art von Glanzlichtern - als die langsam fortschreitenden Werte, die Sie auf einer trockenen, ölfreien Oberfläche wie einem Gipsabdruck finden können. Dieses Leuchten war Leonardo da Vinci sehr wichtig. Er nannte es in einem seiner vielen Notizbücher über Licht und Schatten „Glanz“ und befürwortete nachdrücklich seine Beobachtung und Verwendung, während er gleichzeitig anerkannte, wie schwierig es ist, das Leuchten von normalem Licht zu unterscheiden. Er deutet jedoch auf eine Lösung hin, wenn er feststellt, dass Glanzlichter und Glanz nicht wie die anderen normalen Werte für die Oberflächenform fest und stationär sind, sondern sich „so bewegen, wie und wo sich das Auge bewegt, wenn sie sie betrachten“. Ich stelle fest, dass ich, wenn ich meinen Kopf ein oder zwei Fuß hin und her bewege, normalerweise die subtile Gruppe leuchtender Glanzlichter isolieren kann, wenn ich sehe, wie sie sich über die Haut des Modells bewegen. Sie sollten Ihre Augen auf das wechselnde Leuchten gerichtet halten, einen Glanzblock nach dem anderen, und auf seine Form starren, während Sie Ihren Blickwinkel langsam wieder in seine ursprüngliche Position bringen.

Junger Mann
von Jean-Auguste-Dominique Ingres,
1816, Graphit,
11½ x 8?. Sammlungsmuseum
Boymans-Van Beuningen,
Rotterdam, Niederlande.

Ebenen und Werte
Sobald ich die Figur locker angelegt habe und mit den allgemeinen Proportionen und der Gesamtsilhouette zufrieden bin, beginne ich, die inneren Schattenformen zu blockieren. Ich nehme mir Zeit, finde die Schattenformen allmählich und zeichne den Terminator am Rand des Schattens mit einer sehr hellen, dünnen Linie. Zu viele Künstler verbringen den größten Teil ihrer Zeichenzeit damit, die perfekten Proportionen zu finden, bevor sie schließlich im Terminator mit dem Skizzieren beginnen. Für mich ist das Blockieren einer vorläufigen Terminatorzeile Teil des Prozesses, der mir hilft, die Gesamtproportionen zu finden. Stellen Sie sich vor, Sie versuchen, eine Box zu zeichnen, indem Sie nur die äußere Silhouette zeichnen. Sie würden es verwirrend finden, wenn Sie beim Aufbau der Box nicht auch einen Anschein der inneren Ebenen zeichnen würden. Während ich mit dieser inneren Abschlusslinie arbeite, versuche ich, der Versuchung zu entgehen, die Schattenform mit einem dunklen Wert zu füllen, bis ich mir ziemlich sicher bin, wie sie positioniert ist, ähnlich wie R. Tweedy sie angelegt und mit dem Rendern begonnen hat Akademisches Zeichnen. Ich halte diese anfängliche Linie sehr schwach, damit sie leicht korrigiert werden kann, wenn ich einen Fehler bemerke. Wenn ich die Form später mit einem dunklen Wert ausfülle, wird die ursprüngliche Skizzenlinie mit dem zugrunde liegenden Schattenwert verschmolzen. Es gibt nichts Versteifenderes an einer Zeichnung als eine starre, dunkle Linie, die Ihre inneren Schattenformen umgibt.

Lokaler Wert
Es ist nicht leicht, diese großen hellen und dunklen Wertemassen zu sehen, insbesondere für Anfänger. Manchmal hilft es, beim Betrachten des Modells zu blinzeln und alle störenden Details zu verwischen, sodass nur die beiden Hauptwertformen sichtbar bleiben. Lokale Farbunterschiede sind eine weitere Ablenkung, wenn Sie versuchen, Ihre größeren Tonbeziehungen zu analysieren. Lokale Farbe bezieht sich auf den Gesamtfarb- oder Farbnamen einzelner Objekte wie z. B. ein rosa Hemd, blaue Jeans oder sogar sehr kleine lokale Farbunterschiede wie eine rote Nase, Ohren oder Finger. Um die Unterschiede zwischen Ihren hellen und dunklen Massen besser einschätzen zu können, platzieren Sie ein transparentes Stück farbiges Acetat vor Ihren Augen, um eine monochromatische Ansicht zu erstellen, die die störenden Farbunterschiede minimiert, die die vor Ihnen liegenden Werte tarnen. Beachten Sie dabei auch den lokalen Wert der Objekte, die Sie zeichnen. Fragen Sie sich, wie hoch der Gesamtwert des von Ihnen gezeichneten rosa Hemdes oder der Gesamtwert der Blue Jeans des Modells ist. Wenn Sie sich dieselbe Frage zu den Haaren des Models stellen, werden Sie wahrscheinlich feststellen, dass die blonden Haare insgesamt nicht so hell sind, wie Sie ursprünglich gedacht haben. Jedes Objekt oder jeder lokale Wert hat seine eigenen hellen und dunklen Hauptformen, aber die Lichter der dunkelblauen Jeans sind weniger hell als die Lichter des rosa Hemdes des Modells. Es wird auch einen entsprechenden Unterschied in den Schatten geben, wobei die Schatten auf der Jeans einen tieferen Wert haben als die dunklen Formen auf dem Hemd.

Schiefe Figur
von Dan Gheno, 1997, Buntstift,
24 x 18. Sammlung des Künstlers.

Halbtöne
Die meisten Künstler sind ziemlich zufrieden mit dem dramatischen Effekt, der sich aus der Blockierung der großen hellen und dunklen Massen auf ihrer Zeichnung der menschlichen Figur ergibt. Wenn sie anfangen, die Details in den großen hellen und dunklen Mustern herauszuarbeiten, sehen sie, wie der Erfolg wie Wasser durch das Ergreifen der Finger abrutscht. Das Rendern von Halbtönen oder die subtilen Wertschwankungen von Ihrem hellsten Licht zu Ihrem dunkelsten Dunkel innerhalb der beleuchteten Seite der Figur können selbst für den fortgeschrittensten Künstler verwirrend sein. Viele Künstler zeichnen sie zu dunkel und trüben die Lichter in ihrer Zeichnung. Andere zeichnen sie zu leicht und erzeugen eine verwaschene Zeichnung. Es wird Ihnen helfen, die subtilen Unterschiede innerhalb der hellen Seite zu erkennen, wenn Sie diese komplexen Wertmodulationen in zwei Gruppen einteilen: "helle Halbtöne" und "dunkle Halbtöne". Obwohl nur Wörter, können Sie mit den Kenntnissen dieser Beschriftungen die visuellen Informationen vor Ihnen besser sortieren. Die Halbtöne sind am hellsten, wenn sich die Form am direktesten zur Lichtquelle dreht, und am dunkelsten, kurz bevor die Form in einen vollständigen Schatten fällt.

Der heilige Paulus zerreißt seine Gewänder
von Raphael, Metalpoint erhöht
mit weißer Gouache auf lila-grau
vorbereitetes Papier, 9 1/16 x 4 1/16.
Sammlung J. Paul Getty Museum,
Los Angeles, Kalifornien.

Der häufigste Bereich von Halbtonproblemen für Künstler tritt auf, wenn sie die Wertmodulationen auf der hellen Seite des Gesichts zu dunkel machen und das Modell über seine Jahre hinaus altern lassen. Zum Beispiel werden viele Künstler den dunklen Halbton unter dem Auge oder die Falte unter der Nase (Nasolabialfurche genannt) betrachten und sie so dunkel oder dunkler als der Schatten auf der gegenüberliegenden Seite des Gesichts machen. So schwer es manchmal zu glauben ist, scheinen solche Halbtöne nur dem Schatten gleich zu sein, weil sie von den helleren Werten des restlichen Gesichts umgeben sind. Wenn ich auf Schüler stoße, die mir nicht glauben können, fordere ich sie auf, zwei kleine Löcher in ein weißes Blatt Papier zu stanzen. Dann lassen sie das Papier vor das Modell halten und es hin und her verschieben, bis sie das Halbtondetail sehen, das hinter einem der Löcher isoliert ist, und die volle Kraft des Schattens hinter dem anderen Loch. Auf diese Weise können sie die tatsächlichen relativen Unterschiede zwischen den beiden Werten als abstrakte Formen schätzen, die nicht durch vorherige Annahmen belastet werden.

Genauso schwierig ist es für uns, die Wertebeziehungen innerhalb der dunklen Seite der menschlichen Form zu erkennen. Wie bei dem Gesichtshalbton, der aufgrund der umgebenden Lichtwerte nur super dunkel wirkte, erscheinen viele der dunklen Unterformen übermäßig hell und scharf, je länger Sie sie anstarren. Es ist eigentlich eine Illusion: Wenn Sie Ihre gesamte Ansicht mit Schatten füllen, öffnen sich die Pupillen in Ihren Augen, sehen zusätzliche Details und nehmen sie schärfer wahr. Sie sollten besonders vorsichtig sein, wenn Sie die Details auf der Schattenseite zeichnen. Beachten Sie dabei, dass der Mangel an Licht die Details verdeckt und als Verschleierungsschirm fungiert, der die Details innerhalb der Schattenform verwischt. "Einer verbirgt und der andere enthüllt", sagte Leonardo und bezog sich auf Schatten und Licht. Wenn Sie sich daran erinnern, dass Licht Details hervorhebt oder beleuchtet, ist es logischer und dramatischer, mehr Details auf die helle Seite der Figur zu zeichnen - solange Sie sie als Gruppe hell genug halten.

Obwohl Sie sicherlich einige reflektierte Lichter im Schatten sehen werden, machen Sie sie nicht zu hell. Wie der Künstler Howard Pyle aus dem 19. Jahrhundert seinen Schülern oft erklärte, haben Schatten keine eigene Farbe oder Licht. Schatten sind "mehr oder weniger schwarz und undurchsichtig", sagte er. Der einzige Grund, warum wir im Dunkeln Details sehen, ist das reflektierte Licht, das von benachbarten Oberflächen reflektiert wird. Daher kann das indirekte, reflektierte Licht, das in den Schatten reflektiert wird, niemals so hell oder deutlich sein wie das direkte Licht, das auf das Modell trifft.

Wertorientierte Künstler wie Rembrandt, Guercino und Caravaggio hielten ihre Schattenformen häufig passiv, um die menschliche Seherfahrung besser zu reproduzieren, da weniger Informationen für das Gehirn zur Verarbeitung verfügbar sind. Trotzdem ist nichts falsch daran, eine Fülle von Details im Schatten zu sehen. Halten Sie einfach ihre Formen weich und halten Sie die Wertunterschiede innerhalb der Schattenformen eng gerendert. Speichern Sie Ihren dramatischen Kontrast für die größeren Wertunterschiede zwischen den größeren, insgesamt hellen und dunklen Mustern.

Zusammen mit Howard Pyle sprachen Künstler wie Robert Henri, Charles Hawthorne und viele andere in ihren eigenen Lehren viel darüber, wie wichtig es ist, den großen Wert und die Farbkontraste zu finden. Sie wussten, dass Sie angesichts der Grenzen unserer Stifte, Papiere und Farben nicht alle tatsächlichen Werte und Farben reproduzieren können. Henri befürwortete die Betrachtung des Modells, nicht nur um einzelne Bereiche zu beobachten, sondern um Paare gegensätzlicher heller und dunkler Formen zu vergleichen, um deren relativen Wert und Farbbeziehungen besser beurteilen zu können, und um dann zu versuchen, diese proportionale Beziehung in Ihrem Kunstwerk zu replizieren. Mit anderen Worten, um einen Gesamtdunkelwert des Modells zu bewerten, starren Sie auf einen helleren Bereich des Modells - oder in der Nähe im Hintergrund - und fragen Sie sich aus dem Augenwinkel, wie dunkel der Schatten im Vergleich zur helleren Form ist. Laut Pyle müssen Sie möglicherweise mit Ihren Lichtern etwas heller und mit Ihren Schatten etwas dunkler werden, um den gleichen Wertkontrastanteil in Ihrem Kunstwerk zu erzielen, den Sie in der Realität sehen.

Kernschatten
Egal wie schnell Sie arbeiten, manchmal wissen Sie, dass Sie keine Zeit haben, alle Dunkelheiten auszufüllen. Die einzige Antwort ist, vorauszuplanen. Manchmal konzentriere ich mich gerne auf dramatische Werte in den Fokusbereichen, in denen der Betrachter schauen soll. Ich lasse die anderen Bereiche der Zeichnung häufig ohne Wert oder leicht überflogen, wobei ich darauf achte, dass sich das Rendering allmählich verjüngt, sodass die Wertformen nach und nach in das weiße Papier übergehen, wie es Ingres getan hat Junger Mann. Aber was ist, wenn Sie die große grafische Form, die der Schatten auf seinem Weg durch die Gesamtfigur zeigt, wirklich mögen? Oft ist es am besten, die dunkle Form in etwas zu vereinfachen, das als a bezeichnet wird Kernschatten, Ein Begriff, der sich auf den dunkelsten Bereich des Formschattens bezieht, der kein direktes Licht und sehr wenig reflektiertes Licht erhält. Blick auf Tiepolos Studie des Rückens, Beachten Sie, wie die Schattenformen dazu neigen, sich zu verdunkeln, wenn sich die Form darunter allmählich von allen reflektierten Lichtquellen abwendet. Dies führt normalerweise zu einem abgedunkelten Band, das manchmal subtil und manchmal sehr offensichtlich ist, sich aber fast immer in der Nähe des Terminators oder der Schattenkante befindet. Wenn die Zeit knapp ist, vergrößern Sie Ihre anfängliche Terminator-Skizzenlinie in einen imaginären, weich gerenderten Kernschatten, als würde ein starkes reflektiertes Licht auf das Modell reflektiert. Mit Schiefe Figur, Ich wusste, dass das Modell eine körperlich so anstrengende Pose nicht lange halten konnte. Ich blockierte den Schatten leichter als ich ihn tatsächlich sah und betonte seinen Kern, damit ich die starke Gesamtform beibehalten konnte, die er beim Fließen durch die Figur machte.

Nackte Frau mit einer Schlange
von Rembrandt, ca. 1637,
rote Kreide mit weißer Körperfarbe erhöht,
9 11/16 x 5 7/16. Sammlung
J. Paul Getty Museum, Los Angeles,
Kalifornien.

Wert als Design
Oft sehen die hellen und dunklen Formen ziemlich komplex aus, wenn sie sich über die Form des Modells bewegen, und erscheinen dem ungeübten Auge, als wären sie eine zufällige Sammlung isolierter Blobbyformen. Ein starkes und kraftvolles Design basiert auf einem Gleichgewicht zwischen Komplexität und Einfachheit. Suchen Sie nach einem einheitlichen Schattenmuster in der menschlichen Figur, die Sie zeichnen. Ihr Modell ist nicht nur eine zufällige Sammlung dunkler Flecken. Normalerweise finden Sie eine Art Muster aus hellen und dunklen Formen, die sich rhythmisch durch den Körper ziehen und Harmonie und ein dynamisches Gefühl für Design vermitteln, wie in dem ziemlich offensichtlichen, aber eleganten Block von Dunkelheit, der durchläuft Nackte Frau mit einer Schlangevon Rembrandt. Frieren Sie nicht ein, wenn Sie mit schwer fassbaren Wertformen wie denen von Cézanne konfrontiert werden Akademischer Akt. Schauen Sie genau hin und lassen Sie sich vom Modell führen. Der menschliche Körper ist eine elegant gestaltete Maschine für sich, wobei jede dunkle und helle Wertform mit der darunter liegenden Anatomie synchronisiert ist. Suchen Sie nach einer Verjüngung, die häufig an den Enden jeder hellen und dunklen Form vorhanden ist. So wie jedes Körperteil ineinander verflochten ist, zeigt jede Wertform auf ein anderes oder greift in dieses ein, wodurch ein kraftvolles Muster der Einheit entsteht, unabhängig davon, wie distanziert die einzelnen Formen scheinbar zuerst erscheinen.

Spotting
Achten Sie darauf, zu verfolgen, wo Sie Ihre Lichter in der Zeichnung platzieren - nicht nur Ihre Dunkelheit. Nehmen Sie an kontemplativen „Spotting“ teil und balancieren Sie Ihre Lichter und Dunkelheiten auf der gesamten Oberfläche der Zeichnung aus, um eine kompositorische Harmonie zu erzielen. Wenn Sie beispielsweise das Highlight auf der Nase Ihres Motivs mit etwas weißer Kreide rendern, versuchen Sie, einige weitere weiße Flecken auf andere äußere Bereiche der Zeichnung zu verteilen. Fürchte dich nicht vor dem weißen Stift. Es ist wirklich nicht gefährlicher als Ihr dunkler Stift, und wenn es auf getöntes Papier aufgetragen wird, kann es auf die gleiche Weise verwendet werden, um die Form anzuzeigen, wie es Raphael getan hat Saint Paul zerreißt seine Gewänder, Verwenden Sie mehr Pigmente, um hellere Lichter zu erzeugen, und weniger Pigmente, um eine schwächere Beleuchtung anzuzeigen. Stellen Sie sich beim Zeichnen selbst den weißen Stift als das Werkzeug vor, das die hellen Halbtöne darstellt, während der dunkle Stift das Werkzeug ist, das die dunklen Halbton- und Schattenformen erzeugt.

Viel hängt vom Wert des Papiers ab: Wenn es hell genug ist, können Sie seinen Basiswert als Teil des hellen Halbtons betrachten, und wenn es dunkel genug ist, betrachten Sie es als Teil des dunklen Halbtons. In beiden Fällen ist es hilfreich, vor dem detaillierten Rendern ein wenig weiße Kreide auf die hellen Halbtonbereiche Ihrer Zeichnung aufzutragen, um sie für weitere Manipulationen zu reservieren. Wenn Sie warten, bis Ihre Zeichnung weiß ist, bis sie fast fertig ist, werden Sie häufig feststellen, dass Sie mit dunklen Bleistiftlinien oder Wertemassen zu viel in die hellen Halbtonbereiche eingedrungen sind, keinen Platz für das weiße Pigment lassen und ein sehr starkes erzeugen langweilige und schlammige Zeichnung.

Studie des Rückens
von Giambattista Tiepolo, ca. 1745,
Sanguinische und weiße Kreide auf bläulichem Papier, 13½ x 11.
Sammlung Stuttgart Kupferstichkabinett,
Stuttgart, Deutschland.

Halation
Viele Künstler finden es erfüllend, sich auf das Drama der Wertekontraste zu konzentrieren und die starken dunklen und hellen Muster zu lokalisieren, die sich durch die Figur ziehen, aber bei der Arbeit an den „negativen Formen“ oder den sogenannten leeren, passiven Bereichen zu schwächen das Modell umgeben. Eine starke, dramatische Figurenzeichnung sieht vor einem leeren Hintergrund immer noch kraftvoll aus. Denken Sie jedoch an das grafische Potenzial, das Ihnen zur Verfügung steht, wenn Sie einige Dunkelheiten gegen die helle Seite der Figur positionieren oder einen hellen Halbton hinter die Schattenseite der Figur legen! Ursprünglich genannt gleichzeitiger Kontrast Von den Wissenschaftlern und Philosophen im frühen 19. Jahrhundert wird jede Wertform - dunkel gegen Licht und hell gegen dunkel - die Kraft der anderen verstärken und die Lichter heller machen, wenn sie der Dunkelheit gegenübergestellt werden, und die Schatten dunkler, wenn sie in die Nähe eines helleren Wertes gestellt werden. wie bei Seurat Aktfigur von einer Staffelei. Wenn Sie das nächste Mal aus dem Leben zeichnen, schauen Sie sich den Hintergrund um die dunkle Seite des Modells genau an. Möglicherweise bemerken Sie, dass sich der Hintergrundwert leicht aufhellt, wenn er sich der Schattenseite der Figur nähert, oder dass ein schattiger Hintergrund dunkler wird, wenn er sich den beleuchteten Bereichen des Modells nähert. Namens Halation Von den meisten Wissenschaftlern wird dieser Effekt von den meisten Künstlern oft übertrieben, um einen dramatischeren Austausch zwischen Hintergrund- und Figurenformen zu schaffen. Viele Künstler wie Seurat verwenden diesen Effekt ausgiebig, während andere ihn selektiv verwenden, um bestimmte Kanten der Figur zu härten und hervorzuheben, die sie im Raum nach vorne bringen möchten, oder Details, die der Betrachter schneller bemerken soll, eine Guercino-Technik verwendet in Sitzende Jugend.

Umgebung
Versuchen Sie jedoch, nicht über Bord zu gehen, wenn Sie eine schwebende Figur konstruieren, die nicht in ihrer eigenen Umgebung leben möchte. Um Ihrer Arbeit mehr Tiefe und Dimension zu verleihen, suchen Sie nach der Atmosphäre, die Ihr Modell umgibt, während Sie vom Leben aus arbeiten. Versuchen Sie, die Bereiche zu bemerken und auszunutzen, in denen die Lichter und Dunkelheiten Ihres Motivs zu ähnlichen Werten in der Umgebung verschmelzen, und integrieren Sie die Figur in eine größere, manchmal aufregendere, abstraktere Form. Ebenso können Sie diese Idee auf zwei oder mehr Figuren anwenden und dabei helle und dunkle Wertemuster finden, die mehrere Figuren in einer komplexen Komposition überspannen und vereinen, wie dies Tiepolo in seinen Zeichnungen häufig tat.

Sitzende Jugend
von Guercino, ca. 1619, schwarze Holzkohle
eingetaucht in Kaugummi mit weißem
Kreide auf braunem Papier, 20 9/16 x 16 13/16.
Sammlung J. Paul Getty Museum,
Los Angeles, Kalifornien.

Selbst wenn Sie eine einzelne Figur vor einem leeren Hintergrund zeichnen, sollten Sie zumindest in der Lage sein, die Figur in der Bodenebene zusammenzuführen, wo die Füße in einer stehenden Figur einen Schattenwurf über den Boden projizieren oder wo die Der Körper des Models berührt den Stuhl einer sitzenden Figur. Das einfache Vorhandensein einer Schattenform, die sich nach hinten, vorne oder über die Bodenebene oder den Stuhl zurückzieht, trägt dazu bei, ein Gefühl von umhüllendem Raum zu schaffen. Selbst wenn der geworfene Schatten hinter den Beinen verborgen ist, die ihn werfen, können Sie immer eine sehr leichte Skizzenlinie oder ein paar Linien hinter der Figur zeichnen, um eine Bodenebene, einen Hinweis auf die Rückenlehne eines Stuhls oder eine andere anzuzeigen Wanddetail jenseits der Figur. Ein weiterer Punkt, an den Sie sich bei der Umgebung erinnern sollten: So wie das Licht häufig langsam über die Drehform der Figur fällt, variiert es auch, wenn es sich über den Boden, die Wand und die Möbel bewegt, die das Modell umgeben. Beachten Sie die atmosphärische Tiefe, die in Ihrer Zeichnung entsteht, wenn Sie die Umgebung etwas dunkler machen, wenn sie sich vom Licht entfernen - oder umgekehrt.

Abbildung versus Hintergrund
Es ist natürlich, Angst vor dem Hintergrund zu haben. Vielleicht haben Sie Angst, Sie könnten mit der Dunkelheit hinter dem Modell über Bord gehen und die Figur überwältigen. Wie Sie wissen, ist es oft unmöglich, nach dem erneuten Färben des Papiers wieder sauberes Papier zu verwenden, bevor Sie es erneut versuchen, was zu einem unentschlossenen Aussehen der Zeichnung führt. Es könnte befreiend sein, den Hintergrund gehorsam genau so zu zeichnen, wie Sie ihn sehen, und sich dabei auf die vorhandenen Werte der Objekte hinter dem Modell zu verlassen, um einen Kontrast zur Figur in der Zeichnung zu schaffen. Sie müssen sich wahrscheinlich ein wenig neu positionieren, um die Kontraste zwischen Ihrem Modell und dem Hintergrund zu maximieren. Häufig reicht es aus, den Kopf nur ein wenig zu bewegen, um beispielsweise eine lichtdurchflutete Nase - die ursprünglich gegen die Leuchtkraft in der vorderen Ebene des Türrahmens verloren ging - vor dem dunklen Schatten der Seitenebene des Rahmens zu sehen.

Was aber, wenn Sie in erster Linie daran interessiert sind, das Modell als eigenständige Einheit zu zeichnen, ebenso wie ein Bildhauer, der hauptsächlich von den internen Rhythmen und Volumen des Modells fasziniert ist? In Ihrem Herzen wissen Sie, dass Sie einige kontrastierende Werte in den Hintergrund stellen müssen, um die Wertemuster in der Figur besser zu aktivieren und zu dramatisieren. Aber Sie zögern - was ist, wenn Sie einen Fehler machen? Wenn Sie es sind, probieren Sie Ihre Hintergrundwertformen auf einem Stück Transparentpapier aus, das über Ihrer Figurenzeichnung liegt. Auf diese Weise können Sie verschiedene Formen vorsprechen, bis Sie überzeugt sind, dass ein bestimmtes Design mit Ihrer Figur funktioniert, und Sie können dann die Gewinnerform mit Hingabe und Wissen auf Ihre Zeichnung anwenden. Nehmen Sie Ihre Aufgabe ernst, während Sie verschiedene Hintergrundformen mit der Figur testen. Wenn Sie kein Meister sind, reicht es normalerweise nicht aus, die Silhouette der Figur einfach mit einer Form zu umgeben, die ihre eigene widerspiegelt. In einer Praxis, die ich "Punkt-Kontrapunkt" nenne, fordere ich die Künstler auf, die großen Licht- und Schattenmuster zu betrachten, die durch die Figur verlaufen, oder die allgemeine Neigung der Geste der Figur. Analysieren Sie all diese Richtungsbewegungen und fragen Sie sich, welche stärker ist - und versuchen Sie dann, eine Hintergrundform zu entwerfen, die gegensätzlich funktioniert. Wenn Sie sich nach links lehnen, können Sie dem möglicherweise eine nach rechts geneigte Hintergrundform entgegentreten.

Aktfigur von einer Staffelei
von Georges Seurat, 1883–1884,
Conté, 12¼ x 9½.
Privatsammlung.

Wenn Sie sich für die beste Kontrapunktform für den Hintergrund oder den „negativen Raum“ entschieden haben, sollten Sie keine Angst mehr haben, in die „positiven Formen“ der Figur einzudringen, wenn Sie anfangen, Ton auf Ihr Papier zu legen. Ein wenig vom Hintergrundwert über der Figur abweichen wird nicht schaden. In der Tat könnte es sogar das Gefühl einer Atmosphäre simulieren, die in Ihre figurativen Formen einbricht.

So viele Künstler in der Ausbildung haben alle Anstrengungen unternommen, um Anatomie zu lernen und ihren Sinn für Proportionen zu trainieren. Ich weiß nicht, wie viele Schüler versucht haben, mich mit der Ausrede abzustreifen, dass sie lernen werden, Werte zu beobachten und wiederzugeben, wenn sie die „wichtigeren“ Grundlagen beherrschen. Ich versuche ihnen zu erklären, dass das Sehen im Wert Teil des Lernprozesses ist, dass es schwierig ist, korrekte Proportionen und Anatomie wahrzunehmen, ohne auch die Wertformen innerhalb und um die Figur zu betrachten. Ich denke, es ist sehr wichtig, alles zu üben, wenn Sie ein Anfängerkünstler sind, und ein wenig Wert zu rendern, auch wenn Ihr Proportionssinn immer noch leicht abweicht. Auf diese Weise entwickeln Sie Ihr Verständnis für alle Aspekte des Zeichenprozesses und verbessern Ihr Verständnis von Werten und Ihr Verständnis von Proportionen gleichermaßen. Wenn Ihr Verständnis der Proportionen immer ausgefeilter wird, müssen Sie nicht mehr auf den ersten Platz zurückkehren, um Aufholjagd zu spielen.

Schau das Video: Linienarten in technischen Zeichnungen (Dezember 2020).