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Spannung und Abstraktion im Realismus

Spannung und Abstraktion im Realismus

Catherine Murphys provokative und angespannte Graphitzeichnungen trotzen jeder Kategorie und lassen den Betrachter sich fragen, ob sie die Abstraktion streng wiedergibt oder den Realismus abstrahiert.

von Lisa Dinhofer

Gemähtes Feld
1985, Graphit, 14 x 17.
Alle Kunstwerke dieses Artikels Privatsammlung
wenn nicht anders angegeben.

Ein einsamer Kuchen in einem beleuchteten Ofen, ein von Katzen zerkratzter Stuhl, die Rückseite einer grob gespannten Leinwand und ein Haufen Kehrgut von einem schmutzigen Boden - das sind die ungewöhnlichen, aber ach so gewöhnlichen Bilder der außergewöhnlichen Zeichnerin und Malerin Catherine Murphy. Ungewöhnlich, weil die ausgewählten Bilder selten als Motive für große, komplexe und schön gerenderte Zeichnungen präsentiert werden. und gewöhnlich, weil sie alltägliche, gemeinsame Erfahrungen darstellen. Wer hat noch keinen Boden gekehrt?

Catherine Murphy ist gleichzeitig Minimalistin, Realistin, Meisterin im Stil der nördlichen Renaissance und abstrakte Künstlerin des 21. Jahrhunderts. Ist das möglich? Sind das Widersprüche? Oder verschiedene Facetten desselben Edelsteins? Nehmen wir jede Idee einzeln: Murphy komponiert ihre Bilder wie eine abstrakte Malerin, beobachtet aus dem Leben wie eine realistische Malerin, rendert jedes Detail wie ein Meister der nördlichen Renaissance und behandelt ihre Oberfläche - Millimeter für Millimeter - gleich wie eine Minimalistin. "Widerspruch ist der Weg zur Harmonie", sagte Murphy kürzlich in einem Telefongespräch. Dies könnte der Schlüssel sein, warum Murphys Kunstwerk die New Yorker Kunstwelt seit den frühen 1970er Jahren fasziniert und verführt hat.

Murphy wurde 1946 in Cambridge, Massachusetts, geboren und kam nach New York, um zu studieren. Mitte der 1960er Jahre schloss er das Pratt Institute und die Skowhegan School of Painting Sculpture ab. Das Timing ist hier entscheidend. Die späten 60er und frühen 70er Jahre waren eine Zeit großer Gärung in der New Yorker Kunstszene. Es war die Zeit der Abstraktion versus Repräsentation - niemals können die beiden miteinander in Einklang gebracht werden, war der weit verbreitete kritische Gedanke. Die etablierten und anerkannten Künstler waren die Abstrakten Expressionisten. "Die Figur ist tot, daher ist die figurative Malerei tot!" war der gemeinsame Schrei.

Sag niemals nie und sag niemals tot. Alice Neel, Philip Pearlstein, Alex Katz und Neil Welliver an der Ostküste sowie Wayne Thiebaud, David Park und Richard Diebenkorn im Westen haben die Figur wiederbelebt. Repräsentative Malerei wurde überdacht. Catherine Murphy wurde zu dieser Zeit erwachsen. Ihre erste New Yorker Show fand in der Genossenschaftsgalerie First Street statt. Sie wurde nach dieser Einführungsshow von dem bekannten Händler Xavier Fourcade schnell abgeholt und wird nun von der Knoedler Company aus New York City vertreten. Murphy hat zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen von Organisationen wie der Guggenheim Foundation, der Ingram Merrill Foundation und der American Academy of Arts and Letters erhalten. Heute ist sie leitende Kritikerin an der Yale University in New Haven, Connecticut, und zeigt ihre Kunstwerke weiterhin regelmäßig. Ihre letzte Einzelausstellung mit neuen Kunstwerken fand 2008 in der Knödler Galerie statt.

Teilt
2007, Graphit, 36 x 42 1/2. Sammlung
Maxine und Stuart Frankel Foundation
für Kunst, Bloomfield Hills, Michigan.

Was Murphy als Künstlerin auszeichnet, ist der Bogen ihres Wachstums von ihren ersten bekannten Zeichnungen in den 70er und 80er Jahren bis zur Gegenwart. Gemähtes Feld (1985) ist eine schöne Landschaftszeichnung ohne Vorurteile, aber sicher. Der Betrachter befindet sich in konventioneller Entfernung von der Szene, weit genug entfernt, um diesen schönen Raum durch einen Prosceniumbogen aus Ästen und Sonnenlicht zu betrachten. Es ist eine wunderschöne Landschaft, aber eine vorhersehbare, die wir zuvor erlebt haben. Vergleichen Sie Gemähtes Feld zu Teilt (2007). Wir sind nicht mehr in sicherer Entfernung, sondern tief in eine Szene gezwungen, in der ein toter Baumstamm von Mensch und Natur gespalten wurde. Wir sehen seinen inneren Kern und fühlen die Textur seines verrottenden Holzes, wenn es zum Erdboden zurückkehrt. Jedes Korn wird gezogen, jedes Unkraut freigelegt. Die Skala hat sich auch von dem kleinen und intimen (14 x 17) des gemähten Feldes zu den großen und aggressiven Baumstämmen geändert, die auf einer 36 x 42 1/2 Oberfläche gezeichnet sind. Murphy hat ihre Bilder in unsere Gesichter gedrückt. Wir sind eine körperlich aktive Teilnehmerin ihrer Arbeit geworden.

Das ist radikal. Das ist gefährlich. Nur wenige Künstler fordern so viel von ihrem Publikum. Im Ofenlicht, Wir bücken uns, um in einen offenen Ofen zu schauen und einen sprudelnden Schichtkuchen, eine Dose und alles zu sehen. Die Ecken der Zeichnung sind abgerundet, um dieses erkennbare Erlebnis zu verbessern.

Murphy nimmt keine Abkürzungen in ihrem Rendering; In keiner ihrer Zeichnungen ist ein Leerzeichen. Es gibt keinen Ort, an dem wir zu Atem kommen könnten. Wir sind gezwungen, langsamer zu werden und alles tatsächlich zu erleben. Es ist sehr schwer, schnell an einem dieser Teile vorbeizugehen. Dieses Kunstwerk braucht Zeit zum Anschauen - und viel Zeit zum Erstellen. Teilt Laut dem Künstler dauerte es drei Sommer an sonnigen Morgen, um das richtige Licht zu bekommen. Ofenlicht Die Fertigstellung dauerte bis zu sechs Monate, und der Künstler fror jeden Abend den Kuchen in der Dose ein. Die meisten Zeichnungen von Murphy sind als fertige Stücke gedacht. Sie sind keine Vorspiele zu einem Gemälde. Einige Zeichnungen können laut Künstler länger dauern als ein Gemälde.

Viele von Murphys Zeichnungen drücken einen Moment in der Zeit aus, dh die Zeit zwischen einer Handlung und ihrer Auflösung. In der Zeichnung Verschütten, Wir sind Zeuge eines zerbrochenen Glases, in dem sich Milch auf einem Holztisch ausbreitet. Wir sehen die Verschüttung gerade dann, wenn eine schöne Fensterreflexion auf den Milchpool trifft. Zufall? Kaum. Keines von Murphys Stillleben passiert einfach.

Ofenlicht
2008, Graphit, 29 5/8 x 37.

Die Vision mag flüchtig sein, das Rendering jedoch nicht. Das Erstellen dieses Setups ist ein sorgfältig entwickelter Prozess. Wie enthalten Sie das Bild von verschütteter Milch für Monate, während Sie darauf warten, genau das richtige Spiegelbild zu sehen? Als Antwort verschüttete Murphy weißes Gesso auf einen Holztisch und ließ es aushärten und trocknen. Das Gesso trocknete leider matt, was die falsche Oberfläche war, um das Licht einzufangen, also bürstete Murphy Acrylmedium darüber, um dem Überlauf eine glänzende, reflektierende Oberfläche zu verleihen.

Ursprünglich war das Glas in der Zeichnung laut Künstler ungebrochen. "Die Zeichnung hat einfach nicht funktioniert", erzählt der Künstler. "Ich kam Tag für Tag ins Studio und es hat einfach nicht funktioniert. Schließlich nahm ich einen Hammer und zerschmetterte das Glas, und da war es. “ Deshalb fühlen sich Murphys Zeichnungen unmittelbar an. Sie überraschen uns, weil der Künstler bereit ist, ein sechsmonatiges Stück mit einem Hammerschlag zu riskieren. Jetzt, Verschütten hat eine Handlung mit einer heftigen Kante. Wer hat die Milch verschüttet und warum? Wer hat das Glas zerbrochen und wie? Wer wird es an einem so schönen sonnigen Tag aufräumen?

Alle jüngsten Zeichnungen von Murphy sind schwarzweiß und vollständig tonal. Dies sind zwei verschiedene Möglichkeiten. Eine Tonzeichnung ist eine Zeichnung, bei der die Oberfläche im Laufe der Zeit aufgebaut wird und die Linien, die die Kanten der Objekte vom Boden trennen, verwischt werden. "Für eine Zeichnung, die Monate dauern kann, verbringe ich ungefähr eine Stunde in der ersten Zeile." Murphy sagt. Eine Möglichkeit, die Technik eines Künstlers zu studieren, besteht darin, nach Bereichen zu suchen, die möglicherweise nicht vollständig sind. In diesen Bereichen können wir die Hand des Künstlers beobachten. In Murphys Fall ist der beste Ort, um zu schauen, der Rand des Bildes, wo die Abgrenzungslinie zwischen weißem Papier und Graphit auftritt. Normalerweise wird dieser Bereich von der Matte in einem Rahmen abgedeckt. Studio Regale, Bei genauer Betrachtung zeigt sich eine stark aufgebaute Graphitoberfläche auf schwerem Papier. Murphy verwendet Arches-Papier von einer Rolle, normalerweise 140 Pfund, und 5B Prismacolor Turquoise-Graphitstifte, die bis zu einer Nadelspitze angespitzt sind. Sie baut die Graphitoberfläche auf, indem sie in die Dunkelheit arbeitet und das Weiß des Papiers als hellstes Highlight zurücklässt. Manchmal arbeitet der Künstler von links nach rechts, überlagert die Zeichnung schrittweise mit Graphit und reduziert sie mit Radiergummis, bis der richtige Effekt erzielt wird. Durch Arbeiten auf einer Papierrolle anstelle einzelner Blätter kann die Künstlerin die Größe und Form ihrer Bildebene auswählen. Beispielsweise: Studio Regale misst 29½ x 36 3/4, Teilt ist 36 x 42 1/2 und Aufgefegt ist 25 5/8 x 33 1/2.

Studio Regale
2008, Graphit, 29 1/2 x 36 3/4.

Die Wahl zwischen Schwarz und Weiß ist von Bedeutung. Ein Teil der emotionalen Beobachtungserfahrung wird durch das Entfernen von Farbe weggenommen. Diese Zeichnungen werden in ihrer Präsentation journalistisch. Der Fokus liegt auf den Objekten, den Beziehungen zwischen Objekten und dem Licht, das auf sie fällt. Interessanterweise muss der Künstler mit Farbreaktionen vertraut sein, um ein glaubwürdiges Wertobjekt zu schaffen. Jedes Grau zeigt eine andere Farbe - in Gelbe Perlen, Das Grau einer gelben Perle unterscheidet sich völlig von der Fleischfarbe des Halses der Dargestellten oder dem Grün ihrer Bluse. Drama ist ein weiteres Element einer Schwarzweißzeichnung mit einem weiten Wertebereich. Die Erzählung des Bildes wird zum Schlüssel, wie in Kratzer. Hier ist die Geschichte einer unsichtbaren Katze, eines Familienstuhls und deren Zerstörung.

Einen Künstler zu bitten, die Künstler zu nennen, die er oder sie am meisten bewundert, ist eine heikle Angelegenheit, vor allem, weil sich Geschmack und Meinung so häufig ändern. Die heutigen Einflüsse werden sich wahrscheinlich am Morgen ändern. Also was - wir fragen trotzdem. Murphys Antwort auf diese Frage war interessant. Die minimalistischen Maler Robert Mangold und Ellsworth Kelly sind wichtige Einflüsse. Beim minimalistischen Malen und Zeichnen wird die Idee zum Schlüssel und der Stil wird irrelevant, weil sich auf der Oberfläche, wenn überhaupt, nur sehr wenig befindet. Was die Minimalisten interessiert, ist die Geometrie der Bildebene. Catherine Murphy liebt Geometrie - so komponiert sie ihre Seite. Beispielsweise, Aufgefegt porträtiert ein Oval aus Trümmern mit Markierungen vom Besen, die auf dieses Oval zeigen. Murphy behandelt ihre Oberfläche gleichmäßig von links nach rechts, und ohne Änderung des Fokus kann dies die Bildebene abflachen, wie bei einigen minimalistischen Kunstwerken. Aber hier hört der Einfluss auf. Für einige ist Minimalismus ein Ende. Für Murphy ist es nur der Anfang.

Verschütten
2007, Graphit, 28 x 40.

Murphys wahre Leidenschaft liegt in der Beobachtung - dem treu zu sein, was sie sieht. Der physischen Vision treu zu bleiben, bringt eine ganze Reihe neuer Elemente auf die Seite, nicht zuletzt die psychologischen und physischen Dimensionen des Subjekts. Beispielsweise, Eileens Rücken ist eine geometrische Untersuchung des Rückens einer Frau. Ja, aber man kann die Tatsache nicht ablehnen, dass dies der sehr sommersprossige Rücken einer Frau mittleren Alters ist. Die Komposition wurde am Hals abgeschnitten, um die Aufmerksamkeit auf die Schulterblätter zwischen ihren BH-Trägern zu lenken. Wir berühren ihre Haut mit unseren Augen. Im Aufgefegt Wir sehen einen Staubhaufen aus der Maus. Kurz gesagt, die Minimalisten schieben uns weg, aber Murphy bringt uns ganz nah heran. Manchmal zu nah und zu persönlich? Sicher zeigt sie uns die übersehenen Ecken unseres Lebens. In diesen Ecken gibt es Poesie und Musik. Aber keine Romantik - Murphys Kunst ist die Kunst des Realen und Ungeschminkten.

Über den Künstler

Catherine Murphy wurde in Cambridge, Massachusetts, geboren und studierte am Pratt Institute in Brooklyn, New York, und an der Skowhegan School of Painting Sculpture. Sie war Gegenstand zahlreicher Einzelausstellungen und war zwei Jahrzehnte lang leitende Kritikerin der Malerei an der Yale University in New Haven, Connecticut. Sie wird von der Knoedler Company in New York City vertreten.

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