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Zeichnung

Tipps zur Landschaftsmalerei

Tipps zur Landschaftsmalerei

Während fast 30 Jahren Interview mit Landschaftskünstlern für Amerikanischer KünstlerHier nutzt er das Beste aus diesem gewonnenen Wissen und fasst es in sieben hilfreiche Tipps für Freilichtmaler zusammen.

von M. Stephen Doherty

Nebliger Morgen, Trinchera
von M. Collection der Künstler.

Ich frage Abonnenten oft, an welche Artikel sie sich erinnern, sie gelesen und genossen zu haben, weil mir ihre Antworten dabei helfen, Funktionen in Auftrag zu geben, die die gleiche positive Reaktion hervorrufen. Als ich diese Frage 1979 zum ersten Mal stellte, erinnerten sich mindestens ein Dutzend Menschen an einen Artikel in der Juli-Ausgabe 1972 von Susan E. Meyer, der Herausgeberin des Magazins, in dem sie beschrieb, wie die 11 Mitglieder der Fairfield Watercolor Group malten ihre individuellen Ansichten einer Connecticut Farm an einem Oktobertag. Die klaren Erinnerungen an diesen informativen Artikel veranlassten mich, mich für Freilichtmaler zu interessieren und Gruppen von Künstlern zu organisieren, die ihre eigenen Wege finden würden, auf ein gemeinsames Landschaftsthema zu reagieren.

In den nächsten 29 Jahren folgte ich Künstlern auf Bergpfaden entlang felsiger Küsten, auf Dächer, neben historischen Gebäuden, in üppigen Gärten und auf schneebedeckten Wegen mit meiner Kamera und meinem Notizblock. Ich versuchte herauszufinden, was sie an den Orten anzog, wie sie ihre Malmaterialien auswählten und vorbereiteten, warum sie ihre Bilder auf eine bestimmte Weise entwickelten und welche Ratschläge sie anderen geben würden, die an der gleichen Verfolgung interessiert waren. Einige zeigten in Aquarell gemalte Künstler, andere in Acryl, einige in Kasein und Pastell, viele in Öl und einige fotografierten, während sie skizzierten und malten. Ich habe von jedem dieser Künstler etwas Wertvolles gelernt. Ich möchte mitteilen, was ich gelernt habe, und den Lesern versichern, dass der Prozess, ein kompetenter Maler zu werden, ebenso schwierig und langsam wie angenehm und lohnend ist. Selbst nach fast 30 Jahren Studium bei den besten Künstlern muss ich noch viel über den Prozess des Schaffens von Kunstwerken lernen, aus dem, was meine Augen beobachten, mein Verstand interpretiert und meine Hände ausführen. Obwohl die Empfehlungen, die ich hier anbiete, wohlüberlegt und etwas tiefgreifend erscheinen mögen, repräsentieren sie meinen ständigen Kampf um die Verbesserung der Qualität meiner Bilder.

Sonnenuntergang über dem Hudson Valley
von Frederic Edwin Church, 1870, Graphit und Öl auf dünnem, cremefarbenem Karton, 11 1/8 x 15¼. Sammlung Nationales Designmuseum, New York, New York.

Die Künstler, die wahrscheinlich den größten Einfluss auf meine Herangehensweise an die Ölmalerei hatten, sind die zeitgenössischen Künstler Thomas S. Büchner, Clyde Aspevig, Joseph McGurl, und Jack Beal;; sowie die großen Maler des 19. Jahrhunderts Jean-Baptiste-Camille Corot (1796–1875) und Frederic Edwin Church (1826–1900). Büchner zeigte mir, wie man Freilichtmalerei in einen vollen Arbeitsplan einfügt, Aspevig half mir, wertvolle Themen an unerwarteten Orten zu identifizieren, McGurl zeigte, wie man mit Farbe umgeht, um die Illusion von Details zu erzeugen, und Beal öffnete meine Augen für dynamische Kompositionen. Und als ich die Gelegenheit hatte, mit einem Corot- oder einem Kirchengemälde von der Nase bis zur Leinwand zu gehen, war ich demütig über die Fähigkeit des Künstlers, das Gefühl zu erzeugen, mit ihm in einer Landschaft zu stehen und die geschaffenen Erfahrungen zu teilen durch das Licht und die Atmosphäre.

Ich habe es immer abgelehnt, meine eigenen Kunstwerke in zu reproduzieren Amerikanischer Künstler weil ich die Mission des Magazins nicht mit meiner persönlichen Agenda verwechseln wollte. Obwohl ich den Inhalt der Veröffentlichung gestalten kann, versuche ich, mich weiterhin auf die Interessen der Leser zu konzentrieren. Die Leute haben mich jedoch aufgefordert, meine Kunstwerke zu diskutieren, um das Magazin zu personalisieren und die Leser wissen zu lassen, dass ich ihre Leidenschaft teile. Ich bin damit einverstanden, diesem Standpunkt zuzustimmen.

Herbst in der Kent Baptist Church
von M. Collection der Künstler.

Ich sollte auch gestehen, dass ich, wie viele von Ihnen, hoffe, dass mein Kunstwerk über mich hinaus als Aufzeichnung einer Person lebt, die die Dinge zu einem bestimmten Zeitpunkt kreativ und vielleicht ergreifend gesehen hat. Zum Beispiel gibt es viele Gründe, warum ich gemalt habe Herbst in der Kent Baptist ChurchEinige haben mit der Schönheit der Herbstszene zu tun, andere mit dem Kirchengebäude, dem Friedhof und den fallenden Blättern als Symbol für Leben, Tod und Erneuerung. Was Sie beim Betrachten des Gemäldes nicht wissen können, ist, dass ich 2006 an dieser Stelle einen kleinen Autounfall hatte. Sieben Monate später ging ich zurück, um genau an der Stelle zu stehen, an der mein Auto auf eine Eisfläche stieß und in die hineinflog Wald entlang der Auffahrt der Kirche. Ich ging unverletzt davon, war mir aber bewusst, wie viel Leben sich in Sekundenbruchteilen ändern kann.

Warum belaste ich Sie mit diesen Details? Weil ich betonen möchte, dass ich, während ich über die besten Verfahren zum Malen von Bildern schreibe, gemeinsam mit Ihnen nach einer visuellen Sprache suche, die hilft, Erkenntnisse klarer auszudrücken. Ich hatte das Glück, Zeit mit Künstlern zu verbringen, die genau das hervorragend können, und ich hoffe, ich kann etwas von dem teilen, was sie mir großzügig gegeben haben.

Hier sind einige der spezifischen Ratschläge, die ich beim Malen erhalten habe:

Stellen Sie sich vor, wo, wann und wie Sie malen werden

Aspen Road
von William Hook, 2004, Acryl, 24 x 36.

William Hook malte diese Landschaft während eines Kurses in der Erstausgabe von Werkstatt.

John Singer Sargent war möglicherweise in der Lage, an jedem Ort oder zu jeder Tageszeit mit dem Malen zu beginnen, aber der Rest von uns muss einen Malort basierend auf der Tageszeit, der Jahreszeit und den vorherrschenden Bedingungen auswählen. Ein Punkt kann morgens inspirierend und nachmittags langweilig sein, oder der Ort benötigt möglicherweise mehr Zeit zum Malen als verfügbar. Es ist daher wichtig zu berücksichtigen, wie wahrscheinlich die Lackierbedingungen an den verschiedenen Orten sind, die Sie in Betracht ziehen. Die meisten Fachleute nehmen die Orte zur Kenntnis, an denen sie vorbeikommen, und versuchen, sich an den besten Aussichtspunkt und den optimalen Zeitpunkt für die Rückkehr zu erinnern.

Thomas S. Buechner, einer der zitierfähigsten Künstler, den ich getroffen habe, sagte: "Je älter ich werde, desto attraktiver wird das Thema, das dem Badezimmer am nächsten liegt." Er scherzte natürlich, aber er versucht zu vermeiden, zu viel Zeit damit zu verbringen, nach dem „perfekten“ Malort zu suchen, da immer eine Vielzahl von Möglichkeiten zur Verfügung stehen, von denen einige bequemer sind als andere. Matthew Daub und William Hook hatten fast den gleichen Rat, als sie vor der Erwartung warnten, dass die Landschaft auf der anderen Seite des Hügels grüner oder malerischer sein würde. Clyde Aspevig, ein Mann mit intensiver persönlicher Motivation, wählt Orte aus, an denen er mehrere gute Bilder erstellen kann, ohne seine Ausrüstung packen und bewegen zu müssen.

BEACHTEN SIE DIE RICHTUNG DES LICHTS AN IHREM AUSGEWÄHLTEN STANDORT

Wald von Fontainebleau
von Jean-Baptiste Camille Corot, 1834, Öl. Sammlung National Gallery of Art, Washington, DC.

Die meisten Freilichtbilder dauern mehrere Stunden, daher ist es hilfreich zu überlegen, was mit dem Winkel und der Intensität des Lichts passiert, wenn Sie an einem bestimmten Ort malen. Wird das Sonnenlicht die Malfläche überqueren und unerwünschte Blendung erzeugen? Werden sich die Wolken auflösen und einen scharfen Kontrast im Muster von Sonnenlicht und Schatten erzeugen? Wird die Unterscheidung zwischen warmen und kühlen Farben stärker, wenn die Sonne untergeht?

Natürlich müssen Künstler keine Sklaven der Wetterbedingungen sein. Sobald ein gutes Gemälde im Gange ist, können Erfahrungen sie zu seiner erfolgreichen Fertigstellung führen. "Lügen, betrügen und stehlen", sagt Jack Beal mit einem Lachen. Damit meint er, dass Künstler nicht verpflichtet sind, genau das zu malen, was sie beobachten. Bei der Komposition geht es darum, die dreidimensionale Welt auf eine zweidimensionale Oberfläche zu abstrahieren. "Wenn Corot und Albert Bierstadt kann dir helfen, dann lass sie auf jeden Fall “, rät Beal.

VERBALISIEREN SIE, WAS SIE WISSEN WOLLEN

Viele erfahrene Lehrer bitten die Schüler, aufzuschreiben, was sie den Zuschauern vermitteln möchten, und das Stück Papier auf ihre Staffeleien zu kleben. Es geht darum, sich auf den wichtigsten Aspekt Ihres Bildes zu konzentrieren. Wenn Sie eine Pause machen, lesen Sie die Nachricht erneut und bewerten Sie, ob Sie Ihr zentrales Ziel erreichen. "Normalerweise empfehle ich den Schülern, diese Nachrichten auf eine 3-x-5-Karte zu schreiben, damit sie kurz, einfach und spezifisch ist", sagt er Sondra Freckelton. „Wenn ich vorbeischaue, um die Fortschritte der Schüler zu überprüfen, frage ich sie, ob sie ihre Bilder so entwickeln, dass sie die Botschaft auf der Karte vermitteln. Wenn dies nicht der Fall ist, sprechen wir über Elemente des Kunstwerks, die die Nachricht möglicherweise verwirren. Ich spreche lieber über Materialien und Techniken im Kontext dieses fokussierten Ziels. “

PLANEN SIE DIE ZUSAMMENSETZUNG, WERTE, LINIEN, FORMEN UND FARBEN

Paramount Blick auf den Berg. Blanca
von M. Collection der Künstler.

Es gibt viele wichtige Aspekte der Malerei, aber diejenigen, die am häufigsten in Zeitschriftenartikeln, Kunstkursen und Malworkshops diskutiert werden, wirken sich auf die kompositorische Anordnung abstrakter Elemente aus. Die Kursleiter sprechen über den relativen Wert und die Farbtemperatur, da diese einen Baum vom anderen trennen, den Vordergrund vom Hintergrund und das Sonnenlicht von den Schattenbereichen. Sie bitten die Schüler auch zu überlegen, wie die Richtungen, die Straßen, Zäune, Flüsse und Wege implizieren, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf und um ein Bild lenken. und sie weisen darauf hin, wie die Wiederholung von Farben und Mustern ein Gefühl der Einheit und Harmonie in einem Bild erzeugen kann.

Jack Beal spricht über Komposition, wann immer er die Gelegenheit hat, Studenten anzusprechen, und ich wünschte, seine Ideen würden breiter verbreitet und verstanden, weil sie Künstlern helfen können, aufregendere und ansprechendere Gemälde zu schaffen. Er geht über den offensichtlichen Rat hinaus, den Brennpunkt eines Gemäldes von der Mitte fernzuhalten und den Richtungsfluss von Formen und Linien grafisch darzustellen. Er zeigt den Schülern, wie man positive und negative Räume effektiver nutzt, wie man Formen ausbalanciert, die den Betrachter in ein Bild versetzen und wieder hervorheben, und er ermutigt Künstler, Formen zu biegen, zu drehen und zu neigen, damit die Komposition effektiver ist. Zum Beispiel verweist er auf Künstler der Renaissance und des Barock, die zugrunde liegende dreieckige, kreisförmige oder trapezförmige Formen festgelegt und die Figuren, Objekte und natürlichen Formen in ihren Gemälden so angeordnet haben, dass sie lose in diese geometrischen Formen passen. Zum Beispiel habe ich bei der Komposition meines Gemäldes über Beals Rat nachgedacht Herbst in der Kent Baptist Church und benutzte eine Reihe dreieckiger Formen, um den Betrachter zu lenken und ihm ein Gefühl des Unbehagens über eine ansonsten angenehme Szene zu hinterlassen.

SKULPT MIT FARBE

Der Pietra Santa Weinberg
von Randall Sexton, 2006, Öl, 11 x 14. Sammlung des Künstlers.

Oben sehen Sie eine Demonstration, die Sexton in einem Workshop in der Herbstausgabe 2006 von abgeschlossen hat Werkstatt.

Randall Sexton lehrte mich, mehr auf die Menge an Farbe zu achten, die ich auf ein Gemälde auftrage, und Matt Smith zeigte mir die Vorteile des „Formens“ der Richtungsbewegung von Ölfarbe mit einem Pinsel. Beide Künstler gaben den meisten Lehrern den gleichen Rat: Arbeiten Sie von dünn bis dick, lassen Sie die Schatten dünn und die Lichter dick und bewegen Sie den Pinsel so, als würde er der Topographie der Landschaft folgen.

Bei all diesen Ratschlägen geht es darum zu erkennen, dass die Dichte, Textur und Transluzenz von Öl die Wahrnehmung der Objekte oder Orte beeinflusst, die wir in unseren Gemälden darstellen. Dieser Punkt wurde mir nie klarer gemacht, als als ich eine Ausstellung von sah Jacob CollinsDie atemberaubenden Figurenbilder in den Hirschl Adler Galleries in New York City im Oktober 2006. Die warmen, rotbraunen Schatten auf den Körpern der liegenden Akte waren so dünn, dass ich die Graphitlinien sehen konnte, die der Künstler gezeichnet hatte, um die Kanten zu identifizieren von diesen Formen, und die dunklen Hintergrundfarben hinter den Figuren wurden dünner und wärmer, als sie bis zum Rand der dicken Glanzlichter auf dem Fleisch kamen. Diese subtilen Manipulationen des Volumens und der Temperatur der Ölfarben erzeugten ein leuchtendes Licht in den Bildern.

Garten Squeteague Hafen
von Joseph McGurl, Öl, 9 x 12. Privatsammlung.

Joseph McGurl führt nur zwei Landschaftsworkshops pro Jahr durch, und eine dieser Klassen wurde in der Frühjahrsausgabe 2007 von vorgestellt Werkstatt.

Am selben Tag, als ich mir die Collins-Ausstellung ansah, besuchte ich Joseph McGurls Landschaften in den Hammer Galleries, ebenfalls in New York City, und war fasziniert zu sehen, wie er die Textur der Farbe aufbaute, die den Vordergrund seines Neuenglands beschreibt Szenen. In einigen Fällen verwendete er eine grob gewebte Leinwand, die entweder mit dicken Ölfarben aufgetragen oder in einem rauen Zustand belassen werden konnte. In anderen Situationen strukturierte er das darunter liegende Acryl-Gesso auf den Paneelen, so dass selbst eine dünne Anwendung von Ölfarbe als Pinselstruktur gelesen werden konnte. Und ein Teil der Farbe, die zur Herstellung des Vordergrunds verwendet wurde, wurde entweder mit einem Spachtel aufgeschlagen, mit Sand oder Bimsstein gemischt oder kurz vor dem vollständigen Trocknen verschrottet, sodass die Pinselstriche weniger offensichtlich waren.

Gehen Sie die zusätzliche Meile

Jemand hat mir einmal gesagt, dass es besser ist, klug als hart zu arbeiten, was bedeutet, dass die Verwendung des eigenen Gehirns normalerweise effizienter und effektiver ist als die Verwendung der eigenen Muskeln. Aber ich habe oft bemerkt, dass ein Gemälde außergewöhnlich und ein anderes durchschnittlich ist, wie viel Zeit und Mühe der Künstler dem Bild gewidmet hat. Das heißt, Bilder können dramatisch besser werden, wenn die Schüler bereit sind, von vorne zu beginnen, wenn sich ihre zugrunde liegende Zeichnung als ungenau herausstellt. zusätzliche Zeit damit zu verbringen, den richtigen Wert zu mischen, anstatt zu erfassen, was sich gerade auf ihrer Palette befindet; oder um einem Bild mehr Details hinzuzufügen, insbesondere in der Nähe des Brennpunkts. Manchmal ist Effizienz keine bewundernswerte Eigenschaft, und Ungeduld ist ein Stolperstein. Ich weiß es, weil ich die Angewohnheit habe, sehr ungeduldig zu sein, aber ich erinnere mich, dass es keinen Sinn macht, noch ein mittelmäßiges Gemälde auf den Stapel in meinem Keller zu stapeln. Wenn ich nicht bereit bin, mir die Zeit zu nehmen, um ein außergewöhnliches Bild zu machen, macht es keinen Sinn, ein neues zu erstellen.

Traktoren LKW, Trinchera
von M. Collection der Künstler.

GENIESSEN SIE DIE ERFAHRUNG

Malen ist harte Arbeit, und Verbesserungen an den eigenen Kunstwerken sind ein lebenslanges Unterfangen, aber die meisten Menschen sind in den Prozess involviert, weil sie es lieben, in der Natur zu sein, einen angenehmen Tag mit Freunden zu teilen und sich selbst herauszufordern, von großen Künstlern der Vergangenheit und der Vergangenheit zu lernen Gegenwart und Dokumentation einer Zeit und eines Ortes in ihrem Leben. Einige der Künstler, die ich getroffen habe, verdienen ihren Lebensunterhalt damit, solche Bilder zu kreieren und zu verkaufen, und andere pflegen bezahlte Jobs und familiäre Verpflichtungen, während sie ihre Leidenschaft für das Malen nähren. Jeder von ihnen hat sich gesegnet gefühlt, entweder ein paar Stunden oder eine unbegrenzte Anzahl von Tagen Zeit zu haben, um an einer Aktivität teilzunehmen, die Künstler seit Hunderten von Jahren beschäftigt.


Schau das Video: Tipps für die Landschaftsmalerei von unserer Lehrerin Sahra (Januar 2021).