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Zeichnung

En Plein Air: Ein Gespräch mit Joseph McGurl

En Plein Air: Ein Gespräch mit Joseph McGurl

Joseph McGurl wuchs unter der künstlerischen Anleitung seines talentierten Vaters auf und pflegte gleichzeitig eine Leidenschaft für das Bootfahren und die Liebe zum Meer. Dieser frühe Einfluss, gepaart mit jahrelanger harter Arbeit und Praxis, hat ihn zu einem der bedeutendsten Landschaftsmaler von heute gemacht. In diesem Interview teilt er sein Wissen, seine Erfahrung und seine Einsichten in die Kunst des Malens der Natur.

Sun Main Coast von Joseph McGurl, 2008, Öl, 18 x 24.
Mit freundlicher Genehmigung von Trees Place, Orleans, Massachusetts.

Interview von Allison Malafronte

Amerikanischer Künstler: Bitte sprechen Sie ein wenig über Ihre Kunstausbildung, insbesondere über die einflussreiche Rolle, die Ihr Vater gespielt hat, um Sie zu inspirieren, Künstler zu werden.

Joseph McGurl: Ich sollte meine Antworten vorwegnehmen, indem ich sage, dass ich weiß, dass viele Künstler mit einigen der Dinge, die ich sage, nicht einverstanden sind. Das ist gut und wie es sein sollte. Wenn alle meinen Ansichten zustimmen würden, würden alle wie ich malen und Kunst wäre sehr langweilig.

Seit ich ungefähr 5 Jahre alt war, wusste ich, dass ich Künstler werden wollte. Das lag wahrscheinlich daran, dass mein Vater einer war, und es schien natürlich, und ich zeichnete gern. Mein Vater war nicht nur ein Vorbild, sondern half mir auch, meine Zeichnungen zu korrigieren, wenn ich nicht erkennen konnte, warum sie nicht richtig aussahen. Als Teenager half ich ihm bei seiner Arbeit, zu der das Malen von Wandgemälden, Marmorieren, Schablonieren, Statuenmalerei, Holzmaserung, dekorative Malerei, architektonische Darstellung, Denkmalgestaltung und so ziemlich alles, was mit Farbe zu tun hatte, gehörten. Ich habe meistens im Hintergrund gemalt, Pinsel gereinigt, Farbe gemischt und andere damit verbundene Aufgaben ausgeführt. Schon in jungen Jahren habe ich mich auch mit der Verwendung von Farbe und der Nutzung der damit verbundenen Eigenschaften vertraut gemacht. Der wahrscheinlich tiefgreifendste Einfluss, den mein Vater auf mich hatte, war seine engagierte Arbeitsmoral. Er musste einen Weg finden, um eine siebenköpfige Familie zu ernähren, und konnte dies durch sein Talent und seine harte Arbeit tun. Wir haben lange Tage gearbeitet.

Während meiner Teenagerjahre besuchte ich Samstagsklassen im Museum of Fine Arts in Boston bei Ralph Rosenthal. Er war ein weiteres Vorbild, das mir unter anderem beibrachte, zu analysieren, was ich zeichnete oder malte, um es besser zu verstehen und es überzeugender darzustellen, was mir wichtig war. Ich besuchte das Massachusetts College für Kunst und Design und schloss mein Studium mit einem dualen Hauptfach in Erziehung und Malerei ab. Es gab wirklich nicht viel akademischen Schwerpunkt auf den Grundlagen des Zeichnens und Malens, und ich hatte das Gefühl, dass meine Ausbildung unvollständig war. Später erfuhr ich von den Schülern der Boston School und ihrer Herangehensweise an das Zeichnen, die auf den Lehren der französischen Akademie beruhte. Dieser Ansatz zum Zeichnen hat sich über Hunderte von Jahren zu einer sehr effektiven Methode entwickelt, um die Schüler darin zu schulen, klar zu sehen und genau zu zeichnen. Ich habe Figurenzeichnen bei Robert Cormier studiert und es wurde wirklich zu einem Wendepunkt in meiner Fähigkeit, auszudrücken, wonach ich suchte.

Den Steg passieren
von Joseph McGurl, 2008, Öl, 23 x 25.
Sammlung Robert Wilson Galleries, Nantucket, Massachusetts.

AA: Was hat Sie nach dem Studium des Figurenzeichnens bei Robert Cormier zum Genre Landschaft geführt?

JM: In meinen jüngeren Jahren habe ich gemalt, gemeißelt, Drucke gemacht und alle Arten von Kunstprojekten gemacht. Allmählich übertrafen die Arten von Kunst und Materialien, die mich am meisten befriedigten, diejenigen, die ich weniger interessant fand. Ich erhielt das emotionalste Feedback von Landschaften und beschloss, keine Zeit mit weniger spannender Arbeit zu verbringen. Wenn ich mich nicht ganz dem widme, was ich male, verliert es seine Aufregung und ich denke, der Mangel an Leidenschaft wird offensichtlich. Obwohl ich gerne Figuren zeichne, war es wirklich ein Mittel zum Zweck. Ich wollte besser zeichnen, und die von den Künstlern der Boston School gelehrte Methode ist der beste Weg, dies zu tun.

AA: Wie lange hast du Kunst in England und Italien studiert? Haben Sie sich in dieser Zeit für den traditionellen Ansatz der alten Meister der Malerei interessiert?

JM: Das waren Sommerprogramme, die ich am College gemacht habe. Die Englandreise war an der University of London. Leider war die Kunstabteilung nicht gut geführt und erwies sich als enttäuschend. Die Kunstgeschichte war besser. Der wahre Wert bestand darin, in die Museen zu gehen und die Constables und Turners zu sehen. Ich ging auch nach Holland, um die niederländischen Meister zu sehen. Zu diesem Zeitpunkt wurde mir klar, dass ich durch das Studium der Kunst in den Museen so viel mehr lernen konnte. Die Reise nach Italien wurde von der Boston University durchgeführt und war ausgezeichnet. Der Kunstgeschichtsprofessor Sam Edgerton war einer der besten Lehrer, die ich je hatte. Wieder einmal war ich in die Kunstwerke in den Museen vertieft. Dies lehrte mich, dass der beste Weg, sich meiner Kunst zu nähern, darin bestand, von denen zu lernen, die vor mir kamen, und zu versuchen, sie ein wenig voranzutreiben und gleichzeitig meine eigene Identität zu entwickeln.

AA: Künstler bewundern Ihre Kunstwerke oft für ihre Fähigkeit, Licht einzufangen und Leuchtkraft und Atmosphäre zu erzeugen. Können Sie zusammenfassen, wie Sie dies sowohl vom technischen als auch vom mentalen Standpunkt aus tun?

JM: Die technischen Aspekte des Malens von Licht und Atmosphäre sind ziemlich einfach. Es kommt wirklich darauf an, die richtige Farbe und den richtigen Wert für einen bestimmten Ort im illusionären Raum des Gemäldes zu mischen. Manchmal modifiziere ich eine Passage mit einer Glasur oder einem Schaum. Ich benutze auch Textur oder deren Fehlen, um Raum und Licht zu definieren. Eines der Dinge, die ich von den Meistern gelernt habe, ist, dass dicke Farbe dabei hilft, Objekte nach vorne zu bringen und leichte Objekte heller erscheinen zu lassen. Deshalb werde ich diesen „Trick“ häufig anwenden. Dünne, transparente Farbe verleiht einem Gemälde Tiefe. Die Wichtigkeit der Genauigkeit von Farbe und Wert wird mir klar, wenn ich eine Reproduktion eines meiner Gemälde sehe. Manchmal wird eine bestimmte Farbe oder ein bestimmter Wert nicht korrekt wiedergegeben und springt aus seiner Position im Raum heraus.

Geistig ist es wirklich wichtig, sich die Szene in drei Dimensionen vorzustellen. Ich habe Jahre damit verbracht, die Landschaft zu studieren und zu verstehen, was passiert und warum. Beispielsweise ändert sich die Farbe eines Objekts, wenn es bei Sonnenuntergang anders in die Ferne tritt als am Mittag. Wenn Sie verstehen, wie sich Raum und Licht auf Farbe und Wert auswirken, können Sie Farben übertreiben oder minimieren, um die Tiefe noch weiter zu erhöhen. Denken Sie daran, dass Sie versuchen, einen dreidimensionalen Raum auf einer ebenen Fläche und das Sonnenlicht nur mit Pigmenten zu malen, damit Sie nicht nur das malen können, was Sie sehen. Sie müssen auch malen, was Sie wissen, um alle Möglichkeiten zu nutzen.

Über das Meer
von Joseph McGurl, 2007, Öl, 24 x 36. Privatsammlung.

AA: Bitte beschreiben Sie Ihre Verbindung zum Meer, einschließlich Ihres „schwimmenden Studios“ Atelier.

JM: Ich bin auf dem Wasser aufgewachsen und habe meine Sommer damit verbracht, zu schwimmen, Boot zu fahren und die nahe gelegenen Inseln und Buchten zu erkunden. Es gibt wahrscheinlich psychologische Gründe, warum ich eine so starke Verbindung zum Ozean habe, aber es gibt auch künstlerische. Der Ozean und die Küste haben so viele Aspekte dessen, was mich intellektuell und visuell an unserer Welt interessiert. Es gibt unendlich viel Raum und wundervolles Licht, die Hauptthemen meiner Kunst sind. Es ist keine statische Umgebung. Die Sonne, Gezeiten, Windmuster und Wolkenformationen ändern sich von Minute zu Minute. Ich bin auch von der Herausforderung angezogen, die Tiefe, Reflexion, Transparenz, das Gewicht und die Bewegung des Ozeans zu malen.

Ich habe von Booten gemalt, seit ich ein Teenager war. In meinen frühen 20ern arbeitete ich als Yachtkapitän und benutze seitdem Malschiffe. Das Atelier ist das Neueste. Es ist ein 44 Fuß langes Segelboot mit Ketch-Takelage. Es wurde 1965 erbaut und hat schöne, klassische Linien. So viele moderne Boote sind hässlich und sehen eher aus wie Küchengeräte als wie Boote. Meine Familie und ich verbringen den größten Teil des Sommers damit, durch Neuengland zu segeln, und ich male sehr häufig an Bord, oder ich fahre mit dem Beiboot an Land und male vom Land aus mit Blick. Segeln gibt mir ein besseres Verständnis für mein Thema.

AA: Was ist Ihr Freiluftprozess? Wie wichtig ist es Ihnen, Studien und Skizzen vor Ort zu erstellen, anstatt Fotos als Referenz für Ihre Studioarbeit zu verwenden?

JM: Ich versuche, meine Reaktion auf die reale Welt darzustellen - keine flache visuelle Darstellung davon. Ich versuche, den ganzen Baum zu malen, auch die Seite, die Sie nicht sehen können. Ich versuche auch, einen lebenden Baum zu malen, der im Winter stirbt und im Frühling wieder blüht. Die Wissenschaft hat uns gelehrt, dass Raum und Zeit nicht statisch sind und dass es auf subatomarer Ebene einen Rausch der Aktivität gibt. Wenn ich das weiß, kann ich nicht von einem Foto malen, auf dem all diese Realitäten fehlen. Ich versuche auch, die Natur so vollständig wie möglich zu verstehen, und es ist der effektivste Weg, dies zu erreichen, wenn ich sie intensiv studiere, während ich sie in Farbe interpretiere. Die Herausforderung, nur mit meinen Farben ins Feld zu gehen und ein nützliches Bild zu erhalten, ist ebenfalls reizvoll. Manchmal habe ich nicht genug Zeit, um einen bestimmten Effekt festzuhalten, aber genau so geht es. Es ist schwierig, sich nur auf meine eigenen Beobachtungen zu verlassen, und es mag einfacher erscheinen, aus Fotos zu malen, aber mein Ziel ist es nicht, es auf einfachste, sondern auf beste Weise zu tun. Wie jeder andere neige ich manchmal dazu, faul zu sein, und wenn ich weiß, dass ich ein Foto habe, das mich unterstützt, schaue ich möglicherweise nicht so hart oder arbeite so lange an der Skizze, wie ich sollte.

AA: Für Künstler, die in einem Ihrer beiden jährlichen Workshops keinen begehrten Platz bekommen, geben Sie ihnen bitte einen Überblick darüber, worauf Sie sich in einem typischen Workshop konzentrieren.
JM: Ich versuche den Teilnehmern zu helfen, die Landschaft einfacher zu sehen und ihnen einige praktische Tricks zu zeigen, die ich gelernt habe, um das Malen im Freien zu erleichtern. Es gibt so viele Informationen zu sortieren. Ich glaube, Freilichtmalerei ist die am schwersten zu beherrschende Kunstform. Zusätzlich zu den üblichen Aspekten der Konzeption, Komposition, Zeichnung, des Werts und der Farbe können Freilichtmaler unendlich viele Details vereinfachen. Der Wertebereich ist bei weitem nicht groß genug, um die Helligkeit der Sonne oder die Tiefe eines Schattens zu malen, und wie malt man fünf Meilen Entfernung, die Bewegung von Wellen oder alle Blätter eines Baumes? Außerdem ändert sich das Licht ständig, es kann heiß oder windig sein, die Sonne ist in Ihren Augen und Sie müssen Ihre Vorräte auf das Nötigste beschränken.

In meinen Workshops beginne ich mit einem Überblick über meinen Malprozess und zeige den Schülern meine Malausrüstung und Dinge, die das Verfahren etwas erleichtert haben. Dann gehe ich durch Demos und Kritiken auf einige der Hauptprobleme ein, die die meisten Teilnehmer beim Malen der Landschaft haben. Ein Beispiel ist, dass sie die Tatsache aus den Augen verlieren, dass jedes Objekt eine bestimmte Form hat. Ein Felsen und ein Baum haben ähnliche zugrunde liegende Formen. Die oberflächlichen Oberflächenstrukturen verwirren die Schüler. Ich diskutiere, wie wichtig es ist, die wahre Form des Objekts zu sehen und dann kurze Wege zu finden, um die Textur dieses Objekts zu implizieren. Ich verbringe auch viel Zeit mit linearer und atmosphärischer Perspektive, um ihnen zu helfen, Tiefe in das Bild zu bringen. Normalerweise mache ich morgens eine Demo, und dann arbeiten sie nachmittags an ihren Gemälden. Ich verbringe mindestens eine Demo-Sitzung im Studio und zeige den mechanischen Prozess, wie man aus einer Skizze ein Studio-Gemälde macht. Ich zeige auch einige der einzigartigen Tools, die ich manchmal verwende, und diskutiere, wie ich das Studio eingerichtet habe. Diese Demonstration beinhaltet einige Methoden zur Manipulation von Farbe, wie z. B. Verglasung, pastose Farbe und Scraffito.

Frieden
von Joseph McGurl, 2008, Öl, 24 x 36.
Mit freundlicher Genehmigung von Trees Place, Orleans, Massachusetts.

AA: Glaubst du, es ist möglich, Künstlern das Malen mit den Fähigkeiten und Fertigkeiten beizubringen, die du erreicht hast? Ist das übertragbar oder denkst du, es ist etwas, mit dem du von Natur aus geboren bist?

JM: Ich denke, es ist ein bisschen von beidem. Man muss Talent haben und man muss etwas Training haben. Man muss auch sehr lange hart daran arbeiten. So wie Ärzte oder Klempner ihre Beiträge bezahlen müssen, tun es auch Künstler. Wenn ich auf das Kunstwerk zurückblicke, das ich in meinen 20ern gemacht habe, war es wirklich schlecht, aber es hat sich schließlich verbessert.

AA: Welche Landschaftskünstler in Vergangenheit und Gegenwart bewundern Sie?

JM: Zu den früheren Künstlern gehören die Frederic Edwin Church, Sanford Gifford, Worthington Whittredge, John F. Kensett und J.M.W. Turner, Arthur Streeton, John Singer Sargent und Hugh Bolton Jones. Für zeitgenössische Künstler wie Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Antonio López García, Don Demers, William Davis, Matt Smith, Marcia Burtt und Ken Auster.

AA: Was inspiriert dich als Künstler am meisten? Wohin wenden Sie sich für kreative Motivation?
JM: Manchmal inspiriert mich eine Show in einer Galerie oder einem Museum. Wenn ich mit anderen Künstlern draußen male, bin ich davon inspiriert, wie sie dieselbe Szene anders angehen. Auch die Natur in all ihren Formen - manchmal mit dem Abdruck des Menschen - ist für mich wahrscheinlich die inspirierendste Art, mich für das Malen zu begeistern.

Um kreativ motiviert zu werden, gehe ich einfach zur Arbeit. Manchmal habe ich die ganze Nacht über ein bestimmtes Problem nachgedacht, und wenn ich glaube, die Lösung gefunden zu haben, freue ich mich auf die Arbeit des kommenden Tages. Manchmal fühle ich mich nicht besonders kreativ, aber ich muss produktiv sein. Ich gehe meiner Arbeit nach und oft kommt die Inspiration nach einer Weile. Manchmal sind dies meine besten Tage, und der Tag vergeht zu schnell.

Weitere Informationen zu Joseph McGurl finden Sie auf seiner Website unter www.josephmcgurl.com.

Wochenende mit dem Masters Instructor
Joseph McGurl wird zwei Meisterworkshops unterrichten und währenddessen eine Demonstration geben Amerikanischer Künstler Wochenende mit der Masters Workshop-Konferenz vom 10. bis 13. September 2009. Weitere Informationen finden Sie unter www.aamastersweekend.com.


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