Techniken und Tipps

Andrea J. Smith: Erweitern Sie von einer begrenzten Palette und einem begrenzten Fokus

Andrea J. Smith: Erweitern Sie von einer begrenzten Palette und einem begrenzten Fokus

In dem neuen Atelier, das sie in Rom eröffnet hat, bringt Andrea J. Smith den Schülern bei, eine begrenzte Farbpalette zu verwenden, wenn sie genau das malen, was sie aus einer gemessenen Entfernung vom Motiv und der Staffelei sehen.

von M. Stephen Doherty

Andrea J. Smith nahm Korrekturen an a vor
Sehkraftzeichnung des Schülers an der
Atelier Canova in Rom.

Das Workshop-Magazin hat über eine Reihe von Lehrern berichtet, die einen akademischen Ansatz beim Zeichnen und Malen betonen. Die Schüler, die an ihren Workshops und Kursen teilnehmen, werden gebeten, genaue Zeichnungen von Gipsabgüssen klassischer Skulpturen anzufertigen, stundenlang posierte Modelle zu zeichnen und beim Zeichnen oder Malen die Methode der Sichtgröße anzuwenden. Obwohl es mehrere gängige Methoden gibt, die von Lehrern wie Jacob Collins, Ryan S. Brown, Michael Chelich und anderen gelehrt werden, gibt es auch wichtige Unterschiede zwischen den von ihnen empfohlenen Materialien und Techniken.

Andrea J. Smith hat ihre eigene Version dieses Bildungsprogramms an der Kunstakademie in Florenz in Italien vorgestellt. Das Harlem Studio of Art und die New Yorker Kunstakademie in New York City; und das Atelier Canova in Rom. In jedem ihrer Workshops und regelmäßigen Unterrichtsstunden bietet sie eine gesunde Balance zwischen anspruchsvollen Fähigkeiten und persönlicher Interpretation. Darüber hinaus hat sie eine spezielle Methode entwickelt, mit der Schüler lernen, mit Ölfarben zu arbeiten, die weit über das hinausgeht, was normalerweise in den USA und in Europa angeboten wird.

Um Smiths unabhängige Sicht der klassischen Kunstausbildung zu verstehen, ist es hilfreich, über das peripatetische Leben Bescheid zu wissen, das sie seit dem Verlassen der kleinen Stadt Mildura in Australien geführt hat. Nach ihrem Abschluss an der University of Melbourne im Jahr 1982 unternahm sie eine Rucksackreise durch Europa und arbeitete als Bardame, Kindermädchen und Möbelrestauratorin, bevor sie sich an der Florence Academy of Art einschrieb und sich für eine Karriere als Malerin entschied. 1999 gewann sie den A.M.E. Bale Art Award, ein australischer Malpreis, der es ihr ermöglichte, im Jahr 2000 europäische Museen zu besuchen und 2001 nach New York zu reisen. Dieser Schritt erwies sich als entscheidende Veränderung in Richtung ihrer Entwicklung, als sie Teil einer Gemeinschaft von gegenständlichen Künstlern wurde und von der Forum Gallery zur Vertretung angenommen wurde. Im November 2003 gründete sie das Harlem Studio of Art (mit der Künstlerin Judith Pond Kudlow). „Der Kernlehrplan war meine Version des Programms an der Kunstakademie von Florenz“, erklärt sie, „aber die Atmosphäre im Studio entsprach eher einem Atelier als einer traditionellen Schule in dem Sinne, dass die Schüler neben Fachleuten arbeiteten praktizierende Künstler. Ich rief die Schüler oft in mein Studio, um ihnen zu zeigen, woran ich arbeitete, und das war sowohl für ihr Lernen als auch für ihre Moral von Vorteil. Es hat die trockene Formalität der Vorübungen von Bargue-Kopien und gegossenen Zeichnungen gebrochen und den Schülern geholfen zu verstehen, warum sie Fähigkeiten erwerben mussten, als sie sahen, wie effektiv sie bei der Lösung von Problemen sein können. “

Nach seinem Studium an der Florence Academy of Art wurde Smith einer der wichtigsten Zeichenlehrer an der Akademie. Das Zeichenprogramm in Florenz umfasste eine disziplinierte, aufeinanderfolgende Reihe von Schritten, die darauf abzielten, den Schülern beizubringen, genau das zu zeichnen, was sie von einem Standpunkt aus in einem gemessenen Abstand vom Fach und der Staffelei des Schülers beobachteten. Diese Methode in Sichtgröße [siehe Seitenleiste], wie sie genannt wird, wird zuerst angewendet, um Kopien von Seiten zu erstellen, die aus dem Satz von 197 Loseblattlithografien stammen, die im 19. Jahrhundert von Jean-Léon Gérôme und Charles Bargue hergestellt wurden der Cours de Dessin (Zeichenkurs). Später durften die Schüler nach einem ähnlichen Verfahren Figuren oder Stillleben zeichnen.

Glashäuser
2007, Öl, 32 x 40. Privatsammlung.

„Grundsätzlich lernten die Schüler, wie man in Sichtgröße arbeitet, indem sie Kopien der Bargue-Platten anfertigten“, erklärt Smith. "Ich nenne diese Kopien" die Wohnung ", wobei die Zeichnungen zuerst in Graphit, dann in Holzkohle gemacht werden. Die nächste Herausforderung bestand darin, dieses Wissen anzuwenden, um ein einfaches dreidimensionales Objekt zu zeichnen und dann eine Reihe von Gusszeichnungen in Kohle zu erstellen. Schließlich würde eine Zeichnung in Kohle und weißer Kreide entwickelt.

„In Rom ist der Zeichnungsabschnitt des Kurses abgeschlossen, und die Schüler beginnen den Malkurs, indem sie zu ihrer schwarzen (Kohle) und weißen (Kreide) Zeichnung des Gipsverbandes zurückkehren und ein Grisaille-Gemälde anfertigen“, sagt Smith in Bezug auf das Atelier Canova. „Der Malkurs wird mit einfachen Stillleben-Arrangements mit einer begrenzten Farbpalette fortgesetzt. Anschließend wechseln die Schüler zu anspruchsvolleren Stillleben-Setups, die aus komplexen Objekten und gesättigten lokalen Farben bestehen. Die Unterrichtsmethode kann ziemlich starr erscheinen, soll jedoch sehr spezifische Fähigkeiten vermitteln. Es ist äußerst effektiv, um Schüler mit einer Vielzahl von Ressourcen auszustatten, die für die Entwicklung komplexerer und konzeptionellerer Gemälde verwendet werden können.

„Leider verstehen viele Menschen das Konzept der Sehgröße immer noch nicht“, betont Smith. „Das häufigste Missverständnis ist, dass die Gemälde oder Zeichnungen lebensgroß werden. Dies ist absolut falsch, da Künstler Motive in der Größe einer Briefmarke oder mehr als in Lebensgröße zeichnen oder malen können. Viel hängt von der Richtung ab, die die Künstler einschlagen möchten, und mein Kurs ist nur ein weiterer Weg, um Künstlern zu helfen, dorthin zu gelangen, wo sie hin wollen.

„Die Methode bietet dem Künstler eine schnelle und wirtschaftliche Möglichkeit, aus der Natur zu zeichnen“, fügt Smith hinzu. „In der Anfangsphase wird auf die grundlegendsten Proportionen und die Konturkante geachtet. In den Vorstufen werden nur die einfachste geometrische Form, die wichtigsten Ebenenänderungen und die Schattenmuster festgelegt. Und alle sind mit geraden Linien gekennzeichnet. Diese Bühne ist sehr skulptural, da sie dem Beginn mit einem großen Meißel ähnelt, um die großen Formen zu schnitzen und durch die Entwicklung von Oberflächentexturen und Details zu beenden. Die Zeichnung wird dann verfeinert, indem das Block-In mit dem einfachsten Bereich von Werteformen abgerundet wird. Die Schüler setzen den Prozess dann fort, indem sie die Form von den dunkelsten bis zu den hellsten Werten modellieren, bis die Zeichnung fester und dreidimensionaler wird. Die gleichen Prinzipien und Arbeitsmethoden gelten, egal ob man mit Graphit, Holzkohle oder Öl arbeitet. “ Sobald Smiths Schüler Bargue-Platten erfolgreich kopiert haben, zeichnen sie Gipsabdrücke und haben die Möglichkeit, sich für die Modellklassen am Samstag anzumelden. Hier arbeiten die Schüler in Graphit oder Kohle an einer einzelnen Pose, die ein Modell 12 bis 24 Stunden lang halten kann.

Obwohl einige von Smiths Kursen regelmäßig mit bis zu sechs Schülern pro Sitzung stattfinden, bietet sie auch kurzfristige Workshops an. Diese werden im Atelier (Stillleben, Figur und Porträt), in den Parks und auf den Plätzen (römische Stadtlandschaften) oder weiter entfernt durchgeführt. Im vergangenen Sommer unterrichtete sie Workshops zur Landschaftsmalerei in der Küstenregion Apuliens, Italien, und im südlichen Teil der Toskana. In diesem Herbst bietet sie morgens einen intensiven Workshop zum Thema Stillleben-Malen an, kombiniert mit einem Programm zum Malen von Stadtlandschaften am Abend. In der zweiten Oktoberhälfte wird sie einen intensiven Workshop zum Thema Porträtmalerei zusammen mit Stadtlandschaften unterrichten.

Mandarinen
2007, Öl, 7 x 11. Privatsammlung.

„Die meisten meiner Schüler haben Vollzeitjobs, daher muss ich eine Vielzahl von Optionen anbieten, um ihren Stundenplänen gerecht zu werden“, erklärt Smith. "Manchmal biete ich in den Wintermonaten nachts Zeichenunterricht an, manchmal einen Modellunterricht am Wochenende und gelegentlich einige spezielle Malworkshops in den Ferien. Der Zeitplan hängt davon ab, wie weit die Schüler im Kurs sind. Es kann sehr frustrierend und kontraproduktiv sein, einem Studenten, der noch nicht vorbereitet ist, ein neues Fach vorzustellen. “ Obwohl es im Atelier Canova ein ausgewogenes Verhältnis zwischen Nationalitäten und Altersgruppen gibt, sind die meisten Studenten Italiener, weshalb Smith ihre Kritik entweder auf Englisch oder Italienisch abgibt.

Smith nannte ihre Schule das Atelier Canova, weil das Gebäude, in dem es sich befindet, einst ein Atelier war, das von Antonio Canova (1757–1822) genutzt wurde, dem italienischen Künstler, der für seine Marmorskulpturen und Aktfiguren berühmt war. Fragmente antiker Skulpturen und eine Porträtbüste des Künstlers schmücken das Äußere des Gebäudes, das einen Block von der Accademia Di Belle Arti entfernt liegt. Ihr Studio in der obersten Etage bietet wunderbares Nordlicht und einen kleinen Balkon, auf dem die Schüler sitzen und ihre Pausen genießen können.

Smith ermöglicht es einigen Schülern, im Laufe des Studiums schneller voranzukommen als an anderen klassisch orientierten Schulen. "Meine siebenjährige Erfahrung in New York, in der ich gelebt, gearbeitet und unterrichtet habe, hat mich überzeugt, flexibler zu sein, wie ich auf die Fähigkeiten und Ambitionen jedes einzelnen Schülers reagiere", erklärt sie. "Ich danke meinen New Yorker Malerkollegen dafür."

Obwohl Smiths Programm weniger starr ist als andere Lehrpläne, erwartet sie dennoch, dass die Schüler viel Zeit und Aufmerksamkeit für ihr Studium aufwenden. In den Stillleben-Workshops am Wochenende, die vom 2. bis 17. Mai und vom 6. bis 21. Juni stattfanden, verbrachten die Schüler beispielsweise insgesamt 36 Stunden mit Zeichnen, Arbeiten an Farbstudien und schließlich mit dem Malen der fertigen Stücke. Smith half den Schülern, die Kosten zu senken, indem er die Farben zur Verfügung stellte, und die Schüler brachten ihre eigenen Stillleben, Pinsel und andere kleine Vorräte mit. „Wir haben den Kurs mit einem Überblick über die Entwicklung des Stillleben-Genres begonnen und mit einem Gruß an einige zeitgenössische Künstler abgeschlossen“, beschreibt der Künstler. „Alle Schüler hatten mindestens drei Zeichnungen aus der Wohnung fertiggestellt, sodass sie mit der Zeichnungsmethode in Sichtgröße vertraut waren. Dies erleichterte ihre Arbeit erheblich, da sie sich auf den Malprozess konzentrieren konnten. “

Viele der besten klassisch ausgebildeten Künstler geben zu, dass sie nicht so gut mit Farben umgehen können wie mit Zeichnen und Wertmalerei. Smith glich diesen Mangel als Student aus, indem er viel Zeit damit verbrachte, zu lernen, wie man verschiedene Ölfarben bewertet und wie sie kombiniert werden können, um eine vollständige Palette harmonischer Farben zu erhalten. „Ich habe meine eigene Arbeitsweise mit einer begrenzten Farbpalette entwickelt, und das ist einer der besonderen Aspekte meiner Workshops und Kurse“, sagt Smith. „Ich verbringe viel Zeit damit, den Menschen zu helfen, zu verstehen, wie man einige Röhrenfarben verwendet, um eine vollständige Palette von Sekundär- und Tertiärfarben vorzubereiten, die für das von ihnen ausgewählte Thema geeignet sind. Ich ermutige sie, kleine Mengen der Farben nach Bedarf vorzumischen, bevor sie mit jeder Malsitzung beginnen. Dies ist der Prozess, dem ich beim Malen folge und den ich auch für Stillleben, Figuren, Landschaften und Porträts verwende. “

Melissa
2007, Öl, 14 x 14. Privatsammlung.

Die Teilnehmer an Smiths Kursen werden anhand einer kurzen Skizze in die Farbtheorie eingeführt, um zu verstehen, wie eine begrenzte Farbpalette verwendet wird. Der Ausbilder arbeitet auch mit ihnen zusammen und bleibt einen Schritt voraus, indem er jeden Morgen eine formelle Demonstration gibt. „Während dieser Demonstrationen werden einige der grundlegendsten Techniken erläutert, beispielsweise die Unterschiede zwischen opaken und transparenten Farben“, erklärt Smith.

Die von Smith empfohlene, begrenzte Palette umfasst Bleiweiß, gelbes Ocker, englisches Rot oder indisches Rot, Kobaltblau, Alizarin-Purpur und Elfenbeinschwarz. „Diese Farben können gemischt werden, um warme und kühle Versionen der benötigten Farben zu erstellen“, erklärt sie. „Zum Beispiel können Schüler ein schönes Grün erzeugen, indem sie gelbes Ocker mit Elfenbeinschwarz oder Kobaltblau kombinieren. Eine erweiterte Farbpalette, die für ein kompliziertes Stillleben oder eine Landschaftsmalerei verwendet werden könnte, würde zusätzlich Cadmiumgelb, Indisches Gelb, Zinnoberrot, Cerulean oder Viridian enthalten. “ Zu den von Smith verwendeten Farben gehören Michael Harding, Old Holland und Robert Doak. Das von ihr empfohlene Medium wird von Robert Doak in Brooklyn hergestellt und ist eine Kombination aus Terpentin, sonnenverdicktem Walnussöl und Balsam.

Über den Künstler

Andrea J. Smith absolvierte die Universität von Melbourne in Australien und studierte an der Florence Academy of Art, wo sie später Zeichnen unterrichtete. Anschließend unterrichtete sie an der New Yorker Kunstakademie, dem Harlem Studio of Art, das sie gemeinsam mit Judith Pond Kudlow gründete, und am Atelier Canova in Rom, das sie 2008 gründete. Smith wird von der Forum Gallery in New vertreten York City. Weitere Informationen finden Sie auf ihrer Website unter www.andreajsmith.com.

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