Wie man anfängt

Anfänger: Zeichenmeister

Anfänger: Zeichenmeister

Wenn man Zeichnung studiert, kann es nützlich sein, von früheren Meistern zu lernen, um Inspiration zu gewinnen und Wege zu finden, um sich den auftretenden Herausforderungen zu nähern. Für diejenigen, die das Zeichnen entdecken, gibt es mehrere Meisterzeichner, von denen man lernen kann.

von Naomi Ekperigin

Porträt von Madame dHaussonville
von Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1842, Graphit, 9 3/16 x 7¾.
Sammlung Das Fogg Art Museum
an der Harvard University,
Cambridge, Massachusetts.

„Ich glaube, das Zeichnen ist das Fundament aller Kunst“, sagt die Künstlerin Mary Reilly. Viele Künstler glauben, dass Zeichenfähigkeiten für die Arbeit in jedem Medium von entscheidender Bedeutung sind, auch wenn das Zeichnen nicht das Hauptinteresse eines Menschen ist. Schon früh gab es Künstler, die Zeichnungen als eigenständige Werke schätzten. Diese Künstler haben das Medium weiter verbessert und die Bandbreite der Möglichkeiten demonstriert, die denjenigen zur Verfügung stehen, die das Zeichnen weiter erforschen möchten.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Der französische neoklassizistische Maler Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867) war ein geborener Zeichner. Schon in jungen Jahren pflegte sein Vater seine Fähigkeiten im Zeichnen und mit 17 ging Ingres nach Paris, um bei Jacques-Louis David zu studieren, der während der Französischen Revolution Napoleons offizieller „Kunstzar“ war. Obwohl er stark vom Renaissance-Maler Raphael und selbst von einem begabten Maler beeinflusst ist, sind es Ingres Zeichnungen und Porträts, für die er am bekanntesten ist.

Ingres zog 1808 nach Italien, nachdem er den Grand Prix de Rome, Frankreichs bestes Kunststipendium, gewonnen hatte. Dort verfeinerte er sein Handwerk, inspiriert von der Arbeit alter Meister. Um sich und seine Frau zu ernähren, nahm er Malaufträge des Staates an und fertigte Hunderte von Graphitporträts für Touristen, reisende Würdenträger und wohlhabende Emigranten an. Diese kleinen Porträts sind „großartige Kunstwerke, die ein Wunder an Talent, Merkmalen, Posen, Kostümen, Atmosphäre und Charakter erleben“, schrieb der Kunsthistoriker Stephen Longstreet. „Die Leute sind echt. Sie atmen und existieren fest auf der Erde. “

Blattstudien von Frauen für Das türkische Bad
von Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1830,
Stift, braune Tinte und Graphit
auf zwei verbundenen Blättern 6¾ x 4¾.
Sammlung des Louvre, Paris, Frankreich.

Die Fähigkeit, die Realität einzufangen, beruhte auf seinen technischen Fähigkeiten und seiner Vertrautheit mit der Anatomie. Mit solch angeborenem Wissen über die menschliche Form könnte der Künstler Vorhänge auf eine Weise richtig rendern, die der Form des Körpers in jeder Falte und Falte folgt. Die Fähigkeit des Künstlers, eine Ähnlichkeit einzufangen, beruhte auf seiner Hingabe an die Genauigkeit, die er durch Zeichnen entwickelte. Ingres war eine zwanghafte Schublade und forderte die Schüler auf, mit ihren Augen zu zeichnen, wenn sie dies nicht mit einem Bleistift tun konnten. Für seine gemalten Porträts und Wandgemälde fertigte er manchmal Hunderte von vorbereitenden Zeichnungen an. Er schien diesen Schritt des Prozesses befriedigender zu finden als das eigentliche Malen der Wandbilder, das er manchmal aufgab. "Die Phasen waren: Aus dem Leben lernen, Wahrheit aus Erfahrung herausreißen, Quadrieren, Vergrößern, Transportieren auf Leinwand, gegebenenfalls Zurück zum Modell für dieses oder jenes Detail", schrieb Avigdor Arikha in J.A.D. Ingres: Fünfzig Lebenszeichnungen aus dem Musée Ingres in Montauban, der Katalog für eine Ausstellung im Museum of Fine Arts, Houston. "Bitten Sie den Grafen von Pastoret um seine Handschuhe oder kehren Sie zu Madame Moitessiers linkem Arm zurück, zeichnen Sie ihn in Lebensgröße, um ihn direkt auf Leinwand zu übertragen, und kehren Sie immer wieder dorthin zurück. Zu diesem Zeitpunkt war Ingres festgefahren. Es war ein überaus aufwendiges - fast obsessives - Verfahren, dessen Ziel es war, der Wahrheit der Sache näher zu kommen. “

Künstler aller Niveaus können von Ingres 'Liebe zum Detail lernen. Seine Arbeitsmoral war bewundernswert und er schuf Zeichnungen, die sowohl technisch ansprechend als auch emotional resonant waren. "Von allen Meistern, die ich studiert habe, hat mir die Arbeit von Ingres am besten gefallen", sagt Reilly. „Ingres bevorzugte Materialien waren der spitze Graphitstift und das glatte weiße Papier. Er glaubte, Farbe sei nur ein Accessoire zum Zeichnen. Zeichnen war für ihn nicht nur die Linie. Es war der Ausdruck, die innere Form, die Komposition und die Modellierung. “ Diese Sichtweise hat die moderne Kunst des 20. Jahrhunderts und Generationen von Künstlern von Degas bis Dinnerstein beeinflusst.

Sitzende nackte Frau
von Pierre-Paul Prudhon, 22 x 15.
Sammlung der Metropolitan
Kunstmuseum, New York,
New York.

Pierre-Paul Prud’hon

Pierre-Paul Prudhon (1758–1823) wurde wie Ingres als Maler anerkannt, aber das Zeichnen war die Grundlage für seine Arbeit. Zu seiner Zeit für seine allegorischen und mythologischen Gemälde bekannt, sind es jetzt seine Figurenzeichnungen, die den Betrachter inspirieren und verblüffen. Als Kunststudent an der Dijon-Akademie in den frühen 1780er Jahren widmete sich Prud'hon der strengen Ausbildung im Zeichnen, die für alle, die auf eine erfolgreiche Karriere als Künstler hofften, als notwendig erachtet wurde. Akademien- Konfigurationsstudien aus dem Live-Modell - waren die Art und Weise, wie die Schüler ihre Fähigkeiten verfeinerten und Hunderte dieser Zeichnungen fertigstellten, bis sie bereit waren, ihre Berufe auszuüben. Der Prozess dauerte Jahre und beseitigte eine Reihe von Aspiranten, entweder aufgrund mangelnden Engagements oder mangelnden Talents. Während diese strenge und langwierige Ausbildung den heutigen Studenten umständlich erscheinen mag, waren diese Figurenzeichnungen für Künstler von entscheidender Bedeutung, von denen viele diese Studien während ihrer gesamten Karriere für Ideen und Praktiken erstellt haben.

Akademie eines sitzenden Mannes
von Pierre-Paul Prudhon,
Schwarz-Weiß-Kreide auf blauem Papier, 14 9/17 x 10?.
Sammlung Museé Baron Martin,
Grau, Frankreich.

Prud'hon war ein solcher Künstler, und mehr als seine Zeitgenossen hielt er während seiner gesamten Karriere an den Akademien fest. Noch bemerkenswerter ist vielleicht, dass Prud'hon diese Figurenzeichnungen im Laufe seiner Karriere gegenüber fertigen Gemälden bevorzugte. Bis 1788 hatte der Künstler einen charakteristischen Stil von Figuren entwickelt, die mit farbiger Kreide auf getöntem Papier gezeichnet waren. Die Zeichnungen sind oft in mehreren Schichten aufgebaut, einschließlich Schraffuren und breiten Passagen von Toning und Stumping. Durch das Mischen von Linien, Tönen und verschiedenen Techniken präsentierte Prud'hon den Künstlern alle Ausdrucksmöglichkeiten von Kreide und Papier. "Prud'hons Studien vermitteln ein starkes Gefühl für Emotionen", sagt Reilly. "Seine Noten scheinen locker und frei zu sein, aber sie sind perfekt platziert." Der Künstler Kenneth Procter stimmt zu: "Prud'hon hat einige Zeichnungen fertiggestellt, bei denen der Kern des Schattens wie ein Streifen über die gesamte Länge einer Pose verläuft und jede Nuance von Muskeln freilegt - es ist absolut atemberaubend." Mit seinem tief verwurzelten Wissen über den menschlichen Körper konnte er sich auf sein Thema konzentrieren und ihm oder ihr Leben einhauchen, schnell markieren und sofort auf seine eigenen Gedanken reagieren, ohne sich um Anatomie oder Wahrhaftigkeit sorgen zu müssen.

Schon früh fügte Prud’hon seinem Namen „Paul“ hinzu, zu Ehren des flämischen Malers Peter Paul Rubens (1577–1640), der auch ein Meisterzeichner war. Prud'hon teilte die Liebe des Künstlers zur menschlichen Figur und sein tiefes Wissen über die Anatomie, aber hier enden ihre Ähnlichkeiten. Rubens war ein Befürworter des Barockstils, bekannt für seine Betonung auf Farbe, verschwenderische Details und dynamische Bewegung. Prud'hon hingegen entfernte dramatische Bewegungen und konzentrierte sich auf die Art und Weise, wie sich Licht über Formen bewegte. Was Prud’hon jedoch von seinem Vorgänger gelernt hat, ist die Wichtigkeit, unabhängig vom Stil ständig neue Werke zu schaffen. Rubens war einer der produktivsten und vielfältigsten Künstler seiner Zeit. Zu seinen Werken gehörten Altarbilder, historische Gemälde, Porträts und Landschaften sowie Buchillustrationen und Architekturentwürfe.

Die Himmelfahrt der Jungfrau
von Peter Paul Rubens, ca. 1612,
braune Tinte und braune Wäsche,
weiße Körperfarbe und schwarze Kreide auf braun
Papier, 11? x 9?. Sammlung Albertina
Museum Wien, Österreich.
Sitzende junge Frau mit erhobenen Armen
von Peter Paul Rubens, 1631–1632,
schwarze und rote Kreide mit weißer
Erhöhung, 16 x 19 11/16.
Sammlung Staatliche Museen zu
Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Deutschland.

Peter Paul Rubens

Darüber hinaus schuf der Künstler Hunderte von Zeichnungen, die von Beginn seiner Karriere an eine Vielzahl unterstützender Rollen in seiner Arbeit spielten. Als junger Künstler verbrachte er einen Großteil seiner Zeit damit, Meisterwerke zu kopieren. Ein Umzug nach Italien im Jahr 1600 verlagerte sein Thema auf die Arbeit der Renaissance-Meister. Der Zweck des Zeichnens von Werken von Tizian, Michelangelo und Raphael bestand nicht nur darin, zu lernen. Der Künstler-Ausbilder John A. Parks bemerkt: „Es war tatsächlich ein Versuch, die verfügbaren Ikonografien und Kompositionen zu durchsuchen, um eine persönliche Bildbibliothek für die spätere Verwendung zusammenzustellen. Was der Künstler in diesen Zeichnungen am meisten schätzte, war nicht ihre persönliche Kalligraphie oder Renderqualität, sondern einfach seine Designinformationen. “

Rubens nutzte diese Bildbibliothek als Inspiration für die großen Altarbilder, mit deren Erstellung er beauftragt wurde. Er würde diese großen Arbeiten mit einer vorläufigen Zeichnung in schwarzer oder brauner Kreide beginnen und dann eine Ölskizze erstellen. Danach kehrte der Künstler zum Zeichnen zurück und fertigte größere Stücke aus lebenden Modellen mit schwarzer Kreide an. Diese größere Zeichnung ermöglichte es ihm, mehr Details und anatomische Genauigkeit einzubeziehen und seinem Motiv eine Lebendigkeit zu verleihen, auf die Barockkünstler stolz waren.

Obwohl Rubens wahrscheinlich wenig über seine Zeichnungen nachdachte, können Künstler heute viel aus seinen vorbereitenden Arbeiten lernen. Seine Zeichnungen bereicherten seine Bilder und halfen ihm in jeder Phase des Prozesses. Als er schließlich Öl auf Leinwand brachte, hatte er eine klare Vision und war sich sicher, wie er sie ausführen sollte. Durch das Zeichnen erweiterte Rubens sein visuelles Vokabular und ermöglichte ihm Hunderte von brillanten Werken.

Frau mit totem Kind
von Käthe Kollwitz, 1903, Radierung.
Sammlung der Nationalgalerie von
Kunst, Washington, DC.

Käthe Kollwitz

Die deutsche Malerin, Grafikerin und Bildhauerin Käthe Kollwitz (1867–1945) ist vielleicht eher für ihr Fach als für ihr Können bekannt. Ihre Radierungen, Lithografien und Zeichnungen stammten hauptsächlich von Menschen der Arbeiterklasse, die sie um sich herum sah, und sie präsentierte den Zuschauern bewegende Berichte über menschliches Leid und Kampf. Ihre tiefe emotionale Verbindung zu ihren Themen ermöglichte es ihr, Kunst zu schaffen, die auch heute noch beim Publikum ankommt, und Künstler zu inspirieren, die sich mit persönlichen und / oder politischen Themen befassen möchten. "Kollwitz 'frühes Werk und die Formtiefe, die sie durch ihre reichhaltigen Linien erhalten hat, haben mich beeindruckt", sagt der Künstler und Ausbilder Dan Gheno. „Ich habe auch die emotionale Stärke ihrer Arbeit geschätzt. Sie hat mir beigebracht, dass ich viel weiter gehen kann als die Oberflächenform, wenn ich in mich hineinschaue. “

Selbstporträt
von Käthe Kollwitz, 1924, Lithographie.

Kollwitz arbeitete oft in Zyklen und beschäftigte sich mit historischen Aufständen und Veränderungen. Der erste dieser Serien war Die Weber, die aus drei Lithographien und drei Radierungen bestand, die auf der Dramatisierung des gescheiterten Aufstands von 1842 durch den deutschen Dramatiker Gerhart Hauptmann basierten. Kollwitz 'Werke waren keine wörtliche Illustration der historischen Tatsachen oder Hauptmanns Adaption; Stattdessen konzentrierte sie sich auf das Elend, die Hoffnung und die Stärke der Arbeiter. Als diese Stücke 1898 der Öffentlichkeit ausgestellt wurden, fand die Künstlerin große Anerkennung und es ist immer noch eines ihrer berühmtesten Projekte. Dies wurde später von ihrer Serie gefolgt Bauernkrieg (1902-1908), basierend auf dem Aufstand der deutschen Bauern von 1522-1525. Zum Zeitpunkt dieser Serie galt die Künstlerin als eine der wichtigsten deutschen Grafikerinnen ihrer Zeit.

Kollwitz variierte nicht nur ihre Themen, sondern erforschte mit diesen Serien auch eine Reihe von Drucktechniken, darunter Fotoätzen, Tiefdruck und Farblithografie. Zu dieser Zeit vereinfachte sie ihre Arbeit und ließ ihren sehr detaillierten realistischen Ansatz zugunsten einer Erzählung von Emotionen hinter sich. Es ist dieses Engagement für humanistische Themen und eine emotionale Verbindung, die Kollwitz 'Arbeit auszeichnet.

Porträt von Igor Strawinsky
von Pablo Picasso, 1920,
Graphit, Sammlung Museé Picasso,
Paris, Frankreich.

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881–1973) ist ein international bekannter Künstler, der in turbulenten Zeiten in Europa lebte und mit seiner Kunst die schnellen und manchmal gewalttätigen Veränderungen um ihn herum interpretierte. Während der Künstler Hunderte von Gemälden fertigstellte, für die er bekannt ist, stehen seine Zeichnungen im Mittelpunkt seiner Arbeit. "Das Herzstück von Picassos Entwicklung als Künstler und Ikone liegt in seiner Zeichnungskunst - hier wurden seine Experimente und visuellen Durchbrüche erzielt", sagt die Künstlerin und Lehrerin Lisa Dinhofer. Als Künstler mit profunden Kenntnissen der Grundlagen und umfassender akademischer Ausbildung war Picasso in der Lage, ein Thema zu dekonstruieren, es in den wenigsten notwendigen Zeilen wiederzugeben und zu seiner Essenz zu gelangen. „Es bedarf des detaillierten Wissens eines Zeichnermeisters, um ein Objekt in seiner einfachsten Form darzustellen“, sagt Dinhofer. "Nicht mit einer erweichten Conté-Marke, nicht mit einem schraffierten Volumenaufbau, nicht in geschichteten Graphitschattierungen, um einen Bereich zu modellieren, sondern mit einer direkten Linie, die alle Formen und Räume vermittelt."

Nusch Eluard
von Pablo Picasso, 1938,
Holzkohle und Graphit auf Leinwand.

Picassos Linien zeigten die inneren und äußeren Formen seines Motivs an und er konnte die Bildebene füllen, indem er volumetrische Details entfernte. Dies ist in Porträts wie zu sehen Max Jacob, Porträt von Erik Satie, und Helena Rubenstein. Wenn Künstler seine Experimente mit Linien und Formen betrachten, können sie verstehen, wie Picasso den Betrachter gezwungen hat, Objekte auf neue Weise zu sehen, und bis heute an unsere Grenzen stößt. Sein Meisterwerk Guernica, Das 1937 entstandene Werk verkörpert die sich ändernden Theorien und Experimente des Künstlers mit Linien. Dinhofer bemerkt: „Die Komposition basiert ausschließlich auf der Gegenüberstellung von Raum und Linie. Das abgebildete Innere und die Landschaft sind abgeflacht und rücken jede Figur in den Vordergrund. Das Ergebnis ist ein überwältigender Angriff… mit einer fetten, ununterbrochenen Linie, ausgeschnittenen Formen und einer komprimierten Bildebene. “

Künstler aller Ebenen können sich die Arbeit von Picasso ansehen und an verschiedenen Stellen ihrer künstlerischen Erforschung etwas Neues lernen, so wie sich der Künstler selbst im Laufe der Zeit verändert hat. "Picasso wird oft als grundlegender Zeichner beschrieben", sagt Procter. "Seine Zeichnungen sind virtuos, erstaunlich vielfältig in der Technik und fabelhaft, schlau erfinderisch." Picasso dekonstruierte sein Thema auf das Wesentliche der Linie und zeigte den Zuschauern und Künstlern, dass das Zeichnen wirklich die Grundlage der Kunst ist.

Naomi Ekperigin ist die Redaktionsassistentin für Amerikanischer Künstler.

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