Zeichnung

Pastell: Meister

Pastell: Meister

Künstler, die mit Pastell arbeiten möchten, können wertvolle Techniken und Tipps erlernen, indem sie Künstler studieren, die das Medium zuerst erforschten und die Möglichkeiten entdeckten, die das Medium bietet.

von Naomi Ekperigin

Obwohl die Arbeit von Ölmalern und Zeichnern bekannt und gründlich dokumentiert ist, ist die Geschichte des Pastells nicht so gut dokumentiert. "Erst kürzlich haben wir gesehen, dass Pastell als würdiges Medium an und für sich akzeptiert wird." Obwohl Pastelle nicht so beliebt sind wie Ölgemälde, ist das Medium aufgrund seiner Beschaffenheit eine ausgezeichnete Wahl für diejenigen, die Portabilität bevorzugen. Pastellmalerei erfordert wenig Aufbau, es werden keine Lösungsmittel benötigt und es gibt keine zu reinigenden Pinsel. Aus diesem Grund arbeiten viele Freilichtmaler in Pastellfarben, und viele Porträtisten des 19. Jahrhunderts arbeiteten in Pastellfarben, um eine schnelle Ausführung zu ermöglichen.

Sechs Freunde in Dieppe
von Edgar Degas, 1885, Pastell, 45¼ x 28. Sammlung des Kunstmuseums, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island.
La Toilette (Frau, die ihre Haare kämmt)
von Edgar Degas, ca. 1886, Pastell auf Karton, 21 x 20½. Sammlung der Eremitage, St. Petersburg, Russland.

Edgar Degas

Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) war ein französischer Maler, Bildhauer, Grafiker und Zeichner der impressionistischen Bewegung. Obwohl er als einer der Gründer der Bewegung gilt, lehnte er das Label ab und zog es vor, als Realist betrachtet zu werden. Im Gegensatz zu impressionistischen Malern interessierte er sich weniger für das Spiel des Lichts über Formen hinweg und favorisierte nicht die impressionistische Tendenz, im Freien zu malen. Sein Thema war jedoch eindeutig impressionistisch, und seine Freundschaft mit namhaften Impressionisten wie Mary Cassatt und Edouard Manet verband ihn eng mit der Bewegung.

Die reinen Pastelltöne und die direkte Anwendung machten es zum perfekten Medium für impressionistische Künstler, die schnell arbeiten und die Essenz ihrer Motive einfangen wollten. Degas gilt als der Künstler, der am meisten für die Umwandlung von Pastell in ein Hauptmedium verantwortlich ist. Als er anfing, in Pastell zu arbeiten, wurden sie hauptsächlich für Porträts und oft als Vorläufer für die Fertigstellung von Ölgemälden verwendet. Degas schuf jedoch eine große Anzahl fertiger Pastellbilder, von denen viele Künstler gelernt haben. „Die Pastelliste des alten Meisters, die sofort in den Sinn kommt, ist Edgar Degas“, sagt die Künstlerin Liz Haywood-Sullivan, die von seiner Arbeit als Studentin stark beeinflusst war. „Seine Markierungen vermitteln ein Gefühl von Bewegung und Intentionalität, aber was mich an seiner Arbeit am meisten fasziniert, sind seine dynamischen Kompositionen und ungewöhnlichen Blickwinkel. Einer meiner Favoriten ist Sechs Freunde in Dieppe. Das Gemälde ist im Wesentlichen ein Gruppenporträt, aber die Dynamik der Komposition erzeugt eine Spannung und Intrige, die den Betrachter fragen lässt, was wirklich los ist. Die Posen sind nicht statisch und die sichtbaren Pastellstriche setzen das Bild fast in Bewegung. "

Degas arbeitete während seiner gesamten Karriere in Pastell und 1880 wurde es sein Hauptmedium. Der Künstler kombinierte häufig Pastell mit anderen Medien wie Aquarell, Öl und Monotypie und schuf so reichhaltige Oberflächen mit einer Vielzahl von Farbqualitäten, die in komplexen Schichten aufgetragen wurden. „Das Studium der verschiedenen Arten, wie er Pastellfarben auftrug, ist besonders lehrreich“, sagt der Künstler Alan Flattmann, der 2006 in die Hall of Fame der Pastel Society of America aufgenommen wurde. „Manchmal mischte er sich, um feine Effekte zu erzielen, aber meistens trug er Pastellfarben in reinen Strichen auf gebrochene Farbe durch Schraffur und Überlappung breiter malerischer Stiche. Er verwendete Fixiermittel ausgiebig, um Pastellschichten aufzubauen, und hatte auch keine Angst davor, Pastell mit anderen Medien zu kombinieren, um einzigartige Effekte zu erzielen. “

Mutter und Kind vor grünem Hintergrund (Mutterschaft)
von Mary Cassatt, 1897, Pastell auf beigem Papier auf Leinwand, 22 x 18. Sammlung Musée dOrsay, Paris, Frankreich.
Schläfriges Baby
von Mary Cassat, ca. 1910, Pastell, 25½ x 20½. Sammlung Dallas Kunstmuseum, Dallas, Texas.

Mary Cassatt

Mary Cassatt (1844-1926) gilt als eine der einflussreichsten Künstlerinnen der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Cassatt wurde als produktive Malerin und Grafikerin in Pittsburgh geboren und begann ihr Studium an der Pennsylvania Academy of Art. 1865 ließ sie sich in Paris nieder, wo sie Privatstudien bei Künstlern wie Jean-Léon Gérôme und Thomas Couture aufnahm und Teil der impressionistischen Bewegung wurde. Sie freundete sich eng mit Edgar Degas an, der sie dazu inspirierte, in Pastellfarben zu arbeiten. Cassatt übernahm viele seiner Techniken und begann bald, ein hohes Arbeitsvolumen im Medium zu produzieren.

Cassatt verdiente ihren Lebensunterhalt als Figurenmalerin und Porträtistin, und das Malen von Porträts in Pastellfarben verschaffte ihr während ihres Aufenthalts in Paris eine stabile Einkommensquelle. Für viele Künstler war Pastell zu dieser Zeit die bevorzugte Wahl für Porträtarbeiten - insbesondere für Kinderporträts -, da sie schneller und einfacher manipuliert werden konnten, keinen Geruch hatten und häufige Unterbrechungen zuließen. In den 1880er Jahren begann sie, das Familienleben als Hauptfach zu betrachten und schuf mit ihren Betreuern eine Reihe von Pastellfarben von Kindern. In diesen Pastellgemälden hat Cassatt nicht nur Emotionen hervorgerufen und ihre eigenen Ansichten über Mutter-Kind-Beziehungen geteilt, sondern auch eine innovative Technik gezeigt, von der heutige Künstler lernen können. „Ich denke, dass Mary Cassatt eine großartige Künstlerin ist, um für ihre großartige Verwendung von Pastellstrichen zu lernen“, sagt Flattmann. "Es ist besonders interessant zu sehen, wie sie kühne lineare Pastellstriche in ihre Figuren und Porträts einbinden und dennoch solide, überzeugende und sensible Formen schaffen kann." Dies ist in zu sehen Mutter und Kind vor grünem Hintergrund (Mutterschaft), in denen die Striche der Szene ein Gefühl von Vitalität und Bewegung verleihen und den Hintergrund mit Mutter und Kind verbinden.

Selbstporträt
von William Merritt Chase, ca. 1884, Pastell, 17¼ x 13½. Sammlung der National Gallery of Art, Washington, DC.
Ende der Saison
von William Merritt Chase, 1885, Pastell, 13¼ x 17¾. Sammlung Mount Holyoke College Kunstmuseum, South Hadley, Massachussetts.

William Merritt Chase

Der amerikanische Maler William Merritt Chase (1849-1916) arbeitete in verschiedenen Medien, darunter Öl, Pastell, Aquarell und Radierung. Es sind jedoch seine Ölporträts, für die er am bekanntesten ist. Seine Sitter reichten von Mitgliedern seiner eigenen Familie bis zu den wichtigsten Männern und Frauen seiner Zeit. Chase wurde an der National Academy of Design in New York City und an der Munichs Royal Academy in Deutschland ausgebildet und begann Ende der 1870er Jahre in Pastell zu arbeiten, als der Münchner Stil, in dem er ausgebildet wurde, in Ungnade fiel. Die Arbeit des Künstlers in Pastell wurde wahrscheinlich durch seine Erforschung der Freilichtmalerei angeregt, als er verschiedene Teile Europas bereiste. Die Portabilität von Pastell sowie die Fülle der Farben und die Geschwindigkeit, mit der Farben angewendet werden konnten, machten es perfekt, um im Freien zu arbeiten und das Licht einzufangen, das impressionistische Künstler so sehr genossen.

1882 gründete er die Society of American Painters in Pastel, zu der Künstler wie John Henry Twachtman, Childe Hassam und Robert Reid gehörten. Die Gesellschaft dauerte nur acht Jahre und veranstaltete vier Ausstellungen, machte jedoch auf Pastell aufmerksam und verhalf ihr zu Respekt als Medium. Flattmann notiert in seinem Buch Die Kunst der Pastellmalerei (Pelican Publishing, Gretna, Louisiana), dass Chase einer der einflussreichsten amerikanischen Pastellisten war. „Er verwendete Pastellfarben mit einer Frische und Vitalität, die mit denen eines europäischen Meisters mithalten kann“, sagt Flattmann. „Einige seiner Pastelle waren sehr groß, bis zu zwei Meter hoch und auf Leinwand gemalt. Wie Degas hat er oft sein Pastell angefeuchtet und seine Stücke mit Pinseln bearbeitet. “ Pastellkünstler können viel von Chase lernen, der in seinen Pastellbildern in hohem Maße zeichnerische und malerische Qualitäten kombinierte. In einigen Stücken wird seine Hand als Zeichner betont, mit sichtbaren Strichen, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen. Dies kann in seinem gesehen werden Selbstporträt, wo die Glanzlichter in seinem Gesicht nicht subtil vermischt sind; Stattdessen wird jeder Strich in den Vordergrund gerückt. Chases Arbeit entwickelte sich im Laufe der Zeit und er experimentierte mit dem Medium, arbeitete mit einer begrenzten Palette und verwendete verschiedene Techniken. Eine Analyse von Chases Pastellgemälden zeigt alle Möglichkeiten, die das Medium nicht nur im 19. Jahrhundert, sondern auch heute bot.

Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699 - 1779)

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699 - 1779) war ein Ölmalermeister, der traditionell realistisch arbeitete und Stillleben als sein vorherrschendes Thema nahm. Er war größtenteils Autodidakt und wurde stark von Niederlandmeistern des 17. Jahrhunderts beeinflusst. Wie diese widmete er sich einfachen Themen und gemeinsamen Themen. Chardins Arbeiten hatten wenig mit dem Rokoko-Gemälde zu tun, das im 18. Jahrhundert die französische Kunst beherrschte, und der Ruf des Künstlers war nach seinem Tod erfolgreicher. Zu einer Zeit, als die Historienmalerei als die höchste Kunst des öffentlichen Lebens galt, sorgten Chardins einfache Gemälde mit üblichen Haushaltsgegenständen und seine unheimliche Fähigkeit, die Unschuld von Kindern auf unsentimentale Weise darzustellen, dem Künstler zu seiner Zeit immer noch für ein dankbares Publikum und machten ihn verantwortlich zeitlose Anziehungskraft.

Gegen Ende seiner Karriere begann Chardin, in Pastellfarben zu arbeiten und Themen jenseits des Stilllebens zu erforschen. Der Künstler griff das Medium auf, als sein Sehvermögen zu versagen begann, was möglicherweise dafür verantwortlich ist, dass er Farbe in sichtbaren Strichen aufträgt, anstatt sie zu mischen. Er verwendete blockartige, einfache Formen, die im Raum perfekt organisiert waren, und seine Palette bestand hauptsächlich aus Erdtönen. Er war ein Meister der Texturen, Formen und der sanften Lichtstreuung. Im Selbstporträt mit Brille, Seine Verwendung von Rosa und Blau auf Kopf und Jacke zeigt seine Bereitschaft, mit Farbe zu spielen und damit eine faszinierende Stimmung zu erzeugen. Die Verwendung breiter Striche, die die Hand des Künstlers bei der Arbeit zeigen, markiert ein Ende der von traditionellen Pastellisten favorisierten sanften Mischung und zeigt späteren Künstlern, in welche Richtung sie mit dem Medium gehen könnten.

Jean François Millet

Wasserpferde, Sonnenuntergang
von Jean-François Millet, 1866, pastellfarbener und schwarzer Conte-Wachsmalstift auf Velin, 15 x 19. Sammlung des Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts.
Hirtin und ihre Herde
von Jean-François Millet, 1862, schwarze Kreide und Pastell, 14 5/16 x 18 11/16. Sammlung J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Kalifornien.

Der französische Maler Jean-François Millet (1814-1875) stammt aus einer Bauernfamilie und war am meisten daran interessiert, das tägliche Leben der Bauern zu malen. Sein frühes Werk bestand aus Porträts und Hirtenszenen, aber es ist das Gemälde Die Gleaner für die er am bekanntesten ist. Das Gemälde zeigt zwei Frauen, die Reste der Ernte pflücken und sich tief bücken, um so wenig zu sammeln. Das Aufnehmen der Überreste der Ernte wurde als eine der niedrigsten Aufgaben in der Gesellschaft angesehen, doch Millet bot diese Frauen als heldenhaften Fokus des Bildes an. Licht beleuchtet die Schultern der Frauen, während sie ihre Arbeit ausführen. Während er dafür kritisiert wurde, sozialistische Neigungen in seiner Arbeit zu präsentieren, erschienen seine Bilder Jahr für Jahr im Pariser Salon.

Als seine Popularität in den 1860er Jahren zunahm, erhielt Millet stetig Aufträge, und 1865 begann ein Patron, Pastelle in Auftrag zu geben. Von 1865 bis 1869 malte er fast ausschließlich in Pastell für eine Sammlung, die schließlich 90 Werke umfassen sollte. Mit dieser Sammlung erkundete Millett die Möglichkeiten und Grenzen des Mediums. „Er war einer der ersten, der wirklich mit dem Medium gezeichnet und gebrochene Farbstriche verwendet hat, anstatt die Farben ausgiebig zu mischen, wie es viele frühe Pastellisten getan haben“, sagt Flattmann. Viele seiner späteren Bilder sind Landschaften, wobei die menschliche Figur völlig fehlt. Als er älter wurde, bevorzugte der Künstler einfachere, direktere Verfahren wie die Verwendung von Graphit oder Pastell gegenüber der Malerei. Anstelle der schweren, dunklen Farbe vieler seiner Gemälde des Bauernlebens ließ Millet das getönte Papier oft durchscheinen und verwendete seine Farbe sparsam in seinen Pastellen, um seine handwerkliche Kunst in den Vordergrund zu rücken.

Das Thema des Künstlers kann Künstler heute inspirieren, die sich für Themen interessieren, die als kontrovers oder uninteressant gelten. Die Verwendung von Pastell als Zeichenwerkzeug und die Farbstriche, die in vielen seiner Pastellarbeiten zu sehen sind, lenken nicht nur die Aufmerksamkeit auf sein Thema, sondern zeigen auch, dass ein Künstler bei der Arbeit in Pastell viele Möglichkeiten hat.

Naomi Ekperigin ist die Redaktionsassistentin für Amerikanischer Künstler.

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