Zeichnung

Streben nach Atmosphärendetails in Landschaften

Streben nach Atmosphärendetails in Landschaften

Der Kalifornier Dennis Doheny schafft atemberaubende Öllandschaften, indem er die atmosphärischen Bedingungen betont, das Muster von Licht und Schatten dramatisiert und mit Farbe „spielt“, während er Details schärft.

Doheny legte eine Fome-Cor-Matte um seine Freiluftstudie für Lakeside Reflections, um seine Sicht zu isolieren.

von M. Stephen Doherty

Dennis Doheny weiß innerhalb von ein oder zwei Tagen nach Beginn eines neuen Gemäldes, ob es erfolgreich sein wird oder verworfen werden muss. Obwohl sich auf der ölgrundierten Leinenleinwand möglicherweise nur dünne Farbschleier befinden, weiß der Künstler, ob er eine effektive Komposition von Formen und Atmosphäre hat, die für seine Landschaften so wichtig ist. "Wenn das Potenzial nicht vorhanden ist, lege ich das Bild beiseite und gehe zu einem anderen über", erklärt er. „Später kann ich zum Bild zurückkehren, wenn mir eine Lösung einfällt, aber oft reiße ich einfach die Leinwand von den Keilrahmen. Ich habe auf die harte Tour gelernt, dass es sinnlos ist, mit einem zum Scheitern verurteilten Gemälde zu kämpfen. "

Das Ausgangsmaterial, das Doheny zur Entwicklung dieser weitläufigen Landschaften verwendet, umfasst Freilichtstudien, Fotografien und sein Gedächtnis. Obwohl er es schätzt, direkt aus der Natur heraus zu arbeiten, glaubt er nicht, dass er gut im Freien arbeiten kann, wahrscheinlich weil er immer die Art von Detaillierung geschätzt hat, die in drei oder vier Stunden vor Ort schwer zu erreichen ist, und weil die Nachfrage nach seiner Atelierbilder sind so großartig, dass er selten Zeit hat, sich weit weg von seinem Zuhause in Santa Barbara zu wagen. "Ich gehe aufs Feld und mache eine sehr lockere Ölskizze oder eine Graphitzeichnung, normalerweise wenn ich Campingausflüge mache", erklärt er. "Ich arbeite nicht unter einem Regenschirm, also schiele ich und das macht es schwieriger, mich auf die Details zu konzentrieren." Es neigt auch dazu, die Farbtemperatur zu verzerren, und ich finde Bilder, die zu cool erscheinen, wenn ich sie ins Studio bringe. Ich wärme die Farben auf, wenn ich aus diesen Studien größere Studiobilder entwickle. Aus all diesen Gründen verkaufe ich die Freilichtbilder normalerweise nicht.

„Wie Sie auf dem Foto sehen können, finde ich es hilfreich, eine Fome-Cor-Matte um das Panel zu legen, nachdem ich einige Stunden daran gearbeitet habe, da dies mir hilft, meine Sicht von allem anderen in meinem Sichtfeld zu isolieren. Doheny fügt hinzu. „Ich habe Fome-Cor-Matten in Größen von 9 x 12 bis 50 x 50, die ich sowohl vor Ort als auch im Studio verwende. Wenn sie um die Leinwände oder Tafeln gelegt werden, studiere ich die Komposition und mache mir Gedanken über die Änderungen, die dazu beitragen, das Bild besser aufzulösen. Manchmal erhöhe ich den Kontrast in Werten oder vermindere den Kontrast, je nachdem, was meiner Meinung nach das Bild verbessert. “

Annäherung an die Schneegrenze
2006, Öl, 24 x 24. Alle Kunstwerke dieses Artikels mit freundlicher Genehmigung von William A. Karges Fine Art, Beverly Hills und Carmel, Kalifornien, sofern nicht anders angegeben.

Fotografien dienen auch als nützliches Ausgangsmaterial im Studio, obwohl Doheny betont, dass er sie nur zum Auflösen von Details verwendet - nicht für Gesamtkompositionen. "Das nützlichste Bild ist das, das ich mir vorstelle, nachdem ich über einen Ort nachgedacht habe, den ich bemerkt und an den ich mich erinnere oder den ich skizziert oder fotografiert habe", erklärt er. „Ich fange gerade an, dünne, warm getönte Waschungen auf die Oberfläche zu malen, während ich darüber nachdenke, wie mich die Website beeindruckt hat, und passe die Formen an, bis ich anfange, eine Komposition zu erhalten, die gut funktioniert. Ich lasse mich eher von Intuition und Erfahrung als von bestimmten Kompositionsregeln leiten, bin mir jedoch bewusst, dass ich den Betrachter in die Bilder führe, indem ich einen Wertekontrast verwende, um ein Zentrum des Interesses zu schaffen und harte und weiche Kanten zu kontrollieren.

„Allmählich fange ich an, die Farbe aufzubauen und eine größere Auswahl an Farben einzuführen“, fährt Doheny fort. „Ich spiele mit den warmen und kühlen Farben, bis sie richtig aussehen, und wechsle zu kleineren, weicheren Haarbürsten, wenn ich mich auf kleinere Formen und Details konzentriere. Wenn man sich der Leinwand nähert, wird klar, dass ich viele verschiedene Farben manipuliere, um die Details zu vermitteln, aber ich möchte, dass alle diese Farben miteinander verschmelzen, je weiter man vom Bild entfernt ist. Ich bin kein Impressionist, der offensichtliche, kräftige Farbstriche hinterlässt, aber ich ändere und passe die Farben während der Arbeit ständig an. Zum Beispiel sieht die große Felsformation in Approaching Snow Line wie ein großer Bereich von bläulich-grauer Farbe in der Reproduktion aus, aber es ist tatsächlich ein Konglomerat vieler eng verwandter Farben, von denen einige mehr Rot, Gelb oder haben blau als die in der Nähe. „Ich habe kürzlich in Santa Fe eine Ausstellung mit Gemälden von Taos-Malern aus dem frühen 20. Jahrhundert gesehen, und ich war beeindruckt von der Tatsache, dass sie eine ähnliche Technik hatten, um eine breite Palette von Pigmenten zur Bereicherung ihrer Gemälde zu verwenden.“

Stille Sierra
2008, Öl, 24 x 24.

Doheny zitiert Kevin Macpherson, als er die schrittweise Entwicklung seiner Ölgemälde beschreibt. "Kevin spricht davon, ein Bild zu beginnen und dann zu korrigieren, was nicht richtig aussieht, und ich finde mich oft dabei, genau das zu tun", erklärt er. "Für mich ist es ein Prozess der Beseitigung, da ich mich weiterhin auf die Elemente konzentriere, die nicht gut funktionieren, sie korrigiere und das Bild dann neu bewerte, nachdem ich diese Änderungen vorgenommen habe. Ich höre auf, sobald ich mich endlich gefreut habe. Das ist alles, was ein Maler tun kann, weil es einfach keine Möglichkeit gibt, mit dem Ziel zu malen, die Anforderungen eines Sammlers, Händlers oder eines anderen Künstlers zu erfüllen. "

Gelegentlich experimentiert Doheny mit neuen Themen, Techniken oder Materialien. „Die meisten meiner Landschaften bieten weite, offene Räume, aber manchmal erstelle ich ein Bild wie Silent Sierra, in dem ich versuche, eine neblige, flache Landschaft mit im Wesentlichen derselben Palette und denselben Maltechniken einzufangen. Ich war nie daran interessiert, kleine, intime Räume zu malen, da die Menge an Details, die ich einem Bild hinzufüge, diese Art von Motiv in ein unrealistisches Bild verwandeln würde. Das heißt, ich muss das extreme Detail mit Bereichen weicher, verallgemeinerter Formen in Einklang bringen, um eine überzeugende Sicht auf die Natur zu präsentieren. “

Über den Künstler
Dennis Doheny ist ein Kalifornier in der dritten Generation, der mit Liebe zur Kunst aufgewachsen ist, die Pacific Palisades High School abgeschlossen und 10 Jahre als Illustrator gearbeitet hat, bevor er sich als professioneller bildender Künstler etablierte. Er gewann 1998 den ersten Platz beim Carmel Art Festival Plein Air Wettbewerb; der Frederick Remington Award beim Prix de West 2006 und 2008; den Grandville Redmond Memorial Purchase Prize während des ersten Frühlingssalons in der heutigen California Art Academy und Museum in Pasadena, Kalifornien; und der Kaufpreis bei der ersten Quest for the West Show des Eiteljorg Museums im Jahr 2006. Er ist Mitglied des California Art Club und wird von William A. Karges Fine Art in Beverly Hills und Carmel, Kalifornien, vertreten. Weitere Informationen zu Doheny finden Sie unter www.dennisdoheny.com.

Kalifornische Farbe
2008, Öl, 20 x 24.
Wächter des Sees
2006, Öl, 34 x 34. Sammlung des Eiteljorg Museum of American Indians and Western Art, Indianapolis, Indiana.
Berglicht
2008, Öl, 24 x 30.

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